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EL ARTE DE HARLOCK: JUAN BOBILLO
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"SE ACABÓ LA ÉPICA", DOCUMENTAL SOBRE EL ESCRITOR NÉSTOR SÁNCHEZ, SE ESTRENA EL 26 DE FEBRERO
(Información de prensa) El 26 de febrero llega a los cines argentinos Se acabó la épica. Alrededor de la vida y obra de Néstor Sánchez, documental de Matilde Michanie sobre la vida y la obra de Néstor Sánchez, uno de los escritores argentinos fundamentales de los años '60 dueño de una prosa inquietante, extravagante y experimental, admirada por su amigo Julio Cortázar. Desafortunadamente, sigue siendo un autor más referenciado que leído.
Entre 1967 y 1973, en pleno auge del "Boom" de la literatura latinoamericana, Néstor Sánchez publica cuatro novelas. Su originalidad es prometedora pero a la vez lo ubica en un sector marginal del mercado. Su vida y su carrera se alimentan una de la otra. El escritor viaja, se casa, escribe, traduce, edita. Va del arrabalero dos por cuatro a la danza esotérica; de la literatura a la experiencia mística. El intento de fundir la poesía con la prosa, que Sánchez denominará escritura poemática, lo convierte literariamente en un rebelde solitario, en un autor de la literatura argentina misterioso y único. Con una obra particular e inclasificable.
Se acabó la épica es un recorrido fragmentario del camino de este buscador perpetuo.
Néstor Sánchez, en medio de una entrevista
Matilde Michanie: Es investigadora, guionista, realizadora y productora de filmes documentales, con más de 25 años de experiencia. Estudió cine en la Argentina y luego se radicó en Alemania, donde se graduó en la Universidad de Kassel. Varios de sus documentales fueron producidos por la televisión y los fondos cinematográficos de ese país. También ha trabajado como investigadora y productora para realizadores alemanes y austríacos. A partir de su retorno definitivo a la Argentina ha realizado y producido Licencia Número Uno, Judíos por elección, cortos con mirada de género y otros dedicados a campañas preventivas de salud, A vuelo de Pajarito y Se acabó la épica. Alrededor de la vida y obra de Néstor Sánchez, su último documental.
Néstor Sánchez: Nació en Buenos Aires (barrio de Villa Pueyrredón) el 7 de febrero de 1935. Cursó el secundario en el colegio Mariano Acosta, que abandonó a raíz de la muerte de su padre. De adolescente comenzó a trabajar en las oficinas de Ferrocarriles Argentinos, frecuentando la zona denominada La Siberia. Se aficionó al billar y resultó varias veces campeón del barrio. Despertada su pasión por el turf, comenzó a escribir poesía.
A mediados de los '50 combinaba milongas y encuentros poéticos con Edgar Bayley, Francisco Madariaga y Enrique Molina. En 1958 empezó a trabajar como jefe de redacción de la sección Síntesis del Servicio de Prensa de Casa de Gobierno. En 1963 publicó su primer libro, Escuchando a tu hijo, del que siempre renegó. A principios de los '60, el descubrimiento del jazz le resultó determinante para la construcción de sus próximos libros. Trabajó como crítico literario en Primera Plana y luego en la revista Confirmado.
Su primera novela, Nosotros dos, fue publicada por Julio Cortázar por Sudamericana en 1966. Al año siguiente editó Siberia Blues y comenzó a tener un círculo de lectores que iría aumentando. En 1969, producto de ese primer contacto con el trabajo espiritual del cuarto camino, escribió El amhor, los orsinis y la muerte, novela escrita en clave cifrada para entendidos de las leyes de Gurdjieff. En 1970 viajó a Europa y publicó en Seix Barral tres novelas. Bajo contrato, comenzó a escribir Cómico de la lengua, su cuarta novela.
En 1988 logró publicar el último libro que escribe apenas llega a Buenos Aires, La condición efímera: Una serie de relatos breves, que incluye el diario de Manhattan, un punteo delicado sobre su estancia en Nueva York. Murió en el barrio de Villa Pueyrredón el 15 de abril de 2003.
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PHANTOM: EL OTRO EN SU MEJOR VERSIÓN
Phantom. Director: Sergio Lombardo. Protagonistas: Juan Rodó (Erik, el Fantasma), Eluney Zalazar (Christine Daaé), Enrique Raúl Cragnoline (Gerard Carriere), Manuela Perín (Carlotta), Diego Rodríguez (Philippe de Chandon), Guido Napp (Alain Cholet), Gonzalo Beron Muñoz (Inspector Ledoux), Mauro Murcia (Oberon), María Betania Antico (Belladova), Iñaki Iparraguirre (joven Carriere), Julio Omar Irigoyen (Jean-Claude), Julián Andrés Molinero (ministro de Cultura), Jorge Masselli y Mariano Díaz (policías), Jennifer Andrea Schomberger (Flora), Sofía Rangone (Fleure), Belén Buconic (Florence) y Santiago Forrester (joven Erik), entre otros. Ensamble: Juan Pablo Guazzardi, Sabrina Traini, Tali Lubieniecki, Camila Muraki, Melisa Costadoni, Valentina Macri y Franco Pagliotto. Libro: Arthur Kopit, basado en la novela El Fantasma de la Ópera, de Gaston Leroux. Música y letras: Maury Yeston. Traducción y adaptación: Juan Rodó, Florencia Mac Donough, Angie Mac Donough y Lorna Dobie. Dirección musical y vocal: Juan Rodó. Coreografía: Alejandro Ibarra. Dirección coral: Santiago Rosso. Arte y escenografía: Estudio Gaucho. Vestuario: Jorge Maselli y Beatriz Pertot. Diseño de luces: Carlos Gaber. Diseño de proyecciones: Diego y Víctor González Vigil. Diseño y operación de sonido: Tato Ricardi. Diseño de máscara: Andrés Parrilla. Jefe Técnico: Fabián Luna. Funciones: Viernes y sábados, a las 21:00 horas, en el Teatro del Globo (Ciudad Autónoma de Buenos Aires).
No soy un fanático de los musicales. No logro conectar con ese tipo de propuestas. Me parece antinatural que la gente vaya por ahí cantando en vez de hablando. No me resulta creíble. No me atrae. Es más, suelo irme de esos espectáculos (física o mentalmente) poco después de que arranquen. Y, sin embargo, contra todos mis pronósticos más agoreros, me quedé sentadito en mi butaca del Teatro del Globo hasta que terminó la representación de Phantom, puesta argentina del espectáculo de Broadway parido por Arthur Kopit y Maury Yeston (la dupla creativa tras Nine, nada menos), en base al clásico folletín de Gaston Leroux, El Fantasma de la Ópera.
La obra no las tiene todas consigo, reflexiono mientras tipeo estas palabras. Porque aunque haya sido pensada y elaborada (que no estrenada) antes del suceso británico de Andrew Lloyd Webber, la fama, la trascendencia y el nivel de producción que exhibe con desparpajo el otro Fantasma de la Ópera le juega en contra a este Phantom, porque lleva a comparaciones injustas y odiosas de las que, indefectiblemente, sale perdiendo. Además, los parlamentos originales son (por momentos) demasiado maniqueístas, pomposos y huecos; y dichos en argentino suenan (para la París del siglo XIX) algo falsos.
No soy especialista en musicales; y no tengo idea si Phantom nació pensada como drama o como farsa, o si amaneció un tanto fracturada en su propuesta. Pero el hilvanado de los cuadros pretendidamente serios y las escenas cómicas fluye un tanto forzado; y en el balance general me parece que la elección de un tono satírico le hubiera sentado mucho mejor al conjunto. El problema principal, creo, viene dado porque la hondura existencial de la tragedia que se desarrolla en el escenario es alcanzada y transmitida por las voces y los cuerpos que la transitan (notables, en ese sentido, resultan las actuaciones protagónicas de Juan Rodó, Eluney Zalazar y Manuela Perín), pero no por las palabras que ellos dicen y cantan.
Me queda claro que ésta es la mejor versión posible que pueda montarse de Phantom. Hay momentos de sublime belleza en el ensamble de voces, luces y música, que nos permiten avistar el horroroso abismo que se abre cuando la crueldad y el amor se dan la mano; y el silencio tiende un manto de piedad sobre la incomprensión. Hasta que cae el telón y queda flotando en el aire ese mudo reclamo de perdón, pedido cuando ya era demasiado tarde.
Fernando Ariel García
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EULENSPIEGEL: EL ESPEJO DE LOS ESTÚPIDOS
Eulenspiegel Nº 2/2015. Autores: Verst And, Utz Bamberg, Beck, Henning Beermann, Anke Behrend, Harm Bengen, Matthias Biskupek, Lo Blickensdorf, Peter Butschkow, Carlo Dippold, Jan Decker, Matti Friedrich, Burkhard Fritsche, Gregor Füller, Arno Funke, Garling, Gerhard Glück, Barbara Henniger, Gerhard Henschel, Hogli, Renate Holland-Moritz, Frank Hoppmann, Rudi Hurzl Meier, Michael Kaiser, Christian Kandeler, Petra Kaster, Florian Kech, Werner Klopsteg, Peter Köhler, Andreas Koristka, Kriki, Uwe Krumbiegel, Mario Lars, Ove Lieh, Werner Lutz, Peter Muzeniek, Nel, Robert Niemann, Guido Pauly, Ari Plikat, André Poloczek, Andreas Prüstel, Erich Rauschenbach, Hannes Richert, Ernst Röhl, Valentin Schark, Reiner Schwalme, André Sedlaczek, Guido Sieber, Klaus Stuttmann, Atze Svoboda, Peter Thulke, Reinhard Ulbrich, Felice Von Senkbeil, Mathias Wedel, Kat Weidner, Freimut Woessner, Erik Wenk, Martin Zak, entre otros. Portada: Arno Funke. Redactor en Jefe: Mathias Wedel. 66 páginas a todo color. Eulenspiegel GmbH. ISSN: 0423-5975-86514. Alemania, febrero de 2015.
El homenaje a Charlie Hebdo abre este número de Eulenspiegel
Me cuesta mucho entrarle a la revista alemana Eulenspiegel. Sobre todo porque no entiendo alemán, aunque sí esté al tanto de la trascendencia local de esta longeva publicación satírica, rápidamente equiparable a nuestraHumor o la española El Jueves. Pero, por suerte, el conocido que me la trajo desde Alemania sí habla alemán. O, al menos, dice hacerlo. Así que, con las reservas del caso, me explayaré sobre lo que (me han dicho) dice este estandarte impreso del humor teutón, expresión de la intelectualidad sarcástica y del sarcasmo intelectual.
Eulenspiegel busca agitar la opinión pública, sobre todo en relación con los temas, los casos y las gentes que marcan la agenda por ser de interés público y/o ganan el interés público por aparecer en las agendas de los medios de comunicación masivos. Sus páginas pobladas de humor gráfico, artículos periodísticos y chanzas varias, buscan sacudir la inteligencia, fomentando el pensamiento crítico como herramienta de abordaje. Dirigen sus dardos, principalmente, al ciudadano que está interesado en la coyuntura sociopolítica y, por lo tanto, llega a los contenidos con una importante carga de información (y opinión) previa.
Con esta condición; y estando al tanto del código comunicacional propuesto por Eulenspiegel, puede disfrutarse plenamente de los distintos estilos y lenguajes que conviven en la revista. Un poco irrespetuoso, otro tanto provocador, el humor de Eulenspiegel se basa en la exageración deformada, en el uso de una comicidad urticante e incómoda que no siempre termina en la carcajada, pero le sirve a la pléyade de autores para mostrar la desnudez del Rey, en cuerpo y alma.
Básicamente, lo que hace Eulenspiegel es evidenciar los vicios y ridiculizar las creencias de sus contemporáneos, aplicando buenas dosis de simbolismo al exhibir el relato que se enmascara tras las apariencias, los hechos que contradicen a las palabras que se dijeron con pompa y caras circunstanciales. Arroja así algo de luz sobre el costado de la realidad que, premeditadamente, algunos quieren mantener en segundo o tercer plano.
A Eulenspiegel esta impronta le viene impuesta desde el mismo nombre, que recupera la identidad de un clásico personaje del folklore alemán, el Till Eulenspiegel ligado a las festividades medievales del carnaval y que fuera llevado a la historieta por Enrique Breccia y Dino Battaglia, entre otros. La más de las veces representado como un bufón (el que está a la izquierda del título, en la tapa, mostrando el culo), Eulenspiegel es el típico embaucador de la picaresca, que según la leyenda y los relatos orales y escritos que la forjaron, se hacía pasar por estúpido para burlarse libremente de la nobleza y el clero, los poderosos de su época.
Es que, etimológicamente, el nombre Eulenspiegel vendría a significar algo así como “el espejo de los estúpidos”, porque refleja la estupidez de los demás. Que también es la nuestra, si todo lo que me leyeron de este Eulenspiegel es lo que efectivamente dice.
Fernando Ariel García
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LA NUEVA PELÍCULA DE AL PACINO, "DIRECTO AL CORAZÓN", SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 19 DE MARZO
(Información de prensa) 40 años atrás, una carta nunca enviada por John Lennon podría haber cambiado su vida para siempre. Pero acaba de recibirla hoy.
Protagonizada por Al Pacino, Jennifer Garner, Christopher Plummer, Annette Bening y Bobby Cannavale, Directo al corazón (Danny Collins, 2015) llega a los cines argentinos el próximo 19 de marzo. Dirigida por Dan Fogelman, la película, inspirada en una historia real, cuenta con música de John Lennon.
Al Pacino interpreta al envejecido rockero de los '70, Danny Collins, que no puede renunciar a su vida llena de excesos. Pero cuando su manager (Christopher Plummer) le muestra una carta sin entregar que le escribió John Lennon hace 40 años, decide cambiar de rumbo y embarcarse en un inspirador viaje para redescubrir a su familia, encontrar el amor verdadero y comenzar un segundo acto.
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EL CÓDIGO ENIGMA: TEORÍAS Y PRÁCTICAS
El código Enigma. Director: Morten Tyldum. Protagonistas: Benedict Cumberbatch, Mark Strong, Keira Knightley, Matthew Goode, Rory Kinnear, Charles Dance, Allen Leech, Matthew Beard y Alexandre Desplat, entre otros. Guionista: Graham Moore, en base al libro Alan Turing: The Enigma, de Andrew Hodges. Black Bear Pictures / FilmNation. Reino Unido / EE.UU., 2014.
El tema es Alan Turing. La vida y la obra de Alan Turing, el padre de la computación tal cual la conocemos hoy en día y la seguiremos descubriendo a partir de mañana, el primero entre todos los contemporáneos con la inteligencia natural necesaria para pensar (y teorizar) la posibilidad del desarrollo de una inteligencia artificial, el hombre que le ahorró al mundo un par de años de la Segunda Guerra mundial al descifrar los códigos con que los nazis encriptaban sus transmisiones. El matemático sin par que, en la Inglaterra que criminalizaba la homosexualidad, asumió el riesgo de defender sus convicciones y terminó castigado por su elección sexual e invisibilizado por su contribución a la Patria.
Los que conocen del tema (entre los que no me incluyo) aseguran que la biopic El código Enigma (The Imitation Game, 2014) tergiversa demasiado los hechos reales que pone en pantalla. Que el verdadero Turing guarda muy poca relación con el entramado de intelectualidad nerd, supina arrogancia, distinguida socarronería, represión inquebrantable y mecánica determinación que articula con precisión escalofriante el enorme Benedict Cumberbatch (futuro Doctor Strange en el universo fílmico de Marvel, dicho sea de paso), muy por encima de todos sus compañeros de rubro, al igual que su Alan Turing.
Convengamos que todo eso es cierto, que la verdad (si es que existe una) está en el libro Alan Turing: The Enigma, de Andrew Hodges, en la que esta película basada en hechos reales dice estar basada. La verdad, no me importa. El cine, de por sí, es una mentira. Una hermosa mentira que, puesta en perspectiva, ayuda a entender la realidad, a aprehenderla de manera directa, poética y conmovedora. Una licencia dramática (permítaseme el término) que imita a la vida en un juego de espejos narrativos que puede equipararse con el título original de El código Enigma, ese juego de imitación que refiere, también, al test que el verdadero Turing propuso en 1950 para comprobar si nuestro interlocutor era un ser humano o una máquina.
El filme del noruego Morten Tyldum (el mismo de Cacería implacable), aborda con maestría cinematográfica el dilema ético de la relación entre el fin y los medios, las decisiones racionales y las consecuencias emocionales, la disparidad de fuerzas entre el Estado y la ciudadanía. Sacando provecho del trasfondo bélico para montar un vertiginoso rompecabezas donde los agentes de inteligencia detentan el verdadero poder; y acomodan las fichas de acuerdo con las conveniencias de sus morales públicas y privadas. Una de esas películas que se dan cada tanto, muy de vez en cuando, como las humanidades del calibre de un Alan Turing. Conviene no dejarla pasar.
Fernando Ariel García
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DEL 19 DE FEBRERO AL 13 MARZO, "ESPANORAMAS. MUESTRA DE CINE ESPAÑOL" EN BUENOS AIRES
(Información de prensa) La Cooperación Española, a través de la Embajada de España en Argentina y el CCEBA Centro Cultural de España en Buenos Aires, en colaboración con el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) de España y el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) de la Argentina, presentan el festival Espanoramas. Muestra de cine español, a realizarse en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en el Espacio INCAA Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1637, del 19 de febrero al 4 de marzo, con entrada general a $ 8); y la Universidad del Cine (Pasaje Giuffa 330, del 9 al 13 de marzo, con entrada libre y gratuita).
La Muestra de cine español presentará una treintena de películas y recibirá a invitados como la actriz Maribel Verdú, el director y también actor, Paco León; y el curador del D’A Festival Internacional de Cinema D'Autor de Barcelona, Carlos Losilla. En este contexto, la Sala 1 del Espacio INCAA Cine Gaumont Km 0 exhibirá, del 19 de febrero al 4 de marzo, las secciones Estrenos, con cintas recientes en su mayoría sin debut comercial en la Argentina; Clásicos, con filmes de referencia de la cinematografía española; y el Foco Maribel Verdú, un repaso a la extensa carrera de la reconocida intérprete. Simultáneamente, el auditorio de la Universidad de Cine proyectará Un impulso colectivo, un ciclo del D’A con obras de nuevos directores y guionistas.
“La Muestra de cine español surge de un contexto excepcional. De algún modo las fronteras se han movido, algunos filmes que participan en los grandes festivales son a la vez aceptados por el público español y, al mismo tiempo, una generación de nuevos directores con desafiantes propuestas formales se encuentran en el foco de atención de programadores y crítica internacional”, subraya Juan Duarte. Por tanto, “el objetivo de Espanoramas pasa por trazar una panorámica lo suficientemente variada, heterogénea, como para responder a un ahora muy concreto en la historia de nuestro cine”, concluye el consejero cultural de la Embajada en la Argentina.
Además de la colaboración de la Universidad de Cine (FUC), Espanoramas. Muestra de cine español cuenta con el patrocinio de Air Europa, Bodega Séptima, Antonio Banderas (Fragancias Puig) y Hotel Bel Air Buenos Aires.
PROGRAMA
Foco Maribel Verdú, Espacio INCAA Cine Gaumont Km 0: Maribel Verdú, ganadora de dos Premios Goya y del Premio Nacional de Cinematografía, es una de las intérpretes españolas más reconocidas y con mayor proyección internacional. Gracias a este merecido homenaje, podremos disfrutar de películas ya antológicas y otras más recientes y premiadas. Curador: Fran Gayo.
Maribel Verdú comenzó su carrera a los trece años de la mano de Vicente Aranda con El crimen del Capitán Sánchez. Poco después vinieron películas tan importantes como 27 horas, de Montxo Armendáriz, La estanquera de Vallecas, de Eloy de la Iglesia y El año de las Luces, de Fernando Trueba. A partir de entonces ha trabajado con los mejores directores españoles: José Luis Garci (Canción de Cuna), Bigas Luna (Huevos de Oro), Fernando Trueba (Belle Epoque, Premio Oscar a la Mejor Película Extranjera 1993), Vicente Aranda (Amantes), Emilio Martínez-Lázaro (Carreteras Secundarias), Carlos Saura (Goya en Burdeos), Gonzalo Suárez (El Portero; Oviedo Express), entre otros.
En el ámbito internacional, se destacan sus roles protagónicos en Y tu Mamá también, de Alfonso Cuarón, y El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro. Tras esta última película, fue invitada a formar parte de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood, a la que pertenece junto a las academias española, europea y mexicana. Trabajó en teatro en obras como Después de la lluvia, de Sergi Bellbel, Te quiero muñeca, de Ernesto Caballero, Las amistades peligrosas, de Christopher Hampton, Por amor al arte, de Neil Labute, Un dios salvaje, de Yasmina Reza, El tipo de al lado y Los hijos de Kennedy, dirigida por José Maria Pou.
Con más de sesenta películas rodadas, y tras numerosas nominaciones a los Premios Goya, obtuvo el premio a la mejor actriz protagónica por Siete Mesas de billar francés (2008), de Gracia Querejeta; y por Blancanieves (2013), de Pablo Berger. Además, posee dos Premios Ondas y tres Fotogramas de Plata. El Círculo de Escritores Cinematográficos Españoles la ha reconocido como mejor actriz por La buena estrella (1998) y por Siete mesas de billar francés (2008). Ha recibido el Premio Ariel a la mejor actriz en México por El laberinto del fauno (2007); la Medalla de Oro de la Academia Española de Cine (2008) y el Premio Nacional de Cinematografía de España (2009). Entre sus últimos trabajos en cine destacan: 15 años y un día, de Gracia Querejeta, Blancanieves, de Pablo Berger, Fin, de Jorge Torregrosa, Los girasoles ciegos, de José Luis Cuerda, y Tetro, de Francis Ford Coppola.
Blancanieves (2012), de Pablo Berger: 19 de febrero a las 20:30 horas, con la presencia de su protagonista, Maribel Verdú. Versión libre, de carácter gótico, del popular cuento de los hermanos Grimm, que ha sido ambientada en España durante los años 20. Blancanieves es Carmen, una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra Encarna. Huyendo de su pasado, Carmen emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: Una troupe de Enanos Toreros.
La buena estrella (1997), de Ricardo Franco (1997): 21 de febrero a las 19:00 horas. Rafael conoce a Marina, una muchacha embarazada y golpeada por Daniel, su amante. Rafael la acoge en su casa y la protege. Rafael, Marina y su niña, Estrella, llevan una apacible vida durante años; pero una noche aparece malherido Daniel. En las siguientes semanas, él pondrá en peligro el mundo que Rafael se había construido.
Belle Epoque (1992), de Fernando Trueba: 22 de febrero a las 19:00 horas. Poco antes de estallar la Guerra Civil española (1936-1939), Fernando decide desertar y se refugia en una casa de campo, donde es bien acogido por Manolo, un pintor excéntrico que vive retirado debido a sus ideas políticas. El chico mantiene sucesivamente relaciones con las cuatro hijas de su protector, sin saber muy bien de cuál de ellas está enamorado.
De tu ventana a la mía (2011), de Paula Ortiz: 23 de febrero a las 21:30 horas. Tres mujeres, de edades y épocas distintas, que han fracasado en el amor, tienen que afrontar la vida en un ambiente cerrado y hostil. Son mujeres que no pudieron elegir su camino y tuvieron que vivir una vida soñada, imaginada, cosiendo junto a su ventana.
El año de las luces (1986), de Fernando Trueba (1986): 25 de febrero a las 21:30 horas. 1940. Los huérfanos Manolo y Jesús viajan a un preventorio para niños tuberculosos. Manolo se siente atraído de inmediato por una adolescente de su edad, y vive allí su despertar sexual, a pesar de la disciplina de la institución.
Amantes (1991), de Vicente Aranda (1991): 2 de marzo a las 21:30 horas. Madrid, 1955. Paco, un joven que acaba de terminar el servicio militar, decide establecerse en la capital. Tiene planeado casarse con su novia Trini, pero otra mujer, una atractiva viuda llamada Luisa a la que ha alquilado una habitación, se cruza en su camino. Obsesionado con su amante, Paco se alejará cada vez más de su novia, teniendo que elegir entre ambas.
Siete mesas de billar francés (2007), de Gracia Querejeta: 4 de marzo a las 19:00 horas. Ángela se entera que su padre ha caído enfermo, y con su hijo van a verlo a la ciudad. Cuando llegan, se enfrentan con la situación ruinosa que atraviesa el negocio de su padre: un local de billar. Ángela decide entonces intentar sacarlo a flote.
Estrenos, Espacio INCAA Cine Gaumont Km 0: La sección presenta películas de los últimos años, que aún no han sido exhibidas dentro del circuito comercial argentino. La selección abarca diversos géneros, modos de realización, y el trabajo de prestigiosos directores contemporáneos. Curador: Fran Gayo.
Stockholm (2013), de Rodrigo Sorogoyen: 20 de febrero a las 19:00 horas; y 27 de febrero a las 21:30 horas. Drama psicológico que explora lo masculino y lo femenino, la tracción y la repulsión, la sexualidad y el síndrome de Estocolmo. Todo ello dentro de un ambiente cotidiano y actual: una discoteca, una calle, una casa, una noche y la mañana siguiente.
Magical girl (2013), de Carlos Vermut: 20 de febrero a las 21:30 horas. Luis (Luis Bermejo), un profesor de literatura en paro, trata de hacer realidad el último deseo de su hija Alicia (Lucía Pollán), una niña de 12 años, que padece un cáncer terminal: tener el vestido oficial de la serie japonesa de dibujos animados Mágical Girl Yukiko. El elevado precio del vestido llevará a Luis a poner en marcha una insólita y oscura cadena de chantajes. En estas circunstancias, conoce a Bárbara (Bárbara Lennie), una atractiva joven que sufre trastornos mentales, y a Damián (José Sacristán), un profesor retirado con un tormentoso pasado. Los tres quedarán atrapados en una oscura red, en la que instinto y razón entran en conflicto.
3 bodas de más (2013), de Javier Ruiz Caldera (2013): 21 de febrero a las 21:30 horas; y 23 de febrero a las 19:00 horas. ¿Hay algo peor que tu ex novio se case con otra y te invite a su boda? Ruth asiste a todas, pero mientras tanto tendrá que enfrentarse a su pasado y decidir con quién quiere compartir su futuro.
Caníbal (2013), de Manuel Martín Cuenca (2013): 22 de febrero a las 21:30 horas. Carlos es el sastre más prestigioso de Granada. Un hombre respetable. Sus pasiones son el trabajo y sobre todo la comida, pero no come cualquier cosa: Se alimenta de mujeres desconocidas, con las que no tiene ningún vínculo emocional. Esa situación cambia el día en que conoce a Nina, una joven rumana que busca desesperadamente a su hermana gemela, que ha desaparecido hace unos días.
Gente en sitios (2013), de Juan Cavestany: 24 de febrero a las 21:30 horas. Rodada con cámara en mano, varias historias conforman un relato plural, que recorre la comedia, el drama, el relato social, el terror y el surrealismo, con el denominador común de “la irreductible poesía de la condición humana frente las embestidas de lo extraño y lo caótico”.
La tumba de Bruce Lee (2013), de Julián Génisson, Lorena Iglesias y Aaron Rux: 25 de febrero a las 19:00 horas. Arranca con una pareja patológicamente entusiasta y dada al vino, que decide volar a Seattle para materializar sus sueños: Ella sueña con potenciar su liderazgo en un exclusivo seminario de coaching corporativo, La semana del lenguaje corporal; él, con acercarse lo más posible a la tumba del mayor luchador de todos los tiempos. Una vez en Seattle, un gángster superdotado les enseñará que hace falta más que un mapa para llegar a la tumba de Bruce, y más que un cuerpo para dominar la comunicación interpersonal. ¿Sobrevivirá su relación al entrenamiento? ¿Lograrán entusiasmarse por un sueño común? Seattle es un puzzle: ¿Conseguirán encontrar un marco lo bastante bonito como para colgarlo?
Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013), de David Trueba: 26 de febrero a las 19:00 horas y 4 de marzo a las 21:30 horas. Antonio es un profesor que utiliza las canciones de The Beatles para enseñar inglés en la España de 1966. Cuando se entera de que su ídolo John Lennon está en Almería rodando una película, decide viajar hasta allí para conocerle. En su ruta recoge a Juanjo, un chico de 16 años que se ha fugado de casa; y a Belén, una joven de 21 que aparenta estar también escapando de algo.
La herida (2013), de Fernando Franco: 26 de febrero a las 21:30 horas. Ana es una mujer de 28 años que se siente útil y satisfecha en su trabajo rutinario ayudando a otros. Sin embargo, fuera de su jornada laboral, Ana tiene serios problemas para relacionarse, pues es socialmente torpe, incluso agresiva, con las personas más cercanas y queridas.
Carmina o revienta (2014), de Paco León: 28 de febrero a las 19:00 horas; con la participación de su director. Carmina es una señora de 58 años que regenta una venta en Sevilla donde se venden productos ibéricos. Tras sufrir varios robos y no encontrar el apoyo de la aseguradora, inventa una manera de recuperar el dinero para sacar a su familia adelante. Mientras espera el desenlace de su plan reflexiona en la cocina de su casa sobre su vida, obra y milagros.
Carmina y amén (2014), de Paco León: 28 de febrero a las 21:30 horas, con la participación de su director. Tras la súbita muerte de su marido, Carmina convence a su hija María de no dar parte de la defunción hasta pasados dos días y así poder cobrar la paga extra que él tenía pendiente. Durante esos dos días esconden el cadáver y disimulan su duelo en la cotidianidad de un bloque de pisos de un barrio humilde de Sevilla.
No todo es vigilia (2014), de Hermes Paralluelo: 1º de marzo a las 19:00 horas. Antonio y Felisa llevan más de 60 años juntos, su frágil estado de salud les impide cuidarse mutuamente. La posibilidad de tener que ir a vivir a una residencia de ancianos aparece en el horizonte como una amenaza. No todo es vigilia retrata el amor en la vejez, las noches en duermevela por miedo a la soledad, a la muerte y a la separación del amado. El temor a dejar la vida en manos ajenas y perder la independencia.
Basilio Martín Patino. La décima carta (2014), de Virginia García del Pino: 2 de marzo a las 19:30 horas. Basilio Martín Patino mandó en 1966 nueve cartas a Berta. Casi cincuenta años después, Virginia García del Pino intenta escribir la décima. Una carta compartida entre ella y Basilio Martín Patino, el retrato de una identidad en fuga que indaga, bajo el precepto enunciado por el propio Patino, “olvidarse de toda preceptiva sobre lo que se deba hacer”, qué queda de aquel estudiante rebelde que escribía a Berta en 1966, el inicio de una brillante trayectoria como cineasta.
Clásicos, Espacio INCAA Cine Gaumont Km 0: Dos de los filmes de culto de la cinematografía española participan en la sección: Tasio y Amanece que no es poco. A pesar de haber cumplido sus 30 años no han envejecido y permanecen como referentes indiscutibles de la cinematografía española. Curador: Fran Gayo
Tasio (1984), de Montxo Armendariz: 27 de febrero a las 19:30 horas. Tasio trabaja como carbonero desde los catorce años en un pequeño pueblo navarro de la sierra de Urbasa. La vida cambia pero el monte permanece siempre abrupto y hermoso. El bosque es el escenario de sus juegos infantiles, pero es también el lugar donde encuentra el sustento para su familia. Cuando se hace adulto, al carbón añadirá la caza furtiva. A pesar de que es la época del éxodo rural, de la emigración a las ciudades en busca de un futuro mejor, Tasio prefiere quedarse y vivir en el monte, en la más absoluta soledad, con tal de salvaguardar su libertad.
Amanece que no es poco (1989), de José Luis Cuerda: 1º de marzo a las 21:30 horas. Teodoro, un ingeniero español que es profesor en la Universidad de Oklahoma, regresa a España para disfrutar de un año sabático. Al llegar, se entera de que su padre ha matado a su madre y, para compensarlo de la pérdida, le ha comprado una moto con sidecar para viajar juntos. Así es como llegan a un remoto pueblo de montaña que parece desierto; lo que ocurre es que todos los vecinos están en la iglesia, porque la misa es un auténtico espectáculo. Padre e hijo asisten a las elecciones que se celebran cada año para designar alcalde, cura, maestro y puta. Además, al pueblo ha llegado un grupo de estudiantes de una universidad norteamericana, unos meteorólogos belgas, un grupo de disidentes de los Coros del Ejército Ruso e incluso invasores camuflados de un pueblo cercano.
Un impulso colectivo, Universidad de Cine. Del 9 al 13 de marzo, horarios a definir: Comisariado por el crítico de cine Carlos Losilla y realizada con la colaboración de la Fundación SGAE, esta sección reúne la obra de una nueva generación de directores y guionistas que marcan el futuro del cine español con su impulso renovador. La selección de películas apuesta por una nueva forma de explicar historias, donde tienen lugar la no ficción, el experimento, el posthumor o el underground..
Árboles (2013), de Colectivo Los Hijos, Luís López Carrasco, Natalia Marín Sancho, Javier Fernández Vázquez. El colectivo Los Hijos, referente en las lides más arriesgadas del cine español desde que se confirmara en 2010 con Los Materiales (premio en Punto de Vista) usa el cine como herramienta de pensamiento. Dividida en tres partes, Árboles empieza por las leyendas de Guinea, pueblo en continua huida de la colonización (escapando con sus casas a cuestas si hace falta), siguiendo por la extrañeza de una tarde calurosa de una familia apiñada en un piso, hasta una pareja luchando por la supervivencia. Gente que resiste, sin encajar, en los huecos que se les han asignado a la fuerza.
Edificio España (2012), de Víctor Moreno. En 2007 se inicia un proyecto de reforma integral del Edificio España, un emblemático inmueble de Madrid que en tiempos del franquismo fue símbolo de prosperidad. En las obras participan más de doscientos trabajadores de diversas nacionalidades, generando un insólito anecdotario e incorporando sus vivencias a la propia memoria del lugar. Una inmensa Torre de Babel sobre la que quedarán impresas las huellas de nuestra época.
El futuro (2013), de Luis López Carrasco. Tras la reciente victoria del PSOE en 1982, un grupo de jóvenes celebran alegremente una fiesta. El intento de golpe de Estado del 23F, un año antes, ya pertenece al pasado. En 1982, domina la fe en el futuro. Sin embargo, ese futuro parece aproximarse a gran velocidad, como un agujero negro que devora todo lo que encuentra a su paso. Debut en solitario de López Carrasco, miembro del colectivo audiovisual “Los hijos”.
El triste olor de la carne (2013), de Cristóbal Arteaga. Tour de force rodado en plano secuencia que se sitúa entre Un día de furia contenido y El empleo del tiempo de Cantet, protagonizado por quien sufre los efectos de una crisis que probablemente ayudó a forjar. Seguimos a un hombre trajeado en una tensa jornada que trazará una línea divisoria en su vida. Pues bajo la normalidad de quien sale por la mañana rumbo a su puesto de alto ejecutivo se esconde un hombre desesperado luchando por mantener la fachada en un día en el que el cobrador del frac terminará de sellar su (irónico) destino.
Ilusión (2013), de Daniel Castro. Un guionista y director de cine trata de insuflarle al país parte de la ilusión que parece haber perdido en los últimos tiempos. Su idea es hacer una película sobre los pactos de la Moncloa. Eso sí, quiere que sea un musical.
Slimane (2013), de José Ángel Alayón. Slimane y Moha son dos jóvenes expulsados de centros de menores tras cumplir la mayoría de edad. En la calle, sin un lugar fijo al que acudir y en el que refugiarse, los días pasan sin mucho más que hacer que relacionarse con el grupo, buscar algo de dinero y trabajo, jugar al fútbol y huir de la policía. El tiempo tiene para ellos una manera de transcurrir diferente, infinita… Se va forjando entonces entre estos personajes una relación sólida, sin artificios ni expectativas creadas, que se tambalea cuando un hecho desafortunado pone a los jóvenes en una situación límite.
Sobre la marxa (El inventor de la selva) (2013), de Jordi Morató. Ésta es la historia de un hombre que creó una selva al lado de la autopista. Un hombre que alzó en el bosque, con sus propias manos, construcciones tan bellas como inverosímiles. Es también la historia de cómo acabó reduciéndolas a cenizas para volver a reconstruirlas, una vez tras otra, durante décadas. Se le conoce como "el Garrell", alias "Tarzán de Argelaguer", y no se guía por ningún propósito aparente, salvo su lema: "Ir haciendo sobre la marcha".
Un histoire seule (2013), de Xurxo Chirro. Un hombre pretende hacer un filme sobre la ciudad de Ginebra (Suíza). Con la ayuda de un amigo que vive en otro país busca como enfrontarse al reto. Finalmente recurre a la inspiración en la obra y en la figura de Jean Luc Godard. Decide ir a conocerlo pero se equivoca de pueblo.
Uranes (2013), de Chema García Ibarra. Las cosas aparecen en lugares oscuros y cerrados. Hay una en el cuarto de atrás.
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CHARGES de LAILSON
La Presidenta Dilma Rousseff está haciendo lo contrario de lo que prometió durante su campaña electoral.
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"EL GURÍ", LARGOMETRAJE DE SERGIO MAZZA, SE ESTRENA EL 12 DE MARZO
(Información de prensa) Con guión y dirección de Sergio Mazza; y los papeles protagónicos a cargo de Maximiliano García, Daniel Aráoz, Sofía Gala Castiglione, Federico Luppi, Susana Hornos y Belén Blanco, El Gurí se estrena en la Argentina el próximo 12 de marzo.
Enmarcado en la soledad y la aspereza de un pueblo pesquero, se desarrolla un drama crudo que nos habla del desgarro del amor. Una historia coral que no se encierra en las individualidades de sus protagonistas, sino que se focaliza en el vínculo que las une. Es así como se encuentran tres personajes que ven simultáneamente cómo sus vidas modifican con radicalidad el rumbo que venían llevando.
El Gurí cuenta la historia de Gonzalo, un niño de 10 años que ante la inminente muerte de su madre, queda solo con su pequeña hermana de 8 meses. Gonzalo, en su deriva, observa a su alrededor opciones para encontrar un hogar.
En su peregrinar se cruza con las historias de una viajante (Sofía Gala), un matrimonio quebrado (Daniel Aráoz y Susana Hornos) y el dueño de una vieja whiskeria (Federico Luppi). Este es el contexto de un relato que gira sobre los ejes del amor, el dolor, la familia y el deseo.
El Gurí participará de la Sección Generation del 65º Festival Internacional de Cine de Berlín, que se llevará a cabo del 5 al 15 de febrero de 2015. En las funciones estará presente el director y elenco. Para consultar horarios de funciones ingresar aquí.
El Gurí se filmó en Victoria, Entre Ríos, entre septiembre y noviembre de 2013.
Sergio Mazza: Concluyó sus estudios universitarios en la Universidad de Buenos Aires en la carrera Diseño de Imagen y Sonido. Realizó cursos y seminarios de especificación en las artes. Se dedica a la dirección audiovisual y a las artes plásticas, en las que se formó con maestros como Eduardo Medici y alcanzó escenarios prestigiosos como el salón nacional de artes plásticas en el año 2007.
En su carrera profesional se desempeñó en la Dirección de Cine Publicitario y Dramaturgia en obras de teatro, incursionó en la música como percusionista y fue docente en "Dirección de Actores" y "Teoría y Estética de los Medios" dentro de la Universidad de Bs. As. En noviembre de 2004 crea la productora Masa Latina con el objetivo de generar y difundir productos de calidad artística, Desde allí produce a otros directores y su propia filmografía, su ópera prima El Amarillo (2006), que se estrena internacionalmente en el Festival Internacional de Cine de Venecia; Gallero (2009), en el Festival Internacional de Karlovy Vary; Natal (2010); Graba, en el Festival Internacional de Mar del Plata; y El Gurí que se presenta en el Festival Internacional de Berlín 2015.
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EL FANZINE "CHALUPA" LLEGA A BUENOS AIRES
(Información de prensa) Este domingo 8 de febrero, el fanzine Chalupa se presenta en Buenos Aires con una Muestra + Feria de Fanzines + Música en vivo, a cargo de Guillermo Bocanegra y los DJ's Reggay y Destroy. La cita es en la Escuela de Artes del Pasaje (Pasaje J.M. Giuffra y Defensa, barrio de San Telmo), de 14:00 a 21:00 horas.
Entre entre ríos de papel navega una embarcación-fanzine. Una publicación-encuentro; suma de perspectivas y lenguajes, que después de dos años de haber partido de Buenos Aires, vuelve para presentar y compartir los últimos 9 números publicados, serigrafías, historietas, ilustraciones y textos de autores en su mayoría latinoamericanos.
Pensar el oficio…
Después de sus dos primeros números, el equipo editorial de Chalupa se propuso editar y publicar una serie en la que se pudieran reflexionar, ironizar, presentar y subvertir diferentes aspectos del oficio del artista y el gestor cultural. Este proyecto fue beneficiario de la beca de publicaciones en artes plásticas y visuales del Instituto Distrital de las Artes IDARTES, Bogotá, Colombia, gracias a la cuál desarrolló durante el 2014, nueve de los doce números propuestos. Este material que será expuesto el 8 de febrero, está compuesto por el trabajo de más de sesenta autores, entre escritores, ilustradores e historietistas, que presentan las dinámicas, conflictos, retos y posibilidades a las que se enfrentan al desarrollar su oficio, como pueden ver aquí y aquí.
Música en Vivo: Guillermo Bocanegra: Guitarrista de formación clásica, interesado en la interpretación, experimentación e improvisación en música contemporánea con un gran interés en repertorio latinoamericano. Ha realizado conciertos desde el año 2003, divulgando, encargando y estrenando obras de diversos compositores interesados en la música nueva y la vanguardia musical.
Pueden verlo aquí, interpretando Tientos del véspero, de Alfredo Del Mónaco.
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VUELVE EL CINECLUB LA CRIPTA, A 24 TIGRES POR SEGUNDO
(Información de prensa) En el año del FELCIT, el 1º Festival Latinoamericano de Cine de Tigre, las jornadas audiovisuales son una apuesta fuerte en la agenda de la Agencia de Cultura de Tigre. Luego de una jornada de Super 8, continuamos con el 16 mm.
Este viernes 6 de febrero vuelve el legendario Cineclub La Cripta a retomar sus proyecciones en fílmico en el marco de las jornadas audiovisuales 24 Tigres por segundo organizadas por la Agencia. La cita será en los jardines del Museo de la Reconquista (Av. Liniers 818, Tigre), a las 21:00 horas, con entrada libre y gratuita, todos los viernes de febrero y marzo. No se suspende por lluvia.
El material del presente ciclo consta de copias únicas en formato fílmico. Cada función es acompañada por una variedad sorpresa que puede consistir en series, dibujos animados o publicidades vintage.
El Cineclub La Cripta fue fundado en 1999 por el coleccionista y archivista Julio Alejandro Martínez, quien junto a la colaboración de los programadores e investigadores Peter Pank y Boris Caligari, se han dedicado al rescate y exhibición de películas de culto dentro de los géneros Terror, Ciencia-Ficción, Fantasía y Cine Bizarro.
El ciclo comenzará con la proyección de El pozo y el péndulo (1961), dirigida por Roger Corman, con guión de Richard Matheson, sobre un cuento de Edgar Allan Poe y protagonizada por Vincent Price, Barbara Steele y Jhon Kerr.
Programación
Febrero 2015: Roger Corman, el Maestro de la Clase B
Viernes 6:El Pozo y el Péndulo (1961). Guión de Richard Matheson sobre un cuento de Edgar Allan Poe. Protagonistas: Vincent Price, Barbara Steele y Jhon Kerr.
Viernes 13:Un entierro prematuro (1962), basada en un cuento de Edgar Allan Poe. Protagonistas: Ray Milland, Hazel Court y Richard Ney
Viernes 20:La tumba de Ligeia (1964), basada en un cuento de Edgar Allan Poe. Protagonistas: Vincent Price, Elizabeth Shepherd y John Westbrook
Viernes 27:El palacio de los espíritus / El palacio encantado (1963), basada en un poema de Edgar Allan Poe y en el cuento El caso de Charles Dexter Ward de H.P. Lovecraft. Protagonistas: Vincent Price, Debra Paget y Lon Chaney Jr.
Marzo 2015: Retrospectiva Boris Karloff
Viernes 6:La comedia del terror (1963). Director: Jacques Tourneur. Guión: Richard Matheson. Protagonistas: Vincent Price, Peter Lorre y Boris Karloff.
Viernes 13:El hombre de las 9 vidas (1940). Director: Nick Grinde. Protagonistas: Boris Karloff, Roger Pryor y Jo Ann Sayers.
Viernes 20:El Cuervo (1963). Director: Roger Corman. Guión: Richard Matheson sobre el poema de Edgar Allan Poe. Protagonistas: Vincent Price, Peter Lorre y Boris Karloff.
Viernes 27: Serie de TV Boris Karloff presenta, capítulo Una peluca para Miss Devore (1962). Director: John Brahm. Protagonistas: Boris Karloff, Patricia Barry y John Baragrey
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CHARLIE HEBDO: SÍ AL PERDÓN, NO AL OLVIDO
Charlie Hebdo Nº 1.178. Autores: Gérard Biard, Cabu (Jean Cabut), Jean-Yves Camus, Elsa Cayat, Catherine, Coco, Sylvie Coma, Sarah Constantin, Solène Chalvon, Charb (Stéphane Charbonnier), Zineb El Rhazoni, Antonio Fischetti, Footz, Iegor Gran, Honoré, Philippe Lançon, Luce Lapin, Laurent Léger, Luz, Mathieu Madenian, Bernard Marais, Fabrice Nicolino, Patrick Pelloux, Riad Sattouf, Luz Scavartz, Jean-Baptiste Thoret, Tignous (Bernard Verlhac), Sigolène Vinson, Willem, Georges Wolinsky, David Zyggy Greene. Portada: Luz (Renald Luzier). Director: Eric Portheault. 16 páginas a color. Charlie Hebdo SARL. ISSN: 1240-0068. Francia, 14 de enero de 2015.
Homenaje a sus muertos y a sus vivos. Repudio al atentado inaceptable; y repudio también a la inaceptable marea islamofóbica que asomó la cabeza. Voz de alerta contra todos los extremismos fanáticos. Pedido firme a favor de la coexistencia pacífica en el marco más amplio de las más amplias diversidades culturales. Defensa de su derecho a ejercer la crítica y el humor, sin pedir (ni obligar) a nadie a compartir y/o apoyar cualquiera de las opiniones que declaran.
Para asumirse como una “revista irresponsable”, el primer número de Charlie Hebdo tras la masacre que los colocó en el centro de la exposición mediática mundial, hace gala de una responsabilidad discursiva (en sus formas y en sus contenidos) que no había transitado asiduamente en sus ediciones anteriores. Interpelados por el dolor, atravesados por la violencia, los supervivientes radicalizaron la virulencia de sus lápices apelando al poder redentor y curativo del perdón, sin confundirlo ni pervertirlo con el olvido.
Reafirmación consciente de su identidad y su pertenencia a la tradición satírica francesa, profundizan su humor contestatario, crudo y deliberadamente provocador, brutal en su uso de los estereotipos porque, literalmente, se cagan en el poder, en las estructuras y en los sistemas. Se saben emancipados de cualquier tipo de censura (incluida la autocensura) y de cualquier tipo de tabú; y por ello se la toman con las mayorías y las minorías, con todo aquello que está establecido o en proceso de sacralización. Van más allá (mucho más allá) de la mera representación gráfica, explotando la capacidad de la imagen como documento hipertextual de la época.
Como buenos laicistas que son (o me lo parecen), le oponen al oscurantismo del miedo y el horror su enorme opción por la libertad de conciencia; y defienden la convivencia de los diferentes ejercicios de la fe porque no toleran la imposición de ninguna norma y/o valor que provenga de cualquier religión instituida. Siendo más Charlie que nunca, dan una enorme muestra de Dignidad, Entereza e Integridad. Otra forma de ondear las banderas de Libertad, Igualdad y Fraternidad.
Fernando Ariel García
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MARVEL’S AGENT CARTER: CONTINUIDAD Y RAMIFICACIONES
Marvel’s Agent Carter. Directores: Louis D’Esposito, Joseph V. Russo, Scott Winant, Stephen Cragg, Peter Leto, Stephen Williams, Vincent Misiano, Christopher Misiano. Protagonistas: Hayley Atwell (Peggy Carter), James D'Arcy (Edwin Jarvis), Chad Michael Murray (Jack Thompson), Enver Gjokaj (Daniel Sousa), Shea Whigham (Roger Dooley), Dominic Cooper (Howard Stark), Bridget Regan (Dottie Underwood). Participaciones especiales de Neal McDonough (Timothy "Dum Dum" Dugan), Leonard Roberts (Samuel "Happy Sam" Sawyer), Richard Short (Percival "Pinky" Pinkerton), James Austin Kerr (Jonathan "Junior" Juniper), Costa Ronin (Anton Vanko) y Walker Roach (voz del actor que interpreta al Capitán América en el serial de radio) y Stan Lee, entre otros. Guionistas: Christopher Markus y Stephen McFeely, Eric Pearson, Andi Bushell, Brant Englestein, José Molina, Lindsey Allen, Chris Dingess, Michele Fazekas y Tara Butters, en base a personajes, situaciones y entornos de distintas historietas de Marvel Comics. Productores ejecutivos: Joe Quesada, Stan Lee y Jeph Loeb, entre otros. Martes a las 23:00 horas, por Canal Sony (Argentina). ABC Studios / Marvel Television. EE.UU., 2015.
Mucha acción, un poco de comedia y bastante de melodrama. Tramas de espionaje con tono de novela negra y toques de ciencia-ficción retrofuturista. Todo ello, obviamente, sobre el lienzo emocional de la posguerra y la paranoia del inicio de la Guerra Fría. Sintetizando, éste es el territorio televisivo que planea habitar Marvel’s Agent Carter, película en ocho entregas semanales (¿por qué no llamarla miniserie?) que hoy a las 23:00 horas llega a la Argentina por la pantalla de Sony.
Primer trailer de la serie, inserto en el primer episodio de la segunda temporada de
Marvel's Agents of S.H.I.E.L.D.
Pensada, realizada y exhibida como posta a mitad de camino en la andadura mediática de la segunda temporada de Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D., la nueva apuesta dramática del sistema televisivo inscripto en el Universo Cinematográfico Marvel va a lo seguro, probado y aprobado por la multitud de fanáticos que la siguen y consumen en cualquier soporte: Fuerte apego a la continuidad y ramificaciones con lo ya visto y lo que vendrá.
Continuación del largometraje Capitán América: El Primer Vengador (2011); y precuela orgánica del corto Agent Carter (2013), incluido en la edición en DVD de Iron Man 3, esta Agent Carter sigue los pasos de la agente del título, Peggy Carter (siempre a cargo de Hayley Atwell), como subestimada empleada administrativa de la Reserva Estratégica Científica (SSR por su sigla en inglés), organización secreta precursora de S.H.I.E.L.D. Estamos en la Nueva York de 1946 y Peggy deberá hacer frente a las prácticas chovinistas que naturalizó la cultura machista de la época, justo cuando se encuentra transitando el duelo por la (aparente) muerte del Capitán América durante la Segunda Guerra mundial; y de ese hombre que amó (y ama) sólo queda un icono transformado en serial radiofónico de aventuras que ella (y los televidentes) escucharán en distintos momentos de la miniserie (perdón, película en ocho entregas semanales).
Pero estamos en una producción Marvel; y la cuestión de género dura lo justo y necesario: Las escenas de oficina y los segmentos referidos a la vida cotidiana de una mujer gris. Mujer gris que, entre nosotros, lleva una doble vida bastante agitada como espía y contraespía, ya que en los momentos que le roba a su tarea de escritorio para la SSR, realiza misiones secretas para Howard Stark (de nuevo, en la piel de Dominic Cooper), científico que está siendo perseguido por la propia SSR por haberle vendido (aparentemente) armamentos secretos y ultrapoderosos a los enemigos de los EE.UU.
Y de esta relación con Howard Stark (futuro papá de Tony, más conocido como Iron Man) fluirán las conexiones con los universos Marvel que tanto nos gustan. Para limpiar el buen nombre de la familia Stark, la Agente Carter contará con la ayuda de Edwin Jarvis (James D'Arcy), mayordomo de Howard que inspirará a Tony el desarrollo de la inteligencia artificial J.A.R.V.I.S. que vimos en la trilogía fílmica del Gladiador Dorado y en Los Vengadores. Juntos, buscarán las armas, las encontrarán, intentarán eliminarlas y apresar a los responsables de que hayan llegado a las manos equivocadas. Que puede ser la Roxxon Oil Company, máxima petrolera de los cómics Marvel, empresa ligada al asesinato de los padres de Tony Stark. O Leviatán, la malvada organización secreta soviética que conocerán aquellos que hayan leído la historieta Secret Warriors. O el Proyecto Cuarto Rojo, ni más ni menos que el precursor del Programa Viuda Negra, de donde surgirá, mucho más adelante, la letal espía pelirroja con el infartante cuerpazo de Scarlett Johansson.
Pero esto no es todo. Por razones de fuerza mayor, Carter cruzará su camino con los Comandos Aulladores “Dum Dum” Dugan, “Happy Sam” Sawyer, “Pinky” Pinkerton y “Junior" Juniper” (respectivamente personificados por Neal McDonough, Leonard Roberts, Richard Short y James Austin Kerr), que completarán un periplo trágicamente asociado al que recorrieron en los primeros cuatro números de la revista Sgt. Fury and his Howling Commandos, en el lejano 1963. Y con el profesor Anton Vanko (primer Dínamo Rojo de los cómics), colaborador de Howard Stark y padre de Ivan Vanko, el patovica científico que Mickey Rourke interpretó en Iron Man 2.
Tan predecible como afiatada en su realización, Agent Carter parece haber venido para quedarse. Y si los números la acompañan, están las ganas de prolongar sus aventuras como serie de época, cada minitemporada (¿o temporada entera?) ambientada en una década diferente, mostrando (y demostrando) el merecido avance social de las mujeres enhebrado con la historia personal de la mujer que le movió el piso al Capitán América.
Fernando Ariel García
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"INVASIÓN" SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 5 DE MARZO
(Información de prensa) Documental de Abner Benaim sobre la memoria colectiva de un pueblo, Invasión (Panamá / Argentina, 2014) llega a los cines nacionales el próximo 5 de marzo.
La invasión de los EE.UU. a Panamá en 1989 sirve de excusa para explorar de qué modo la gente recuerda, transforma sus vivencias y a menudo olvida su pasado para darle forma a su identidad y convertirse en lo que es en el presente.
En la noche del 20 de diciembre de 1989, los Estados Unidos invadieron la otrora pacífica República de Panamá. George Bush (padre) dejó en claro que quería al General Manuel Antonio Noriega, un ex amigo de la CIA de dudoso proceder, fuera del poder.
El Canal de Panamá, un punto estratégico para los EE.UU., parecía estar en peligro. Durante dos semanas Panamá se convirtió en campo de prueba de nuevas armas del Ejército norteamericano, Noriega se entregó y fue condenado en los Estados Unidos por tráfico de drogas y, posteriormente, en Francia por otros delitos. Pasó veinticuatro años en prisión.
La invasión fue luego dejada de lado por distintas razones. La mayoría de la gente común de Panamá parecía pensar que no había necesidad de recordar tanta tragedia, pérdida y violencia. Estas imágenes horribles parecían chocar con la auto percepción de paraíso tropical donde nada malo sucede nunca. Pero la invasión estaba aun muy presente en las mentes de las personas que la experimentaron.
Con este documental queremos capturar esos recuerdos de la gente que los vivió y traerlos al conjunto de la memoria colectiva. La narrativa del documental se enfoca en personajes cuyas vidas fueron profundamente sacudidas por la invasión: Civiles que sufrieron los ataques de los EE.UU., panameños, Cuerpos de Defensa que lucharon aislados, batallas simbólicas, personal paramilitar que quiso pelear pero no pudo, políticos que justificaron sus acciones, amigos de la Iglesia que jugaron roles de negociadores entre Noriega y los EE.UU.; y otras personas involucradas directamente con este momento de la historia, desde gente común y corriente que participó en los saqueos, hasta el mismo General Noriega.
“Siempre me sorprendió el pequeño número de trabajos que surgieron acerca de la invasión de los Estados Unidos a Panamá en términos de literatura, cine y cualquier otra forma de arte en los últimos 25 años -sostiene Abner Benaim-. Se siente como si la memoria colectiva sobre el tema esté en un cajón cerrado. Este documental, quizá el primero en surgir de un panameño, es una gran oportunidad para tocar un trauma colectivo casi sin tratar, y analizar por qué se ha dicho tan poco sobre él”.
Dijo la crítica:
Rocío García (El País): Han pasado casi 25 años y el realizador Abner Benaim se ha decidido a poner en imágenes la memoria colectiva de todo un pueblo que todavía no ha contado oficialmente a sus muertos.
Variety:Invasión entrega anécdotas -incluidos los detalles de la incompetencia y la masacre de mujeres y niños por parte de los invasores- y captura las complejidades del pasado.
Screen Daily: Gran reflexión que rompe tabúes sobre la invasión infame de los Estados Unidos en 1989, lo que confirma al director como un artista necesario que también se hace notar fuera de Panamá.
Maclean's: El documental de Benaim tiene su propio toque de extravagancia posmoderna. El director ha enmarcado un retrato casi antropológico de su propia cultura.
The Wrap: Una contundente exploración de la invasión estadounidense de Panamá.
Programa Ibermedia: Es la primera película panameña que aborda el tema, y en ella Benaim se limita a rastrear en los recuerdos de la gente las heridas de lo sucedido. Lo hace sin artificios, sin ningún otro material que la palabra y la imaginación del espectador. Cada testigo es invitado a contar, escenificar incluso, lo que vio y sintió ese día.
Abner Benaim: Nació en 1971 y se crió en la ciudad de Panamá. En 1991 se mudó a Israel y comenzó a estudiar para director en Camera Obscura, Tel Aviv. También estudió Dirección de Actores con Marketa Kimbrell y trabajó en varias producciones de cine en Israel, Panamá y los Estados Unidos. Antes de su carrera como director, se graduó de Licenciado en Relaciones Públicas en la Universidad de Pennsylvania (EE.UU.), estudió Arte en Florencia (Italia) y fue empresario en Panamá. Actualmente, Benaim vive en la ciudad de Panamá, donde fundó Apertura Films en 2004.
Filmografía:Historias del Canal (segmento ficción. 1977), Round Trip to Panamá (documental, 2002), Good Vibes (documental, 2003), El otro lado (serie documental, 2005), Chance (largometraje, 2009), Empleadas y patrones (documental, 2010), Invasión (documental, 2014), Short-Plays (documental, 2014).
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CARLOS REYES Y RODRIGO ELGUETA ECHAN LUZ SOBRE "LOS AÑOS DE ALLENDE"
(Información de prensa) Después de dos años de preparación, la editorial Hueders publicará en Chile la novela gráfica Los años de Allende, obra de Carlos Reyes (guionista de Heredia Detective y cofundador del sitio web Ergocomics) y el dibujante Rodrigo Elgueta.
La novela gráfica, ambientada en el periodo comprendido entre 1970, poco antes de la elección de Salvador Allende como presidente de Chile, hasta el golpe militar que lo derroca el 11 de septiembre de 1973.
Un corresponsal norteamericano llega al país y comienza a empaparse de las transformaciones, la euforia, la división y la violencia de un país fracturado.
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"TUYA", BASADA EN LA NOVELA DE CLAUDIA PIÑEIRO, SE ESTRENA EL 2 DE ABRIL
(Información de prensa) Cuando la vida apacible se torna en un imprevisible y dramático torbellino, el 2 de abril llega Tuya a los cines argentinos. Filme de Edgardo González Amer, basado en el libro homónimo de Claudia Piñeiro (Las viudas de los jueves, Betibú), este thriller en tono de comedia negra cuenta con la participación protagónica de Andrea Pietra (Inés), Jorge Marrale (Ernesto), Juana Viale (Charo), Ana Celentano (Alicia Soria) y Malena Sánchez (Lali), entre otros.
La cómoda y apacible vida de Inés se ve convulsionada cuando por azar descubre una carta de amor dirigida hacia Ernesto, su marido. No hay remitente. Sólo un corazón dibujado con rouge rojo, cruzado por un "te quiero" y firmado: "tuya". Una prueba irrefutable de un engaño.
Días después, Ernesto recibe una llamada de su amante, que Inés intercepta. La mujer se entera de que ambos tendrán un encuentro nocturno en un parque. Toma coraje y decide seguir los movimientos de su marido. Inesperadamente, se convierte en testigo de cómo Ernesto mata a la mujer, que resulta ser Alicia, su secretaria.
A partir de este momento, Inés hará lo imposible por ocultar el crimen y salvaguardar el buen nombre y honor de su familia, aunque eso implique mantenerse al margen de la ley. Junto a Ernesto planeará una estrategia para ocultar los hechos y no dejar ningún cabo suelto. Sin embargo, la situación se tornará aún más complicada a medida que Inés avance en su propia investigación del caso.
Paralelamente, Lali -la hija del matrimonio- atraviesa un drama personal en absoluta soledad, a instancias de sus propios padres.
Inés está convencida de que podrá recuperar el bienestar de su familia. Pero un nuevo y sórdido secreto de Ernesto amenaza con echar por tierra todas sus ilusiones.
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"EN UN PATIO DE PARÍS", CON CATHERINE DENEUVE Y GUSTAVE KERVERN, SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 26 DE FEBRERO
(Información de prensa)En un patio de París (Dans la cour, 2014), película de Pierre Salvadori con Catherine Deneuve y Gustave Kervern, se estrena en la Argentina el 26 de febrero.
Antoine es un músico de cuarenta y tantos años, que de pronto decide abandonar su carrera. Después de pasar varios días deambulando sin rumbo, lo contratan como conserje de un edificio. Mathilde, una jubilada que vive con su marido en uno de los departamentos, descubre una grieta en la pared del salón. Su preocupación se convierte en pánico, ¿Y si el edificio se derrumba? Poco a poco nace una amistad torpe, aunque sólida, entre Antoine y Mathilde.
"Hacía tiempo que daba vueltas a la idea de una película con un personaje al límite, una mujer enloquecida por la preocupación -contó Pierre Salvadori-. Literalmente enloquecida. Cada día, Mathilde le lee el periódico a un ciego, pero su cansancio y su fragilidad pueden con ella, hasta el punto que ya no absorbe tantas malas noticias. Me he preguntado a menudo cómo podía uno inmunizarse contra algo así. ¿Cómo se pueden saber tantas cosas y seguir viviendo sin tener una crisis de pánico?".
Dijo la crítica:
Boyd van Hoeij (The Hollywood Reporter): Dos almas viejas y solitarias se conectan en un edificio de departamentos de París en esta conmovedora y divertida película.
Guy Lodge (Variety): La inesperada pareja formada por Catherine Deneuve y Gustave Kervern anima esta gentil historia de amistad en medio de la locura”.
Jordi Costa (El País): Muy sorprendente (...) este trabajo que va más allá y parece abrir un nuevo territorio expresivo, donde la comedia del desconcierto abre su puerta a la desesperación y la hondura existencial.
Roger Arpajou (Le Parisien): Hay poesía en los personajes y mucho carisma en los artistas. Con Catherine Deneuve y Gustave Kervern, Pierre Salvadori ha encontrado la perfecta alquimia.
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BETTER CALL SAUL: EL FIN DEL PRINCIPIO
Better Call Saul Special Nº 1: Client Development. Guión: Jenn Carroll, Gordon Smith. Dibujos: Steve Ellis. Color: Steve Ellis y John Haeffner. Portada: Steve Ellis. Productor: Clayton Neuman. 22 páginas a color. AMC. EE.UU., febrero de 2015. Lectura gratuita aquí.
Para muchos, incluido Stephen King, Breaking Bad fue (y sigue siendo) la mejor serie de TV de todos los tiempos. Y ya se sabe lo difícil que es poder despedirse de los éxitos, por esa pulsión inconformista de querer siempre un poco más; y por la ambición capitalista de seguir sacándole leche a la vaca, tenga o no tenga. Por lo que pudo verse de Better Call Saul, desprendimiento que estrenó el domingo pasado la cadena AMC en los EE.UU. (y que Netflix ofrece en sistema de goteo para la Argentina), el animal está en buen estado y con las ubres a punto de explotar, con lo cual queda creativamente justificada la decisión de ahondar con esta precuela.
Es sabido, pero vamos a repetirlo por si de casualidad queda alguien que no esté al tanto. Better Call Saul seguirá los pasos de James Morgan McGill (personificado por Bob Odenkirk), abogado penalista del montón que vive, trabaja y sufre en la calurosa y desértica Albuquerque. Leguleyo de raza, Jimmy es un vivillo que busca (porque conoce) las zonas grises del sistema legal para utilizarlas en su propio provecho y, de paso, sellar buenos arreglos extrajudiciales para sus clientes, más cercanos a los carteles de las drogas que a la DEA. Como le interesa ser famoso y tener poder, conforme vaya avanzando la trama irá desprendiéndose del lastre de la ética, abrazará el mal gusto comercial, cambiará su nombre por el de Saul Goodman (un juego fonético con la frase It’s all good, man!), entrará como personaje de relleno a Breaking Bad y saldrá como uno de los principales cuando la serie baje la persiana en su quinta temporada.
Exprimiendo las tetas de la vaca, poco antes del estreno de la saga que transcurre antes de Breaking Bad, AMC colgó en internet el cómic Better Call Saul: Client Development, especial guionado por Jenn Carroll y Gordon Smith (dos de los escritores de Breaking Bad, dicho sea de paso); y dibujado por Steve Ellis, una historia chiquita que resume las motivaciones de Saul y su característico modus operandi. Especie de último episodio de la precuela que acaba de estrenarse, el cómic de Better Call Saul desarrolla el trabajo de inteligencia que llevará al abogado a conectarse con Walter White, profesor de química con cáncer terminal que comienza a cocinar y vender metanfetamina para asegurar el futuro económico de su familia.
Drama oscuro y bastante desesperanzado, con una larga secuencia muda que remite al inicio del primer capítulo de Better Call Saul, la historieta se planta justo antes de lo ya visto en el octavo episodio de la segunda temporada de Breaking Bad (donde Saul se incorpora a la trama), sin aportarle demasiado al combo general. La segunda historia del cómic online, sin embargo, es mucho más corta y mucho más interesante que la primera. Por la utilización del humor como metalectura del rol cómico que Saul proveía en Breaking Bad; y por animarse a jugar el juego de espejos con los baratos comerciales televisivos que el personaje mostraba en la ficción. Traducido en superhéroe gracias al lenguaje satírico que uno asocia inmediatamente con la clásica Mad y los viejos dibujitos animados de la Warner, Better Call Saul explota valores artísticos que realmente sostienen su irrupción en el noveno arte.
Si es que van a seguir, ojalá que lo hagan profundizando este camino. Para ir por el otro, ya está la serie de TV.
Fernando Ariel García
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"AUTÓMATA", CON ANTONIO BANDERAS, SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 5 DE MARZO
(Información de prensa) La era de la humanidad llegó a su fin. La de los robots recién comienza. Autómata, filme español de ciencia-ficción, se estrena en la Argentina el próximo 5 de marzo. Producido y protagonizado por Antonio Banderas, cuenta con la participación protagónica de Dylan McDermott, Melanie Griffith, Robert Forster, Birgitte Hjort Sørensen y Javier Bardem. La cinta, dirigida por Gabe Ibáñez, tuvo cuatro nominaciones a los Premios Goya (Mejor Dirección de Fotografía, Mejor Dirección Artística; Mejor Sonido; y Mejor Diseño de Vestuario).
Autómata está ambientada treinta años en el futuro. La Tierra se encuentra en un proceso gradual de desertificación mientras que la humanidad lucha para sobrevivir en un medio ambiente cada vez más deteriorado.
El descenso de la civilización contrasta con el surgimiento de ROC (Robotics Corporation), una millonaria corporación que lanza el primer androide, el Automata Pilgrim 7000, diseñado para asistir a la sociedad durante el difícil momento que atraviesa.
Jacq Vaucan (Antonio Banderas), un agente de seguros de ROC, se encuentra en una investigación de rutina que involucra quejas sobre un androide defectuoso. Dicha investigación lo llevará a descubrir el secreto detrás del Automata Pilgrim 7000, algo que traerá graves consecuencias para el futuro de la humanidad.
Con Autómata, el guionista y director Gabe Ibáñez tiene la intención de contar una historia que desdibuje los límites entre la ciencia-ficción y la realidad. Para ello, Ibáñez se propuso brindarle a la audiencia una atrapante mirada a la Teoría de la Evolución y un panorama de lo que podría llegar a ser la vida para la humanidad en un futuro no tan lejano. El filme explora los posibles riesgos y complejidades que surgen cuando el hombre y la máquina coexisten en un ambiente dominado por la naturaleza humana.
Gabe Ibáñez: Nacido en 1971, el madrileño fue uno de los primeros en interesarse en el estudio y desarrollo de imágenes generadas por computadora durante su etapa universitaria. Tiempo después se dedicó a la postproducción digital para luego convertirse en director de publicidad, previo a fundar su propia compañía (UserT38), con la cual colaboró con diversos directores como Guillermo del Toro, Alejandro Amenábar, Jim Jarmusch y Steven Soderbergh, entre otros.
La carrera de Ibáñez en el cine comienza en 2006 con el aclamado corto Máquina, que resultó premiado en los cuarenta festivales donde participó e incluso se alzó con el Premio del Jurado en la edición 2007 de ClemontFerrand, el festival de cortos más prestigioso del mundo. Su primer largometraje llegó en 2009 con el thriller psicológico Hierro, protagonizado por Elena Anaya, que tuvo su estreno en la Semaine de la Critique en Cannes.
A la hora de escribir el guión de Autómata, su segundo largo, Ibáñez se sintió atraído por el concepto de inteligencia artificial. "Los seres humanos tienen límites desde lo biológico -dijo-, nuestra evolución es lenta. Pero la inteligencia artificial no tiene estas limitaciones, por lo tanto puede crecer y evolucionar más rápidamente. Esa idea es alarmante”.
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LAS GRANDES ENTREVISTAS DE SONASTE MANECO: OSWAL (1933-2015. IN MEMORIAM)
(Por Fernando Ariel García) Oswal (Osvaldo Viola), historietista creador de Sónoman y uno de los más reconocidos docentes de la Argentina, falleció el pasado 13 de febrero. Había nacido en 1933 y, tras finalizar sus estudios secundarios comenzó su aprendizaje autodidacta del dibujo, apoyado en un curso por correspondencia. Un año después, en 1954, ya estaba trabajando en el campo de los dibujos animados y la publicidad, mientras colaboraba con El Hogar y otras revistas de interés general.
Tras su paso por las revistas de Editorial Frontera, ilustrando algunos episodios del Ernie Pike guionados por Oesterheld, estalla cualitativamente en las páginas del semanario infantil Anteojito, donde adapta clásicos de la literatura universal y, a partir de 1966, estrena las aventuras de Sónoman. Además del superhéroe con el poder músico-mental, a lo largo de su fructífera carrera Oswal publicó Consummatum Est (guión de Yaqui), Big Rag y Lejos Pratt (ambas con Carlos Albiac), Mark Kane (Linton Howard), Buenos Aires, las Putas y el Loco (Ricardo Barreiro), y una serie de negros unitarios escritos por Enrique Sánchez Abulí, publicadas en Chaupinela, Skorpio, Cóctel, Satiricón, Trix, la española Cimoc y la italiana L'Eternauta, entre otras clásicas revistas del noveno arte.
Homenaje de Fernando Calvi
En marzo de 1991, junto con Panda, tuve el enorme placer de entrevistarlo para el fanzine Poco Loco. Una charla centrada en Sónoman y que, a manera de homenaje, reproducimos a continuación.
Homenaje de Sebastián Dufour
Sábado al mediodía. Bajando por la calle Lavalle, llegamos a la escuela de Garaycochea. A Oswal lo encontramos en el bar de la academia, picando algo durante un intervalo de su clase. Le preguntamos si podíamos hacerle un reportaje y gustosamente nos dijo que sí. Dio comienzo a la segunda parte de su clase (dibujo con modelo vivo) y nos condujo a un saloncito vacío donde, entre calcomanías de Astérix, viejos afiches de la ADA y posters de Walt Disney, se desarrolló el siguiente diálogo.
¿Cómo nació Sónoman?
Sónoman nació por encargo de García Ferré. Sus puntos de contacto con Superman son producto del desgano con que tomé la cosa al principio. Yo no quería dibujar superhéroes, no me interesaba. Pero como sí me interesaba trabajar, no lo pensé mucho y me pregunté. ¿Cómo puede ser un superhéroe? Como Superman. Finalizado el primer episodio descubro las grandes posibilidades que Sónoman me ofrecía para jugar con una fantasía total; y entonces tuve que rehacer todo lo andado, descartar la personalidad secreta y todo lo tradicional al género para ir a otro tipo de relatos, mucho más humanos. Sónoman se transformó en una excusa para presentar y desarrollar a los personajes secundarios, inspirados generalmente en gente conocida.
Bueno, si bien hay similitudes con Superman también hay grandes diferencias. En algunos momentos, Sónoman se cuestiona y se siente inferior al ser humano común. Cosas así no eran muy comunes en esa época en el comic-book norteamericano de superhéroes (de la DC).
Sónoman se publicaba en una revista específicamente dedicada a un público infantil, lo cual para mí era una gran responsabilidad. El chico que leía Sónoman vivía en una familia. A mí me parecía algo terrible que el chico, en su inocente fantasía infantil, llegara a creer que cualquier superhéroe era superior al padre. Realmente, el que hace el mérito, el que lucha, el que se desloma laburando, el que merece ser premiado es el padre y no un superhéroe cualquiera que no hace nada. Eso es lo que intentaba decirle al chico.
¿Por qué un poder músico-mental?
A mí siempre me gustó la música, me parece una expresión artística sublime. De chico se me ocurrió la idea de un personaje con poderes derivados de la música, pero quedó aechivada en algún lugar de mi memoria. Cuando García Ferré me pide un superhéroe, yo me desilusiono mucho porque estaba enganchado con historias más humanas, tipo David Copperfield. Así que, dispuesto a trabajar; y para no perder tiempo pensando, recupero la idea del héroe con poderes músicomentales y lo bautizo Sónoman.
Sónoman escapa de las características argumentales que regían al género durante los ’60. ¿Cómo elegía los temas y desarrollaba el guión?
La característica norteamericana era explotar al máximo al personaje principal, cosa que a mí no me interesaba. Lo que sí quería era desarrollar los personajes secundarios y, mediante ellos, contar historias que atraparan a un lector adulto por su contenido y a un lector infantil por su forma. Es un poco una mezcla, no? Fantasía y realidad, nombres extranjeros y ambientes nacionales. En Sónoman me interesaba contar historias de las llamadas “menores”. Para mí es algo fantástico poder entretener al individuo que viene cansado de trabajar o que quiere leer algo “liviano” tras haber concluido la lectura de un libro. No todo lo que uno lee tienen que ser historias “mayores”. Personalmente, cuando quiero leer “en serio” acudo a un libro; y en los momentos en que quiero entretenerme busco algo más “liviano”. No veo por qué las lecturas tienen que tener un nivel intelectual alto para valer; vale porque me entretiene, me distrae, me distiende. No hay que tener prejuicios.
Todas las historias de Sónoman parten de lo emocional, de deseos míos. Hay una aventura en la cual Sónoman viaja al pasado y encuentra a Charles Dickens. Ese es un sueño mío. Poder estar con Dickens. Poder estar en ese teatro que se llenaba para poder oírlo leer. Una de las cosas que a mí me fascina es escuchar a la gente que sabe leer; y dicen que Dickens lo hacía tan maravillosamente que llenaba el teatro. Siempre hubiera querido oírlo. No lo hice yo, pero lo hizo Sónoman. Creo que por ese elemento emocional, las historias de Sónoman llegan al lector. Por otra parte, hay algo que es esencial: Tenés que creer en tus personajes. Y ojo, que esto no es cuento. Todo lo que pensás y sentís en el momento de trabajar, lo transmitís. ¿Cómo? No sé, no me lo preguntes. De tanto creer en tus personajes llega un momento en que ellos dominan la acción y tuercen las historias que les tenías pensadas. En ese instante tenés que dejar que el personaje haga su vida y limitarte a seguirlo. Si el lector lo entiende y lo recibe, es porque lo estabas sintiendo. Si sos necio, borrás todo y hacés exactamente lo que habías previsto y calculado mentalmente. El resultado sería una cosa fría y estúpida.
Historieta publicitaria para una marca de mermeladas
¿Anteojito le condicionaba los argumentos?
No puedo decir que me condicionaran los argumentos de forma premeditada, pero en Anteojito había muchos prejuicios que partían de su autocensura. Por ejemplo, Sónoman no podía enamorarse, algo terrible y completamente antinatural. Ninguna mujer podía besarlo o darle las gracias. A la Condesa Dómina tuve que cambiarle el nombre (en este momento no me acuerdo cuál era el original) porque les parecía que tenía connotaciones con el ciclo menstrual femenino. Lo que sí me pedían en Anteojito era que incorporara cuestiones didácticas en el medio de las aventuras, que generalmente aparecían como apuntes del Cuaderno de Notas de Sónoman.
Stevenson & Co., buscadores de tesoros, con guión de Carlos Trillo
Pero todas estas limitaciones surtieron efectos positivos en mí. Me enriquecieron. Está bien, Sónoman no podía enamorarse, pero en algún lugar estaban él y ella (muy separados) bajo la luz de las dos lunas del planeta. En los cuadritos siguientes los personajes ya no aparecían y las dos lunas se juntaban. Al terminar el capítulo, la Princesa se separaba de Sónoman (porque había sido coronada Reina) y lloraba. Cuando el cortejo se alejaba, Sónoman ponía la mano en el suelo, justo en el lugar en que había caído la lágrima. Esas son riquezas que surgen de la imposibilidad cuando buscás expresarte. Si no me lo hubieran prohibido, a lo mejor se dan el último beso, algo mucho menos original. Siempre hay que trabajar con algunas limitaciones, evitan que uno se acomode y lo obligan a crear.
Nisbi, tragedia en ritmo de tango para Cóctel
¿Cómo ve hoy día su trabajo en Sónoman?
Tiene muchos altibajos. Date cuenta de que yo me hice como historietista en esas páginas. Como era prácticamente mi debut; y no vivía de los cómics, me daba el lujo de tener poca producción, trabajarla como si fuera para el King Features y cobrarla como si fuera para Poco Loco (risas). En serio, entre la primera y la última página de Sónoman está toda mi formación. Vos sabés que en mí hay mucho de literato, de escritor que se expresa con dibujos, pero no de dibujante. Siempre me molestó que me dijeran: “Qué gran dibujante que sos, Oswal”. Para mí ese no es ningún cumplido, a mí me interesa llegar a ser un buen historietista.
¿Le molesta que lo comparen con Will Eisner?
No, nunca tuve problemas. Me acuerdo que yo recién había empezado; y Hugo Pratt me dijo: “Siempre en todo comienzo hay suerte. Si algo te inspira, toma de ello todo lo que te sirva y exprésate. Yo no lo hice con (Milton) Caniff, acaso?”. No estoy a favor de las copias, sino de los buenos originales. Creo que hay que absorber los distintos elementos foráneos y recrearlos con códigos propios, como Mozart hizo con Bach. Esa es la continuación de un estilo o una escuela, son influencias que uno traslada a otros terrenos.
En 1975, Sónoman gana su propia revista. ¿Qué pasó que sólo salieron dos números?
Pasó el Rodrigazo. El tercer número estaba terminado y armado pero no se imprimió porque, a la venta al público, hubiese costado más que la revista Gente. No lo hubiese comprado nadie.
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No anduvo como revista pero funciona como restó-bar en Fitz Roy 1655, Ciudad Autónoma de Buenos Aires (no es chivo)
En el segundo número se anunciaba el debut de una nueva serie: Chicoluz y el León Sabio. ¿En qué consistía?
Chicoluz es una antigua idea mía, que se llamaba De susto en susto. En un momento dado la trabajé con Carlos Albiac, que le realizó algunos cambios y después la continué solo. Básicamente era la historia de un chico que iba de susto en susto. Al león lo puse como acompañante porque esos animalitos son muy lindos de dibujar. Al principio, Chicoluz iba a aparecer en el Anteojito junto con Sónoman. Cuando me abro para sacar la revista, García Ferré me dice “no va más” y Chicoluz fue a parar a La Urraca, donde al final tampoco salió. Todavía está inédita.
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¿Por qué cambió Sónoman en Humi, la revista infantil desprendida de Humor?
Primero y principal, el Sónoman de Humi apareció en los años ’80. Yo ya no era el mismo del Sónoman de Anteojito de los ’60, mis emociones tampoco. Lo de Humi fue una búsqueda personal que no llegó a realizarse porque la revista estaba dirigida a lectores más chicos que los de Anteojito. En Humi no podía excederme porque corría el peligro de que el chico no me entendiese. Hubo un intento por escapar a ciertas fórmulas y tics a los cuales me había obligado Anteojito, pero no caminó. Yo mismo nunca estuve convencido del asunto de la flauta del coya Atahualpa, que en esta versión cumplía el rol que Chingololo cumplía en el Anteojito.
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Al volver al Anteojito, Sónoman es el personaje clásico, como si el Sónoman de Humi no hubiera existido. ¿Por qué?
Para mí, esa búsqueda que encaré en Humi no daba para más. Ya no tenía sentido. En esa época me interesaba trabajar el formato de la tira diaria. Incluso llegué a pensar en Sónoman como una tira diaria. Si te fijás bien, vas a ver que el primer cuadro de cada tira es reiteración de lo anterior.
Sello postal emitido por el Correo Argentino en 2003
¿Tuvo ofertas u oportunidades para publicarla en tira diaria?
No. Bueno, en realidad yo tampoco me moví mucho que digamos; y cuando lo hice, solamente fueron tanteos tímidos. Lo preparé en ese formato porque siempre me gustó y porque quería manejarme con una tira diaria. La anterior que había hecho (Mark Kane, detective de Hollywood) se cortó después de sesenta tiras. Esta obra me gustaba mucho porque Linton Howard, el guionista, manejaba muy bien el idioma propio de la historieta.
¿Cómo aterriza Sónoman en Teatro de Papel, serial que publicaba El Parachicos, suplemento infantil de la revista Esquiú Color, en 1986?
Teatro de papel es eso: Teatro, siempre una actuación distinta. Me gustó mucho realizarlo porque tenía gran cantidad de historias para contar y puse todo lo que se me ocurrió. Fue mi homenaje al Thimble Theatre de Segar. Sónoman se integra a la tira como un personaje más. La idea era ir transformándolo paulatinamente en el protagonista principal, pero la cosa se pudrió y no funcionó más.
¿Cómo sería Sónoman hoy (por 1991)?
Lo repensaría un poco. Me imagino que lo haría para adultos, sin censura, incluyendo violencia y erotismo siempre y cuando estén muy justificados en el argumento. Digo para adultos por las temáticas que abarcaría, buscando hacer pensar y no dar soluciones. Hoy estoy convencido de que a la obra no hay que cerrarla nunca.
La carnada, violento unitario escrito por Sánchez Abulí
¿Qué hay de cierto tras la leyenda del traspaso fílmico de Sónoman?
Mucho. Alguna vez se pensó hacer una serie de dibujos animados para la TV. Esa canción que canta Chingololo en las historietas (¡Es Sónoman!... ¡Es Sónoman! ¡Es Sónoman y su poder músico mental! ¡Con sus sonidos triunfa siempre… Siempre triunfa Sónoman! ¡Es valiente… Y es audaz! ¡Es Sónoman!) fue la letra del boceto de jingle musicalizado por Quique Viola, un tipo genial. Yo, particularmente, había pensado en un largometraje que combinara el dibujo animado y la imagen real. Allá por el ’68, más o menos, me pregunté cuál sería, a mi parecer, el director ideal para ese proyecto. Leopoldo Torre Nilsson, me contesté. Así que busqué el número telefónico de su estudio en la guía y lo llamé. Sabiendo que no iba a conseguir nada, imaginate mi sorpresa cuando levantan el tubo y me atiende él en persona. Yo no sabía qué hacer, así que le comenté la idea. Él se interesó un montón y quedamos en volver a contactarnos. Como yo no entendía nada, no lo llamé más. Después, Torre Nilsson murió y mi proyecto personal se fue al tacho. Otra cosa que imaginé, pero nunca hice, fue componer una ópera sobre Sónoman con música de Piazzolla.
En Comfort y música para volar (1996), Soda Stereo le dio cuerpo sonoro a Sónoman
¿Por qué no prosperaron esos proyectos?
Por problemas económicos, por qué va a ser?
¿Hay alguna idea de reeditar Sónoman?
Muchas veces me lo han propuesto y a mí me gustaría. La última vez tuve una oferta de Bruguera española y, justo cuando nos estábamos poniendo de acuerdo, Bruguera quebró.
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A partir de 2010, Ediciones de la Flor comenzó a reeditar Sónoman en formato libro a todo color
¿Sónoman se publicó en el extranjero?
No, pero hay un grupo de coleccionistas italianos que lo conocen de Anteojito y lo llaman “El Superhéroe Sudamericano”. Dentro de poco voy a Italia justamente para hablar de Sónoman. No quiere decir que pase algo pero…
Entonces, podemos decir que la saga de Sónoman todavía no terminó.
Y ojalá no termine nunca. El día que culmine termino yo también.
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