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TEBEOSFERA ENTREVISTA A LOS AUTORES ENCARGADOS DE RELANZAR LAS AVENTURAS DE CORTO MALTÉS

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(Información de prensa)Tebeosfera presenta en primicia mundial un documento de excepción, la transcripción del encuentro con el guionista Juan Díaz Canales (Blacksad) y el dibujante Rubén Pellejero (Dieter Lumpen), conducido por Jordi Ojeda, durante las IX Jornadas Comiqueras Madrid 2014 organizadas por FNAC y SD, el pasado mes de diciembre. Se trata de la primera ocasión, desde el anuncio de la recuperación del personaje de Corto Maltés el pasado octubre, que los dos autores se encontraron a la vez en el mismo escenario hablando sobre el proyecto. 


En la larga entrevista, de hora y media de duración, los autores realizan repaso muy exhaustivo al proceso creativo y a la cronología del proyecto, que tiene prevista su publicación en octubre de 2015. Se trata de la trigésima aventura del personaje, la primera tras la desaparición de su autor, Hugo Pratt, hace ya veinte años. 


El documento esta disponible aquí.

CHARGES de LAILSON

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La Escuela de Samba Beija-Flor (Colibrí), campeona del carnaval de Río de Janeiro en 2015, recibió cinco millones de dólares desde el gobierno de Guinea Ecuatorial. Para aplaudir a este país, que es uno de los más pobres del África. 

AL CINE CON AMOR: LA VIDA MISMA, A 24 CUADROS POR SEGUNDO

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Al cine con amor. Director: Steve James. Testimonios de: Roger Ebert, Martin Scorsese, Werner Herzog y Steve James, entre otros. Guionista: Steve James, parcialmente basado en el libro de memorias Life Itself, de Roger Ebert. Film Rites / Kartemquin Films / CNN Films. EE.UU., 2014. 

Si es cierto que el cine es la reproducción a escala de la vida, entonces la vida de un hombre, con todos sus ascensos y caídas, sus logros personales y profesionales, las marchas y contramarchas en base a decisiones acertadas y equivocadas, los golpes del destino y el precio a pagar por seguir el camino de sus obsesiones, debería conformar (como mínimo) una gran película. Y si resulta que ese hombre es, además de todo, amante del cine, crítico por vocación y elección, una de las voces culturales más influyentes de los EE.UU. y un personaje con personalidad pública arrolladora y pasional como Roger Ebert, el resultado debería ser una joya del séptimo arte. 


Y, en parte, Al cine con amor (Life Itself, 2014) lo es. Sobre todo cuando el documental de Steve James asume que debe dejarse intervenir y modificar por la acción de esa vida misma a la que alude el título original, que en el caso de Ebert significa lidiar con la aparición de un cáncer de tiroides, el notorio deterioro de su condición humana y su ulterior muerte. Todo ello en medio de un rodaje que hizo materia cinematográfica de esas volteretas incomprensibles (emocionalmente inabarcables) que la existencia se empeña en poner en el camino de algunos grupos familiares. 


La lucha contra la enfermedad es devastadora; y el documental lo muestra con una crudeza abominable, exigida por Ebert aunque sea difícil de tolerar. Y si se salva de caer en la gratuidad visual (que se salva) es sólo por la testarudez del crítico en mostrarnos los enormes resquicios de dignidad que el cáncer le va quitando a dentelladas secas y calientes. Enhebrando el paso de esos días, una serie de entrevistas y mucho material de archivo van reconstruyendo el pasado común de Ebert con el cine estadounidense (e internacional) de los ’60 y ’70, de Russ Meyer a Martin Scorsese y de Ingmar Bergman a Werner Herzog; de su premio Pulitzer y de la influencia de sus críticas sobre el masivo público de la televisión y la prensa gráfica; de la soledad y el uso abusivo del alcohol al matrimonio redentor de tanto vacío interno. 


No creo haber visto una película sobre el rol de la prensa en la industria cinematográfica; ni sobre el lugar del crítico como mediador cultural con responsabilidad directa en la formación de los gustos y las elecciones sociales; ni una valoración subjetiva sobre el arte (y el negocio) de emitir opiniones. Aunque, pensándolo bien, Al cine con amor también es todo eso. Pero desde un lugar transversal y convergente. La vida misma, a 24 cuadros por segundo, es el tema excluyente del documental. Y lo bien que hace. 
Fernando Ariel García

ANNIE: POBRE HUERFANITA

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Annie. Director: Will Gluck. Protagonistas: Jamie Foxx, Quvenzhané Wallis, Cameron Diaz (Hannigan), Rose Byrne y Bobby Cannavale, entre otros. Participación especial de Michael J. Fox, como él mismo. Guionistas: Will Gluck y Aline Brosh McKenna, en base a la historieta Little Orphan Annie, de Harold Gray; y la comedia musical Annie, de Thomas Meehan. Marcy Media / Olive Bridge Entertainment / Overbrook Entertainment / Sony Pictures Entertainment / Village Roadshow Pictures. EE.UU., 2014. 

Una porquería. Sincerémonos de entrada, que a este tanque hollywoodense ni mella le hará esta crítica desinteresada. Es cierto que no me gustan los musicales; y que la historieta original me sigue pareciendo tan sobrevaluada como rancia en su patetismo conservador, telenovelero y lacrimoso. Es un clásico del noveno arte, estamos de acuerdo, pero nació vieja, sigue vieja y (supongo) morirá vieja, aunque la pequeña huerfanita Annie se mantenga siempre por debajo de la pubertad. Y este modelo cinematográfico 2014 respeta esas premisas grabadas a fuego en el cómic y reproducidas en el musical de Broadway que se hizo película (y por John Huston, me quiero matar!!!!) y remake televisiva y qué se yo cuántas cosas más.


Una porquería. Y si era realmente innecesario este insufrible rehecho, más innecesario y gratuito se me antoja el cambio racial de los protagonistas principales, Annie y Will Stacks (nuevo nombre para el viejo Oliver “Daddy” Warbucks, dicho sea de paso), aquí protagonizados por las estrellas de color Quvenzhané Wallis y Jamie Foxx, respectivamente; sobre todo porque esta radical modificación no le agrega ninguna dimensión nueva a la historia y reduce el aporte de la cultura afroamericana a unas notas de Rythm & Blues


Una porquería. Fábula menemista de niños pobres con alegría, adultos millonarios con tristeza y rubias malas que en el fondo (muy en el fondo) son más buenas que el pan (y están tan buenas como Cameron Diaz, porque se trata de Cameron Diaz). Semejante mamotreto sentimentaloide nunca busca despegar de la consabida historia de superación personal y redención ética de los ricachones que viene arrancando lágrimas y mocos desde la Gran Depresión.


Una porquería, esta Annie (2014) resulta demasiado sobreactuada, demasiado predecible, demasiado caricaturesca, demasiado acaramelada, demasiado pasada de moda, demasiado falsa y demasiado cantada (al menos, para mi gusto). 
Una porquería, por si no quedó claro. 
Fernando Ariel García

TINKER BELL Y LA BESTIA DE NUNCA JAMÁS: LAS APARIENCIAS ENGAÑAN

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Tinker Bell y la Bestia de Nunca Jamás. Director: Steve Loter. Protagonistas (versión original): Mae Whitman (Tinker Bell), Ginnifer Goodwin (Fawn), Rosario Dawson (Nyx), Lucy Liu (Silvermist), Raven-Symoné (Iridessa), Megan Hilty (Rosetta), Pamela Adlon (Vidia) y Anjelica Huston (Reina Clarion), entre otros. Protagonistas (versión traducida): Chrystine Bird (Tinker Bell), Karla Falcón (Fawn), Verónica López Treviño (Nyx), Mireya Mendoza (Silvermist), Leyla Rangel (Iridessa), Romina Marroquín Payró (Rosetta), Carla Medina (Vidia) y Gabriela Michel (Reina Clarion), entre otros. Guionistas: Steve Loter, Tom Rogers, Robert Schooley, Mark McCorkle, Kate Kondell, basado en personajes y situaciones creados por J.M. Barrie. Disney. EE.UU., 2014. 

Tercera película de Campanita que estrenan desde que abrí este blog. Y tercera película de Campanita que voy a ver al cine con mi hija desde que abrí este blog. Y no sólo una vez, sino dos, porque mi hija quiso invitar a dos amiguitas distintas, en dos días distintos. Y nosotros, padres condecendientes al mango, no supimos ni quisimos llevarle la contra. Así que decidí enfrentar Tinker Bell y la Bestia de Nunca Jamás (Tinker Bell and The Legend of the NeverBeast, 2014) con la mayor capacidad zen que pudiera caber en mi amorosa resignación. 


Estrenada en cine a fines del año pasado en Inglatera y a punto de ser editada en DVD en los EE.UU. (donde sale a la venta en marzo), Tinker Bell y la Bestia de Nunca Jamás se despega de las anteriores entregas de la serie al dar un bienvenido y necesario volantazo a la reiterativa saga de las haditas escindidas de Peter Pan (El secreto de las hadas y Hadas y Piratas). No se escapa del básico y altamente previsible entretenimiento infantil, pero apela a herramientas discursivas que la Tierra de Nunca Jamás parecía tenerles reservadas al género masculino, principalmente la aventura, el suspenso y una dosis de terror. 


Con Campanita relegada a un espacio periférico de la trama, el peso del relato cae en las alitas de Fawn, hada de los animales; Nyx, la líder de un equipo de militarizadas hadas ninja; y la Bestia del título, que disparará el dilema ético del filme, el de dejarse (o no) llevar por las apariencias. Y con un nervio narrativo cercano al del género superheroico y la ciencia-ficción apocalíptica, propone (y expone) la posibilidad de que las hadas decidan por sí mismas, aprendan por sí mismas y hasta se equivoquen por sí mismas. Que no deja de ser una eficiente metáfora del crecimiento, apelando a la mediación entre el corazón y el cerebro, el sentimiento y el pensamiento, la intuición y la razón. 


Las apariencias engañan; y las creencias instaladas lo llevan a uno a ejercer el malicioso prejuicio. De eso trata la historia escrita y dirigida por Steve Loter; y esa es la enseñanza que me llevo de la sala atiborrada de chicas eufóricas. Incluso después del final, sensiblemente atípico para cualquier producción Disney, sobre todo en lo concerniente a las formas de tramitar emocionalmente las pérdidas. La Tierra de Nunca Jamás podrá seguir siendo el último reservorio de inocencia, pero ahora ganó un toque de oscuridad que le da otro brillo al iridiscente polvo de hadas. 
Fernando Ariel García

CÓMIC Y COMPROMISO SOCIAL: CONGRESO INTERNACIONAL EN VALENCIA, DEL 18 AL 20 DE NOVIEMBRE

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(Información de prensa) Hasta hace poco el lugar de la historieta en los estudios académicos había sido relegado debido a su carácter popular y a la asociación que, desde la alta cultura, se hacía con un público exclusivamente infantil o juvenil. Sin embargo, a partir de los años sesenta, se reconoce progresivamente la función comunicacional del medio. Así, la historieta surge y se renueva, con importantes cambios en su estilo gráfico, en sus signos y especialmente en las temáticas, los géneros y la narrativa.


Esta transformación ha dado un conjunto de obras de gran madurez, que unen a la función primera de entretener la intención de hacer reflexionar sobre aspectos y problemas concretos de la sociedad, con una propuesta de lectura crítica dirigida a lectores maduros. Desde estos planteamientos han surgido obras de la importancia de Maus (Art Spiegelman), El Eternauta (H.G. Oesterheld y Francisco Solano López), Adolf (Osamu Tezuka), Paracuellos (Carlos Giménez), From Hell (Alan Moore y Eddie Campbell), El grito del pueblo (Jacques Tardi), Trazo de tiza (Miguelanxo Prado), Valentina (Guido Crepax), No pasarán (Vittorio Giardino), Persépolis (Marjanie Satrapi), Palestine (Joe Sacco), etc. 


De esta manera, la historieta se ha construido como un artefacto de memoria colectiva capaz de trasmitir las preocupaciones que subyacen al artista, e impregnar la obra de una mirada responsable sobre el entorno. Como también lo han hecho la literatura, la pintura o el cine, el cómic ha mostrado su vigor subversivo en el momento de plantear interrogantes, cuestionar y desestabilizar, y algunas manifestaciones similares, como el humor gráfico, la viñeta o recientemente los memes o montajes de internet, tienen el plus de alcanzar a un público más amplio, lo que los constituye como un soporte idóneo para la reflexión sobre algunos hechos históricos, procesos traumáticos o temas sociales. 


En el congreso Cómic y compromiso social, que se realizará en Valencia (España) del 18 al 20 de noviembre de 2015, se pretende discutir sobre la capacidad de la historieta para representar los cambios sociales, políticos y culturales. En base a ello se plantean las siguientes líneas temáticas, como campos en los que inscribir las aportaciones de los ponentes y como posibilidad de abrir un debate que contribuya a la evolución de los estudios científicos de la historieta: 
- La construcción identitaria a partir de la historieta; 
- La historieta testimonial; 
- El humor gráfico y la política; 
- La transición española dibujada;
- Viñetas del exilio;
- La historieta y el uso público del pasado;
- Géneros y fronteras entre el dibujo y la palabra; y
- Sátira, libertad de expresión e incidencia social. 


Las comunicaciones presentadas deben ser inéditas. Cada ponente tendrá 20 minutos para su exposición. Los interesados pueden enviar sus propuestas a comicycompromisosocial@gmail.com
Los resúmenes no superarán la extensión de 300 palabras. 
La fecha límite para el envío de propuestas es el 15 de julio de 2015. 
Cuota de inscripción para comunicantes: 50€. 
Cuota de inscripción para asistentes con certificado: 20€. 


Comité Científico:Álvaro Pons (Universitat de València), Antonio Altarriba (Universidad del País Vasco), Jesús Jiménez (Universidad de Sevilla), Joan Oleza (Universitat de València), Marie Linda Ortega (Université Sorbonne Nouvelle - Paris 3), Raquel Maciucci (Universidad Nacional de La Plata). 
Comité Organizador: Antonio Martín (Universidad Complutense), David Guinart (Universitat de València), Javier Lluch (Universitat de València), José Martínez Rubio (Università di Bologna), Luz C. Souto (Universitat de València), Violeta Ros Ferrer (Universitat de València). 

Más información: 
Sitio web del Congreso

VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS: AQUELLO QUE NOS PASA MIENTRAS ESTAMOS OCUPADOS EN OTRAS COSAS

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Vivir es fácil con los ojos cerrados. Director: David Trueba. Protagonistas: Javier Cámara, Natalia de Molina, Francesc Colomer, Jorge Sanz, Ariadna Gil, Ramán Fontserè y Rogelio Fernández, entre otros. Guionista: David Trueba. Música: Pat Metheny y Charlie Haden. Fernando Trueba Producciones Cinematográficas / TVE / Canal+ España / Audiovisual Aval SGR / ICO / ICAA. España, 2013. Parte de Espanoramas. Muestra de cine español, en el cine Gaumont (Av. Rivadavia 1637), con exhibiciones programadas para el 26 de febrero (19:00 horas) y el 4 de marzo (21:30 horas). 

1966. John Lennon, atravesando un momento crítico de la historia de Los Beatles, pasa un tiempo en Almería, rodando la película How I Won the War bajo las órdenes de Richard Lester. Al enterarse, Juan Carrión Gañán, profesor de inglés en una escuela de Murcia, que enseña la lengua de Shakespeare con las letras del cuarteto de Liverpool, decide lanzarse a las rutas españolas con la loca empresa autoimpuesta de charlar con Lennon y pedirle alguna ayuda especial para sus clases, sin saber ni intuir que esa estrambótica idea cambiará radicalmente la forma de editar discos en el mundo entero.


Una gran historia de ficción que, sin dudas, alguien debería haber inventado si no fuera real. Porque así de inverosímil como suena, pasó. Y en base a esos hechos reales, David Trueba montó esta Vivir es fácil con los ojos cerrados (2013), íntima road-movie que el año pasado se alzó con los premios Goya a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Protagonista, Mejor Actriz Revelación, Mejor Guión Original y Mejor Música Original. Y que, al no haberse estrenado comercialmente en la Argentina, llega ahora a la Ciudad de Buenos Aires como uno de los platos fuertes de la muestra de cine español Espanoramas.


Cálida y esperanzadora mirada sobre las generaciones que cambiarán la historia de la península al romper con el miedo a los mandamientos sociales y culturales que el franquismo imponía con mano de hierro, Vivir es fácil con los ojos cerrados (título tomado de una línea de la canción Strawberry Fields Forever) suma al viaje del profesor idealista y comprometido (un enorme Javier Cámara, dueño de todos los registros de la humanidad sutil), la compañía de una veinteañera embarazada y de un rebelde adolescente, ambos en fuga de aquellos entornos conservadores que los ahogan y limitan.


Como toda historia de ruta, esta también es una metáfora para hablar del aprendizaje y el crecimiento, del amor y del despertar sexual, del dolor y de las pérdidas, de las frustraciones y de la capacidad de optar. Más allá de los puntos de partida y llegada de cada uno de los protagonistas, lo que cuenta aquí es la huella que deja el camino recorrido. El sueño de la libertad como semilla de la actual libertad para soñar. La vida, o aquello que nos pasa mientras estamos ocupados en otras cosas.


No es una película de Marvel, pero conviene quedarse hasta el final. Para dejarse envolver por la dulce melancolía de la música compuesta y tocada por Pat Metheny y Charlie Haden. Y para apreciar las dos escenas mínimas que cierran el filme, síntesis conceptual del embriagante destilado que nos hemos bebido; y demostración fáctica de que en las historias pequeñas anidan las grandes obras. Una verdadera gozada. 
Fernando Ariel García

SE ACABÓ LA ÉPICA: EL SENTIDO DEL SINSENTIDO

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Se acabó la épica. Alrededor de la vida y obra de Néstor Sánchez. Dirección: Matilde Michanie. Testimonios de: Ruth Taiano, Claudio Sánchez, Carlos Sánchez, Teresa Wangeman, Albert Bensoussan, Emilio Sánchez Ortiz. Voz en off: Hernán Lucero, Néstor Sánchez. Investigación y Guión: Matilde Michanie. Música: Horacio Manuel Diéguez. Michanie Film. Argentina, 2014. 

Si, como yo, no tenían idea de quién era Néstor Sánchez (1935-2003), este documental es para ustedes. Porque después de asomarse al vacío vertiginoso que propone su poética prosa urbana, su estoica rebeldía contra el impiadoso accionar de la vida sobre el ser humano; su búsqueda del sentido del sinsentido de la vida en bares y fondas, entre los vicios y la fe mística, desde los arrabales bonaerenses hasta los callejones neoyorquinos y desde el barroco barcelonés hasta el romanticismo parisino; van a querer ir corriendo a devorarse sus únicas cuatro novelas, muy difíciles de conseguir. Todas imprescindibles para intentar apaciguar (en vano) la angustia existencial que nos es inherente. 


Tremendo trabajo el de Matilde Michanie, guionista y directora de Se acabó la épica. Alrededor de la vida y obra de Néstor Sánchez, documental iluminador y necesario, que va rehaciendo el calvario humano del invisibilizado escritor argentino, figura del boom latinoamericano, dueño de un genio autodestructivo que iguala la obstinación enfermiza con la fragilidad psíquica de un ser hipersensible, atravesado por la duda, apuñalado por la certeza de saber que existen más preguntas que respuestas. Siempre. 

Néstor Sánchez

Mediante material de archivo y entrevistas a familiares, amigos y médicos que lo trataron; recorriendo los caminos que esos pies dolientes transitaron con amargura y placer, con amores y penas, vamos penetrando los poros de este exquisito escritor, traductor, eximio bailarín de tango y aficionado a las carambolas inefables del billar y del azar. Nos impregnamos de su obra, escuchamos su voz y el eco de su voz en otras lecturas de sus escritos, imaginamos la belleza de ese infierno que lo atravesó de cabo a rabo, lo entendemos y dejamos de entenderlo todo. 

De puño y letra

Si, como yo, son de los que no suelen ir al cine a ver los estrenos en su primer fin de semana (porque viven acumulando películas, porque quieren esperar a ver qué dicen algunos medios alternativos o por la razón que fuera), rompan con esa tradición. La performance del filme durante el primer fin de semana es la que, en gran parte, definirá la duración de su permanencia en cartel. Con tanto tanque hiperpromocionado, este documental de Matilde Michanie va a necesitar de todo el apoyo necesario para sobrevivir en la jungla salvaje. Sería un pecado que Se acabó la épica pase sin pena ni gloria. Sin los mundos de Néstor Sánchez, este mundo va a ser mucho más pobre. 
Ya lo fue una vez. No reincidamos en el error. 
Fernando Ariel García

EN UN PATIO DE PARÍS: DOS SOLEDADES HACEN UNA COMPAÑÍA

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En un patio de París. Director: Pierre Salvadori. Protagonistas: Catherine Deneuve, Gustave Kervern, Féodor Atkine, Pio Marmai, Michèle Moretti y Nicolas Bouchaud, entre otros. Guión: Pierre Salvadori y David Colombo-Léotard. Les Films Pelléas / France 2 Cinéma / Delta Cinéma / Tovo Films. Francia, 2014. 

En un momento de la trama, la lectura de un poema de Raymond Carver ancla definitivamente el tono y el espíritu de En un patio de París (Dans la cour, 2014) en el país de la melancolía que no cesa, del minimalismo agridulce que define la comedia dramática que les toca representar a Antoine (Gustave Kervern) y Mathilde (Catherine Deneuve), un insomne músico cuarentón que decide desprenderse del lastre en que se ha convertido su presente; y una jubilada hiperactiva con miedo a detenerse y dejarse dominar por el pánico que la habita. 


Los dos, básicamente, están solos aunque estén acompañados. Incapaces de contactarse con alguna zona interior que les devuelva algún sentido al fisurado hueco en que han transformado sus días, él encontrará algún falso refugio en las adicciones que nunca abandonó; y ella aprenderá a boicotearse hasta el punto de hacer peligrar la estabilidad emocional de su matrimonio de años. Al coincidir en un patio interno de una encantadora (y bastante venida a menos) casona de París, entablarán una cierta relación laboral y un cálido compañerismo que será determinante para sacudir las estanterías. 


Con estas almas perdidas, estancadas en un eterno tiempo muerto que los pasa sin que les pase nada, Pierre Salvadori (guionista y director) va enhebrando una historia muy cómica y muy trágica, tan surreal como costumbrista, explorando la naturaleza de esos lazos dependientes que los hermanan sin la intromisión del deseo, hasta hacerles recuperar un motivo minúsculo, valedero e intrascendente para seguir respirando. 


Narrada con notable economía de recursos, concentrándose en la interacción entre los protagonistas y una batería de secundarios que le dan color, gracia y una dosis de bienvenido delirio al conjunto, la atención al contexto (y los subtextos) va dotando de carnadura humana y entrañable empatía a En un patio de París, una historia de las tantas que ensombrece cualquier gran ciudad, preservada por el brillo intenso de una bella, breve, profunda e irrepetible amistad. 
Fernando Ariel García

"DE AMOR Y DINERO", CON VIGGO MORTENSEN, SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 23 DE ABRIL

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(Información de prensa)¿Cuál es el límite de la ambición? De amor y dinero (The Two Faces of January, 2014) se estrena en la Argentina el próximo 23 de abril. Protagonizada por Viggo Mortensen, Kirsten Dunst y Oscar Isaac, la película de Hossein Amini (guionista de Acción a máxima velocidad) está basada en la homónima novela de Patricia Highsmith. 


1962. Una glamorosa pareja norteamericana formada por el carismático Chester MacFarland (Viggo Mortensen) y la bella y joven Colette (Kirsten Dunst) se encuentra en Atenas durante unas vacaciones en las que recorren Europa. Durante una visita a la Acrópolis conocen a Rydal (Oscar Isaac), un joven estadounidense que habla griego y trabaja como guía turístico, situación que aprovecha para timar a turistas ricas. Atraído por la belleza de Colette e impresionado por el dinero y sofisticación de Chester, acepta encantado una invitación a cenar.


Un thriller centrado en un artista de la estafa, su esposa y un extraño que huyen de Atenas después de que uno de ellos está en la mira por la muerte de un detective privado.










LARGA VIDA Y PROSPERIDAD

"EL SECRETO DE ADALINE" SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 30 DE ABRIL

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(Información de prensa) El mundo cambió durante el último siglo, pero Adaline no. El próximo 30 de abril llega a la Argentina El secreto de Adaline (The Age of Adaline, 2015), película de Lee Toland Krieger protagonizada por Blake Lively, Harrison Ford y Amanda Crew, entre otros. 


Una joven, nacida a principios del siglo 20, queda por siempre joven luego de un accidente. Después de muchos años solitarios, conoce a un hombre por quien valdría la pena dejar de ser inmortal.

A PARTIR DEL 5 DE MARZO, CCEBA JAZZ

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(Información de prensa) La Cooperación Española, a través de la Embajada de España en Argentina y el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA), invita el 5 de marzo, a las 19:00 horas en su sede de Florida 943, al estreno del ciclo CCEBA Jazz con el concierto del cuarteto Jodos, Verdinelli, Moreno y Domínguez. De entrada libre y gratuita, la serie de cinco recitales cuenta con una periodicidad bimestral y la coordinación del músico Javier Cánepa para recorrer y explorar nuevas vertientes del género. 


Entre los intérpretes más activos de la escena de jazz porteña, Ernesto Jodos (piano), Sergio Verdinelli (batería), Javier Moreno (contrabajo) y Rodrigo Domínguez (saxo) ofrecen un repertorio de música original en exclusiva para CCEBA Jazz, un concierto que luego se prevé materializar en la grabación de un álbum. El estilo del cuarteto se caracteriza por una fuerte tendencia a la interpretación libre y abierta sobre las formas y las melodías de las composiciones, con atmósferas sutiles y minimalistas. 

Cuarteto Jodos, Verdinelli, Moreno y Domínguez

La nueva propuesta del CCEBA se suma a otros ciclos de electrónica y pop/rock (Búsquedas Sonoras y + Música) para afianzar el sótano de Florida como un lugar de música. 

 Más información aquí.

CAPSULAS ARGENTINA

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La Asociación Argentina de Editores de Historietas anunció dos novedades para marzo: 


Un globo que no se desinfla. Ediciones Noviembre. Un hombre llama al infierno. Del otro lado, María Luisa, la telemarketer de Satanás, lo atiende. El hombre le comenta que quiere el mundo a cambio de su alma, sin embargo, no tiene suficiente crédito para hacerlo. Amablemente, María Luisa le ofrece dos opciones: Tener la voz de Darth Vader o un globo que no se desinfla. ¿Qué elegirá? Éste libro de historietas cortas sintetiza el encuentro de diferentes géneros con el humor absurdo y costumbrista. Brian Janchez lleva seis libros publicados. Éste es el primero que no tiene palabras de origen hebreo ni culo o pija en el título. 


Revista HB Nº 14. HB Editora. En éste número: Erovix, el Galo por Alexander Lone y Kaos; Apocalipsis Vol. 3 (Parte 1) por Gonzalo Gutiérrez y Facundo Berterreix; Frontier Piche – El domador por Martín Viñes; Gabriel por Hernán Molina; Caricaturas por Martín Gatti; Joe's Garage – Cap. 3 por Matías Brun; Mañqué por El Santi; y Al diablo con Beto por Hernán Molina.

"OESTERHELD: MAESTRO DE LOS SUEÑOS" EN TEBEOSFERA

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(Información de prensa) En su sitio web, Tebeosfera recupera el largo ensayo Maestro de los sueños, sobre el guionista argentino Héctor Germán Oesterheld, elaborado por Andrés Ferreiro, Fernando Ariel García, Hernán Ostuni, Luis Rosales y Norberto Rodríguez Van Rousselt, miembros del colectivo La Bañadera del Cómic. 

Ilustración de Félix Saborido para la revista Feriado Nacional Nº 5 (1983) tras conocerse el testimonio de Eduardo Arias sobre el destino de Oesterheld

Este exhaustivo trabajo de investigación, complementado además con emotivos textos, ilustraciones e historietas en homenaje al desaparecido autor e incluso con reproducciones de interesantes declaraciones del propio Oesterheld, se publicó originalmente en nueve entregas entre los números 15 (2004) y 26 (2009) de la Revista Latinoamericana de Estudios sobre la Historieta, fue también editado en forma de libro dentro de la colección Biblioteca temática de la historieta argentina, en dos volúmenes: Oesterheld en primera persona (2005) y Oesterheld en tercera persona (2007), y sigue siendo hoy en día el trabajo teórico más completo sobre la obra del genial guionista argentino. 

Homenaje de Rubén Sosa a HGO

Aquí los links a los nueve artículos tal y como fueron publicados en la Revista Latinoamericana de Estudios sobre la Historieta
6) De Asmar a Cielosur, por Jorge Claudio Morhain


Sirva este pequeño homenaje para honrar la memoria de uno de los más grandes autores que ha dado el medio, tristemente desaparecido pero nunca olvidado.

"LA BESTIA", MUESTRA FOTOGRÁFICA DE ISABEL MUÑOZ SOBRE LA MIGRACIÓN CENTROAMERICANA, LLEGA AL CENTRO CULTURAL RECOLETA

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(Información de prensa) La Cooperación Española, a través de la Embajada de España en Argentina y el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA), invita el 5 de marzo, a las 18:00 horas en el Centro Cultural Recoleta (sala C, Junín 1930, Ciudad Autónoma de Buenos Aires), a la inauguración de la muestra La Bestia, con obras de la fotógrafa española Isabel Muñoz sobre la migración centroamericana a bordo de un tren de mercancías. De entrada libre y gratuita, la exposición se puede visitar hasta el 5 de abril de martes a viernes de 13:30 a 20:30 horas y sábados, domingos y feriados de 11:30 a 20:30 horas. 


La muestra de Isabel Muñoz recoge impactantes imágenes del tren de carga que los indocumentados llaman “La Bestia” y que utilizan para poder llegar a los Estados Unidos a riesgo de perder su propia vida en tan peligrosa maniobra. Se trata de un recorrido de más de 5.000 kilómetros que los centroamericanos realizan como polizones a bordo de los vagones del tren infame, a veces quedando mutilados, pero casi siempre sufriendo vejaciones, robos, secuestros e incluso la muerte. A través de las fotografías se percibe la dura realidad de la población migrante de Centroamérica. 
La exposición se centra en el trayecto que hacen los migrantes, en tren, de Arriaga, Chiapas, a Ixtepec, Oaxaca. En paralelo a las fotografías se exhiben textos con las historias de vida de los retratados, abriendo el espacio a la palabra de los protagonistas. Por medio de estos registros es posible acercarse, desde otra temporalidad y otra mirada, a la realidad que viven los migrantes en este fragmento del viaje. 


Durante este periplo, Isabel Muñoz retrató bebés, niños, parejas que se enamoraron durante un asalto y payasos adolescentes, así como travestis, víctimas de secuestro o violación, entre otros representantes de lo que sucede en la frontera sur de México, “la gran olvidada”, como ella misma la califica. 
“Tienes que sentir La Bestia debajo de tus piernas para saber lo que sienten estos migrantes”, dice Isabel Muñoz, una de las fotógrafas contemporáneas más importantes de España y cuya obra se caracteriza por hallar belleza en medio de las realidades más duras. “Las mujeres, antes de iniciar el viaje, el sueño americano, empiezan a tomar la píldora”. 
La fotógrafa barcelonesa realizó tres viajes a la frontera sur de México para armar este proyecto personal. Junto al periodista salvadoreño Oscar Martínez, Muñoz subió a La Bestia y vivió en carne propia lo que viven estas personas que no buscan más que un futuro mejor para ellos y para sus familias. 


La exposición pretende describir el viaje del migrante desde la perspectiva de la fotógrafa y sus acompañantes. Las relaciones humanas y las historias personales de los retratados conforman un mapa que se traza no solo a partir del tránsito del migrante, sino de los que ahora los observan y que no pertenecen tampoco a este territorio “de paso”. 
Para Muñoz y Martínez, parte de lo que pasa con el fenómeno migratorio -como con otras problemáticas tratadas por los medios de comunicación-, es que está descontextualizado, desvinculado a sus causas y es abordado en sí mismo, sin rostros y bajo la premisa de la ilegalidad de la acción de migrar. 
Con estas imágenes su intención es contribuir al reconocimiento de los derechos humanos: sociales, laborales y culturales de la población migrante centroamericana en las sociedades de origen y en las de acogida.

Isabel Muñoz (Barcelona, 1951): Vive y trabaja en Madrid desde 1970. Con más de 20 años de experiencia profesional, es colaboradora habitual del diario español El País, en el que ha publicado trabajos como Violencia tatuada sobre las maras o pandillas en Centroamérica. Considerada una de las más brillantes especialistas del copiado al platino, tiene reconocimientos como el World Press Photo en la 43º y la 48º edición, además de otros premios como la medalla de oro en la Bienal de Alejandría y la medalla de oro al mérito en las Bellas Artes en España. Se han editado múltiples libros sobre su obra, entre los que destacan: Parade nuptiale; Figures sans visages; Rome, l’invention du Barroque e Isabel Muñoz, en las colecciones Obras maestras y PHotoBolsillo de la editorial La Fábrica. Sus fotografías se pueden encontrar en instituciones como la Maison Européenne de la Photographie de Paris, el New Museum of Contemporary Art, de Nueva York, el Contemporary Arts Museum de Houston, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid o en colecciones privadas. La obra de Isabel Muñoz se basa en la investigación y exploración del cuerpo humano, a través de la danza, primero, y con la denuncia social, después. En sus fotografías, casi siempre en blanco y negro, presenta fragmentos del cuerpo o instantáneas de guerreros, toreros, bailarines, migrantes y mujeres de todo el mundo, de Buenos Aires a El Cairo y de Estambul a Sevilla, pasando por Phon Penh, México o África. 

Más información: 
Sitio web de Isabel Muñoz

ALCATENA ES PREMIO BANDA DIBUJADA 2015 A LA TRAYECTORIA

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(Información de prensa) Con mucha alegría, anunciamos que Enrique "Quique" Alcatena es Premio Banda Dibujada a la Trayectoria 2015, por su enorme contribución a la formación lectora de niños, jóvenes (y adultos), realizada a través de su vasta obra historietística, como autor integral y como dibujante de los grandes guionistas con los que colabora. La ceremonia de entrega de la estatuilla será el 1 de octubre de 2015, en el auditorio de la Alianza Francesa de Buenos Aires, en el marco de los Premios Banda Dibujada 2015.


Enrique Alcatena (Buenos Aires, 1957) es un historietista cuyas obras se encuentran, en su mayoría, orientadas al público adulto o, más bien, para todo público. Pero Banda Dibujada desea destacar especialmente con esta distinción, a aquellas orientadas para chicos, ya que Alcatena publicó una gran variedad de historietas de aventuras, durante cinco años, en la revista escolar Anteojito (desde 1983 hasta 1988, aproximadamente), entre ellas Cascabel, Estrella Azul, Arlekín, Kassim y el Genio, Luc Helius y otras. Esas mismas historietas se republicaron en Anteojito en distintas oportunidades hasta su cierre, en 2001; y algunas de ellas fueron publicadas también en Petete, en España. 


También es el autor de Dugong y Manatí, serie nacida en la revista Comic.ar, y cuyo libro obtuvo el Premio Banda Dibujada 2014 en la categoría "Ficción para chicos" . Al mismo tiempo, los distintos Jurados le otorgaron otros dos Premios Banda Dibujada en el rubro "Ficción para jóvenes", sub-categoría "Clásicos", ambos en dupla con el gran guionista Eduardo Mazzitelli: Travesía por el Laberinto, Shankar e Imperator, entre muchos otros. Y su libro Barlovento (Napoleones sin Batallas, también con guión de Mazzitelli, 2013) fue Seleccionado Banda Dibujada 2014. 


Sus trabajos han sido publicados en las revistas de Ediciones Record (principalmente en Skorpio), entre muchas otras, y en Italia. Y ha colaborado en cómics norteamericanos, llevando adelante a Batman, Los 4 Fantásticos, Conan, y más. Actualmente publica periódicamente en el suplemento Historietas Nacionales de Télam. 


Quique Alcatena expresa además una sensibilidad muy especial hacia su profesión, con un profundo respeto por la labor de sus colegas, tanto hacia quienes lo precedieron como hacia los jóvenes que recién comienzan con sus trabajos. Esto queda demostrado en su participación como vicepresidente de ADA (Asociación de Dibujantes de Argentina), y por su contribución en el multiespacio de reivindicación gremial "Dibujantes Trabajando", entre otras actividades afines (fue uno de los mentores de ACHA - Asociación de Creativos de la Historieta Argentina). Y, desde hace años, dicta cursos y talleres de dibujo e historieta.

"ROSARIO", LO NUEVO DE CARLOS SAMPAYO, YA SE CONSIGUE EN FRANCIA

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La editorial francesa Ankama distribuyó hoy en Francia el libro Rosario, la nueva obra de Carlos Sampayo (guión) y Claudio Stassi (dibujos).


De acuerdo con la información de prensa, la historia transcurre en la ciudad de Rosario, en 1930, cuando el Golpe de Estado instala a José Félix Uriburu en la Presidencia de la Nación. En el corazón de una política represiva y dictatorial, el joven violinista Rogelio recuerda cómo se enamoró locamente de Raquelita, una joven prostituta; y cómo tuvo que recurrir a las fuerzas anarquistas para liberarla de esa mafia ligada con el poder. 
¿La veremos editada en la Argentina?









LO MEJOR DE MÍ: POMPA DE JABÓN

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Lo mejor de mí. Director: Michael Hoffman. Protagonistas: Michelle Monaghan, James Marsden, Luke Bracey, Liana Liberato y Gerald McRaney entre otros. Guión: J. Mills Goodloe y Will Fetters, en base a la novela homónima de Nicholas Sparks. DiNovi Pictures / Finch Entertainment / Relativity Media / Surefire Entertainment Capital. EE.UU., 2014. 

Entre nosotros se las conoce como telenovelas, en México como culebrones; y en los EE.UU. como Soap Operas, ya que el primer gran auge del género se dio gracias al patrocinamiento económico de las marcas de jabón de las distintas empresas del ramo de la higiene hogareña. El término anglosajón también sirve para definir rápidamente las características de sus tramas básicas, simples burbujas que estallan ante la mínima mirada crítica. 

La base de todo está en la utilización exacerbada del melodrama, un género que, de por sí, se caracteriza por buscar la empatía emocional de su público (preferentemente femenino) apelando al sensacionalismo de sus simples tramas sentimentales, recurriendo al cliché del amor eterno, imposible y de consumación preferentemente trágica. Los personajes no importan demasiado, porque suelen tratarse de estereotipos atravesados por el dolor, la angustia, el deseo, la necesaria crisis familiar, una enfermedad, cualquier otra dificultad bastante improbable de superar; y la posibilidad cierta de redimirse a través de algún sacrificio. 


Una fórmula que funciona siempre y cuando estemos dispuestos a creer ciegamente en el relato que se nos cuenta. Como en toda cuestión de fe, entonces, para disfrutar de Lo mejor de mí (The Best of Me, 2014) sólo hay que dejarse llevar de la mano de la parejita protagónica y no cuestionar nada de cuánto haya de predecible en el meloso sufrimiento, pretendidamente trascendental, que le toca en suerte (y desgracia) transitar.


Tan cursi como anacrónico, el filme es un muy logrado ejemplo de la novela romántica más rancia y conservadora, tal vez por estar basado en la homónima novela de Nicholas Sparks (el autor de Diario de una pasión, que aquí oficia también de productor ejecutivo), el mejor ejemplo contemporáneo de escritor de novelas románticas rancias y conservadoras. 
Una película que ya hemos visto infinidad de veces, aunque todavía no la hayamos visto. O sea, sólo para fanátic@s del género. 
Fernando Ariel García

AUTÓMATA: VOLVER AL FUTURO (DE LOS ’80)

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Autómata. Director: Gabe Ibáñez. Protagonistas: Antonio Banderas, Dylan McDermott, Melanie Griffith, Robert Forster, Birgitte Hjort Sørensen y Javier Bardem (voz de Blue Robot), entre otros. Guión: Gabe Ibáñez, Igor Legarreta, Javier Sánchez Donate. Green Moon / Nu Boyana Viburno. España / Francia, 2014. 

Distopía pura y dura, anclada en el retrofuturismo acuñado en los ’80 por Blade Runner y continuado (con inferiores resultados) por Inteligencia Artificial y Yo, Robot. Thriller policial, con toques de western, película de acción y trillada bajada de línea filosófica. Fábula moral sobre el concepto (y la concepción) de la vida; y la convivencia entre el hombre y la máquina, a pesar del capitalismo corporativo. Todo esto es Autómata (Automata, 2014), coproducción hispano-francesa que aborda la ciencia-ficción desde el rincón más deprimente de la proyección a futuro. 


Propuesta más interesante por las ideas planteadas que por su efectiva resolución dramática, la película protagonizada (y producida) por Antonio Banderas empieza por un lado (la ciudad decadente, contaminada, asfixiante y nada amigable para los humanos) y termina por otro (el desierto árido, áspero, inclemente y nada amigable para los humanos), ambos retratados con apabullante belleza formal por Gabe Ibáñez, especialista en efectos especiales que aquí debuta como realizador y co-guionista. 


Las dos locaciones principales parten al filme por la mitad. Literalmente, dividen drásticamente al metraje que se esfuerza por complementarlas y complementarse. Se separan por caminos divergentes, se contradicen, se chocan. Y de esta tensión mal resuelta, la primera mitad emerge como la más atractiva, provocadora y lograda de las dos. Enhebrando como pueden el trayecto (externo e interno), Banderas y Robert Forster llenan de entrañable convicción a los agentes de seguros que deberán resolver el dilema sobre la ¿naciente humanidad? de los autómatas obreros, abandonando en el camino la inconfortable zona de confort que habitaban como privilegiados del sistema.


Entretenimiento ambicioso, Autómata fusiona las viejas y las nuevas tecnologías en una imaginería visual sólida y compacta. Pero, como obra integral, se muestra demasiado dependiente de los modelos que abiertamente refiere. Al no erigir una identidad propia que alcance para definirla como aquello que (supongo) quiso ser, el siguiente paso en la evolución de la temática fantacientífica; termina reafirmando su estatus de honesta copia aventajada. Un modelo funcional y atractivo, pero viejo. 
Fernando Ariel García
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