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"MAMÁ, MAMÁ, MAMÁ" SE ESTRENA EL 7 DE ENERO DE 2021 EN LA WEB DE "PUENTES DE CINE"

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(Información de prensa) La muerte en un mundo sin adultos. Mamá, Mamá, Mamá (Argentina, 2020) se estrena el 7 de enero de 2021 en la web de Puentes de Cine. Escrita y dirigida por Sol Berruezo Pichon-Rivière, la película está protagonizada por Agustina Milstein, Chloé Cherchyk, Camila Zolezzi, Matilde Creimer Chiabrando, Siumara Castillo, Vera Fogwill, Jennifer Moule, Shirley Giménez, Ana María Monti y Florencia González.


Un día de verano, una niña se ahoga en la pileta de su casa. Cleo, con sólo doce años afrontará la pérdida de su hermana en un mundo sin adultos y acompañada de sus tres primas que la adentrarán en su mundo femenino en ebullición.


Cada niña estará sumergida en un micro universo particular; y en paralelo Cleo, marcada por la tragedia de su hermana, pero sin poder expresarlo.



"El mundo femenino rara vez se llega a tocar por completo -comenta la directora-. Y no hablo del cine nacional, sino de la cinematografía en general. Hay ahí un pequeño misterio que es difícil penetrar. Me interesa el mundo femenino de la niñez, de la pubertad. De cómo el cuerpo crece pero a destiempo del niño. No hablo en términos de madurez, sino en formas de ver la vida. La niña es llevada a cuidarse de un mundo que toca por primera vez cuando su cuerpo ya es objeto de mirada para los adultos. Están obligadas a tapar, a esconder eso que antes llevaban con tranquilidad. Te regalan tu primer corpiño, pero con eso el miedo a no llevarlo, el miedo a que algo se escape. Creo en cierta sutileza que se filtra en las mujeres de manera espontánea; hay una sensibilidad sin límites que suele quedarse en dramas amorosos o cotidianos por estar mal canalizada. Hay una sensibilidad extrema que todo lo ve y todo lo siente que no siempre es usada para la creación artística".



Es por esto que 
Pichon-Rivière buscó tener en este equipo de filmación a mujeres en todos los roles técnicos. "No por descreer del género opuesto -asegura- sino a forma de ensayo, a intentar crear una fraternidad que sólo aparece cuando únicamente hay mujeres. Además, considero dirigir a niñas como un gran desafío: quise captarlas sin ahuyentar su espontaneidad. Por eso, busqué crear un entorno cuidado, hasta casi maternal diría, y estoy segura de que logramos entre todas cuidar de esa chispa".



Cómo ver Mamá, Mamá, Mamá:
 
A partir del jueves 7 de enero de 2021, ingresando a la "Sala de Cine Virtual", dentro de la web de Puentes de Cine. Primero en el Home del Cine Virtual, clickeando en el film; y luego en ver película. El espectador debe registrarse con su usuario de la plataforma. El pago de la entrada de $ 160 y se hace vía Mercado Pago, tarjeta de débito o crédito. La entrada tiene una duración de 24 horas.

WONDER WOMAN 1984: ALTA TAPA

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Wonder Woman 1984. Guionistas: Anna Obropta y Louise Simonson, Steve Pugh. Dibujantes: Bret Blevins, Marguerite Sauvage. Letrista: Travis Lanham. Coloristas: Steve Buccellato, Marguerite Sauvage. Portadistas: Nicola Scott y Annette Kwok (regular), Robin Eisenberg (variante). Editor: Michael McCallister. 32 páginas en color. DC Comics. EE.UU., noviembre de 2020.

Portada de Nicola Scott y Annette Kwok

Cuando era pibe, bastante antes del streaming, los DVD’s y los VHS, las películas se veían en el cine y se leían, después, adaptadas en historietas. En la Argentina, las revistas de Editorial Columba (El Tony, Fantasía, D’artagnan e Intervalo) transformaron esta propuesta en una marca indeleble de sus publicaciones, algo parecido a lo que había hecho en los EE.UU. la Gold Key. Hoy, con el acceso instantáneo al material fílmico en distintos soportes, la industria norteamericana del cómic ha reemplazado las adaptaciones por las precuelas, una forma “creativa” de capitalizar comercialmente la altísima visibilidad que ofrecen los grandes tanques fílmicos.

En este museo se cruzan (sin cruzarse todavía) los caminos de la Mujer Maravilla, 
Barbara Minerva y Maxwell Lord

Marvel tiene super aceitado este mecanismo. Mucho más que DC, que sólo lo ha utilizado en un par de ocasiones, como Man of Steel, precuela oficial de El Hombre de Acero, la película de Zack Snyder que dio origen al actual Universo Cinematográfico DC, expandido ahora gracias al aporte de Wonder Woman 1984. Las dos aventuras que componen este número son lo suficientemente laxas, como para referir sin spoilear ni contradecir nada de lo que vaya a pasar en el cine. Dos anécdotas mínimas e infantiloides, a caballo entre la acción física y el humor zonzo, que ni le suman ni le restan a la licencia.

Steve Trevor y la Mujer Maravilla, como si el primero no se hubiera muerto en la peli anterior

Por estar incluidas en la cronología cinematográfica de la Wonder Woman de Gal Gadot, los cómics mudaron las locaciones a los EE.UU., particularmente a Washington, donde Diana Prince trabaja como guía en un museo. El mismo museo que exhibe piezas de la colección personal de Maxwell Lord, el mismo museo al que entra a trabajar la doctora Barbara Minerva (futura Cheetah). En la segunda historia, sin explicar cómo, cuándo y por qué ha vuelto de la muerte, Steve Trevor comparte hazañas con la superheroina, lo cual hace sospechar que esta pieza en particular transcurre en simultáneo con la peli y no antes. Y paremos de contar, porque acá (aparentemente) se acaba todo lazo que una la revista con el film. El resto podría funcionar como intrascendente relleno de cualquier revista de la Mujer Maravilla.

Portada de Robin Eisenberg

Lo más potable de este combo está en la portada variante de Robin Eisenberg, ilustradora y diseñadora industrial de Los Angeles, militante del arte pop como vehículo de concientización social sobre el género no binario, desde una mirada que privilegia la introspección sexual. La suya es una heoína completamente alejada del canon hegemónico de belleza que ha venido definiendo, desde el origen, la forma física del personaje. Más que la Mujer Maravilla, una maravilla de mujer.
Fernando Ariel García

VICENTA: YA ERA LEY

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Vicenta. Director: Darío Doria. Voz en off: Liliana Herrero. Guionistas: Luis Camardella, Florencia Gattari y Darío Doria, basados en una historia real. Directora de arte: Mariana Ardanaz. Cepa Cine. Argentina, 2020. Estreno en la Argentina: 3 de diciembre de 2020.


Por momentos, pienso que hoy no es el día adecuado para compartir este posteo. Después de ¿cuántos años? y demasiadas muertes evitables, la Argentina ha pasado a formar parte del grupo de países que cuentan con la interrupción legal del embarazo. Creo que el aborto es una situación no deseada por nadie; y que las mujeres no abortan por placer o por deporte. Está claro que ninguna está obligada a hacer aquello que no quiere hacer. Y a partir de ahora, está claro que la mujer que tome la decisión de interrumpir su embarazo, podrá hacerlo como siempre tuvo que poder hacerlo: En condiciones sanitarias óptimas, con el acompañamiento de sus familiares y/o amigos (si así lo quisiera) y con el seguimiento psicológico que considere necesario. Es un día para festejar la existencia de la ley, los logros de tanta lucha.


Y por momentos pienso que hoy es el día más adecuado para compartir este posteo. Porque
Vicenta habla específicamente del incumplimiento de una ley sancionada en 1921. Desde hace un siglo, en la Argentina es legal el aborto cuando el embarazo es producto de una violación. Y desde hace un siglo, en la Argentina es prácticamente imposible que se haga cumplir esa ley. ¿Por qué? Por jueces, sacerdotes, funcionarios públicos, médicos, directivos de organizaciones, personas con malas intenciones y personas con buenas intenciones, que se aprovechan o son aprovechadas por un sinfín de zonas grises en donde el derecho de la mujer es permanentemente violentado por interpretaciones burocráticas, en donde las cuestiones de salud pública son permanentemente violentadas por preceptos religiosos que deberían quedar en las prácticas privadas.


En una humilde casa de chapa y madera, en el seno de una familia pobre, una joven con discapacidad mental ha sido violada por su tío. Y por esa violación, la joven quedó embarazada. Es obvio que se trata de una maternidad no deseada. Lo sabe Vicenta, madre de la joven abusada, pero parece no entenderlo ni aceptarlo el Estado argentino en su más amplia extensión, a pesar de que la ley es clara y ampara a Vicenta y a su hija. El viaje hacia la Justicia terminará siendo de naturaleza kafkiana; y el camino estará lleno de sinsabores, piedras, destratos y más violencia institucional. Pero Vicenta avanza. Contra todo y contra todos. Por su hija.


La historia que cuenta
Vicenta es una historia real. Pasó no hace mucho, en el conurbano bonaerense. Y con otros nombres y en otros lugares, ha pasado antes. Y antes. Y antes. Y también después. Con la milenaria técnica de los muñecos animados de plastilina, Darío Doria y Mariana Ardanaz parieron este documental tan necesario como urgente, tan bello como doloroso, de visión imprescindible para padres, madres, hijos e hijas. Todos juntos, sentados en el mismo sillón frente a la tele o la computadora. Abrazados y hablando, hablando, hablando. Generando conciencia. Porque la ley ya existía. Porque la ley ahora existe. Y porque la lucha para que se cumpla con la ley, todavía sigue.
Fernando Ariel García

SALUDOS: ROBERTO BALDAZZINI

SALUDOS: RED PACE

SALUDOS: ALEJANDRO AGUADO

WONDER WOMAN 1984: TRES PARTES NO HACEN UN TODO

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Wonder Woman 1984. Directora: Patty Jenkins. Protagonistas: Gal Gadot (Diana Prince / Wonder Woman), Chris Pine (Steve Trevor), Kristen Wiig (Barbara Minerva), Pedro Pascal (Maxwell Lord), Robin Wright (Antiope), Connie Nielsen (reina Hyppolita) y Oliver Cotton (Simon Stagg), entre otros. Participación especial de (no vamos a spoilear nada) como Asteria. Guionistas: Patty Jenkins, Geoff Johns y Dave Callaham, sobre una historia de Patty Jenkins y Geoff Johns, basado en situaciones y personajes creados por William Moulton Marston, Harry G. Peter, Gardner Fox, Ramona Fradon, Keith Giffen, J.M. de Matteis, Kevin Maguire, George Perez y Len Wein, entre otros, para DC Comics. Productor ejecutivo: Geoff Johns. Productores: Deborah Snyder, Zack Snyder, Patty Jenkins, Gal Gadot. Warner Bros. / Atlas Entertainment / Stone Quarry. EE.UU., 2020. No estrenada comercialmente en la Argentina. Disponible en HBO Max (EE.UU.) desde el 25 de diciembre de 2020.


Poco más de un minuto. Eso es lo que dura la escena inserta entre los créditos finales de Wonder Woman 1984 (o WW84 a secas). Que esta secuencia sin injerencia real en la trama del film, sea lo mejor que la película tiene para ofrecer, habla a las claras de los problemas que presentan las dos horas y media que pasaron antes. No es que la propuesta de Patty Jenkins y Gal Gadot carezca de interés, todo lo contrario. Pero lo interesante de la propuesta aparece siempre desunido, desconectado entre sí, chocando las construcciones dramáticas que deberían continuar de manera natural y orgánica. Como si se tratara de tres obras distintas, de tres narrativas diferentes, pegoteadas para justificar la participación de los mismos personajes en cada una de ellas.


WW84es un homenaje al cine norteamericano de los ’80. El de superhéroes, con las citas a los Superman de Richard Donner y Christopher Reeve. El de aventuras, tirando de los lazos arqueológicos que lo emparentan con el Indiana Jones de Spielberg. Y la comedia romántica en general, aunque en particular podría hermanarse con los toques fantásticos de En algún lugar del tiempo, también protagonizada por Christopher Reeve. Sin embargo, tanta ascendencia estética y semejante parafernalia discursiva no logra cuajar como identidad unívoca, que esta vez sí busca referenciarse en la Mujer Maravilla de Lynda Carter.


Las escenas de acción van por un lado y los momentos románticos por otro. De hecho, los primeros están tan al palo (Themyscira, el shopping) y metidos con fórceps (Egipto), que parecen existir sólo para compensar la hora larga que Diana Prince y Steve Trevor necesitan para recomenzar una relación que la muerte cercenó en la primera película, ambientada setenta años antes de estos años ‘80 recreados al milímetro, salvo en la música. No ayuda que tenga dos principios anabolizados y un final anticlimático, que pretende asumirse como disruptivo de los cánones del género pero termina cristalizando como un momento sentimentaloide bastante berreta.


Y ahí es cuando a uno, creo yo, le conviene agarrarse de los links que pueda encontrar. Los Juegos Olímpicos de Themyscira, con las amazonas jugando al pato. La maqueta de un Maxwell Lord más parecido a Donald Trump que al Maxwell Lord que la Mujer Maravilla mató en los cómics. El corto metraje de Cheetah, tan corto que en la película sólo la llaman por su nombre de pila, Barbara Minerva. Pongámosle que sí al avión invisible. Los coqueteos con el Universo DC impreso, gracias a la presencia de Simon Stagg, empresario responsable por la creación de Metamorpho; y el uso de la Piedra de los Sueños que Neil Gaiman creó para Sandman. Y la historia de Asteria, la amazona de armadura dorada con más pasado que futuro. Pero qué pasado, por favor.
Fernando Ariel García

"ELLA ES CRISTINA" SE ESTRENA EL 4 DE FEBRERO EN LA WEB DE "PUENTES DE CINE"

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(Información de prensa) Nadie te conoce más que tu mejor amiga. Ella es Cristina (Chile, 2019) se estrena el 4 de febrero en la web de Puentes de Cine.


Escrita y dirigida por Gonzalo Maza, la película está protagonizada por Mariana Derderián, Paloma Salas, Roberto Farias, Néstor Cantillana, Daniela Castillo Toro, Alejandro Goic y Claudia Celedón. El film fue producido por Salma Hayek.


Cristina y Susana son mejores amigas desde la secundaria. Pero ahora, con más de 30 años, están recibiendo una llamada de atención. 


Cristina acaba de divorciarse y no está preparada para su nueva soltería; Susana vuelve a vivir en la casa de su madre. 


A causa de una pelea, se distancian y ahora ambas, separadas, tendrán que lidiar con una larga lista de hombres egoístas y egocéntricos a su alrededor.


Cómo ver Ella es Cristina: 
A partir del jueves 4 de febrero de 2021, ingresando a la "Sala de Cine Virtual", dentro de la web de Puentes de Cine. Primero en el Home del Cine Virtual, clickeando en el film; y luego en ver película. El espectador debe registrarse con su usuario de la plataforma. El pago de la entrada de $ 160 y se hace vía Mercado Pago, tarjeta de débito o crédito. La entrada tiene una duración de 24 horas.

"Al 3er DÍA" SE ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 4 DE FEBRERO EN CINE.AR

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(Información de prensa) El Infierno está llegando. Al 3er día (Argentina, 2020) se estrena el 4 de febrero, a las 20 horas, en Cine.Ar. Un día después, la película estará disponible en la plataforma Cine.Ar Play. 


Dirigida por Daniel de la Vega (Punto muerto), está protagonizada por Moro Anghileri, Gerardo Romano, Lautaro Delgado Tymruk, Osvaldo Santoro y Diego Cremonesi, con la participación especial de Osmar Nuñez, Arturo Bonin y Rodolfo Ranni.


Cecilia y su hijo emprenden un viaje. Al tercer día, es encontrada deambulando sola, sin recordar lo que pasó durante este tiempo. Ella busca desesperadamente a su hijo y se ve envuelta en una cacería brutal, llevada a cabo por un fanático religioso, con quien se enfrenta. Para ella, él es un lunático. Para él, Cecilia es el enemigo.



De la Vega cuenta que, "al empezar a trabajar en esta película nos hicimos unas preguntas: ¿Se puede contar una historia distinta a todas? ¿Puede esa historia tocar temas que atañen al género humano desde siempre, pero sin caer en ningún lugar en el que se ha caído antes ¿Podemos sorprender a través de un género que ha sido usado y abusado?".



Parece ser que sí. "Sinceramente -sostiene el director-, creo que Al 3er día reúne algunos elementos comunes, típicos de género, pero combinados de una manera en la que no se han combinado antes. Es una película que termina de develarse en el último acto. Porque las pistas están diseminadas a lo largo del film, pero el rompecabezas se arma solo al final". 



Para De la Vega, "Al 3er día toca temas que desde siempre atañen al género humano: la pérdida, la búsqueda de alguien amado y, a su vez, el descubrimiento de la propia identidad a través de esa búsqueda. ¿Se puede hablar del bien y del mal como complementarios más que como antagonistas? ¿Se pueden borrar las líneas del héroe y del villano, de la cordura y la locura y de la vida y la muerte? ¿Se puede hacer algo nuevo de lo viejo? ¿Se puede trascender un género dotándolo de algo que no se vio antes?".

JÓVENES BRUJAS - NUEVA HERMANDAD: CUESTIÓN DE GÉNERO

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Jóvenes brujas: Nueva hermandad. Directora:Zoe Lister-Jones. Protagonistas: Cailee Spaeny, Gideon Adlon, Lovie Simone, Zoey Luna, Nicholas Galitzine, Michelle Monaghan y David Duchovny, entre otros. Participación especial de Fairuza Balk. Guionista: Zoe Lister-Jones, basada en personajes y situaciones creadas por Peter Filardi. Columbia Pictures / Blumhouse Productions / Red Wagon Entertainment. EE.UU., 2020. Estreno en la Argentina (sólo en la provincia de Córdoba): 28 de enero de 2021.


Si vivís (o estás de paso) en la provincia de Córdoba, vas a poder ir al cine a ver esta película en pantalla grande, porque es el primer lugar de la Argentina que habilitó la apertura de las salas. Con estricto protocolo, por supuesto, porque la pandemia no terminó. Si no vivís (o no estás de paso) por esos lares, no te desesperes. Seguro que ya viste Jóvenes brujas: Nueva hermandad (The Craft: Legacy) aunque no hayas visto ni el tráiler.


Es que la película de Zoe Lister-Jones, al mismo tiempo secuela y reinicio de aquel suceso de culto conocido como The Craft (1996), no se aparta ni un milímetro de lo ya transitado hasta el hartazgo por este tipo de producciones de género. El nuevo Gótico romántico, dirigido principalmente al público femenino pre-adolescente, combinando la típica historia de crecimiento físico, psicológico y moral de las protagonistas (Coming of Age, que le dicen los yanquis), con una subtrama amorosa y contexto sobrenatural.


Nada nuevo bajo el sol (o la luna, ya que se trata de brujas), con vueltas de tuerca que van cayendo cuándo y dónde tienen que caer, para que la cosa avance. O dé la sensación de avanzar. Chica nueva en pueblo viejo. Familia ensamblada con algún secreto oculto. Primer día de colegio. Bullying. Y tres brujitas que la estaban esperando para armar el aquelarre cool de referencia. Consagración de la femineidad. Aparición de los poderes y un hecho que descajeta los íntimos logros obtenidos. Una tabla ouija. La revelación de la verdad y el enfrentamiento final que reordena los tantos, dejándolos a punto caramelo para la secuela ¿que viene?


Lo único interesante (ya ni siquiera novedoso) es la intención de transformar la trama en una lectura metafórica del empoderamiento femenino que define esta época. El enfrentamiento entre las brujas y el enemigo es, claramente, una lucha de poder. Específicamente, entre el poder machista del viejo orden patriarcal y el poder no binario del nuevo orden feminista. El problema, por supuesto, no está en la ideología, sino en el apego explícito al manual hegemónico de la corrección política. Sigo pensando que el cine es (y debería seguir siendo) otra cosa. Más narración, menos discurso.
Fernando Ariel García

SOUL: HONRAR LA VIDA

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Soul. Director:Pete Docter. Co-Director: Kemp Powers. Voces (inglés): Jamie Foxx (Joe Gardner), Tina Fey (22), Graham Norton (Moonwind), Rachel House (Terry), Alice Braga, Richard Ayoade, Wes Studi, Fortune Feimster y Zenobia Shroff (consejeros Jerry), Angela Bassett (Dorothea Williams), Phylicia Rashad (Libba Gardner), Donnell Rawlings (Dez) y Questlove (Curley), entre otros. Voces (castellano para el mercado latinoamericano):Óscar Flores (Joe Gardner), Xóchitl Ugarte F. (22), Germán Fabregat (Moonwind), Marcela Páez (Terry), Vero López Treviño, Eduardo Tejedo, Humberto Vélez, Magdalena Tenorio y Berenice Vega (consejeros Jerry), Laura Torres (Dorothea Williams), Magdalena Leonel (Libba Gardner), Octavio Rojas (Dez) y Abraham Vega (Curley), entre otros. Guionistas: Pete Docter, Mike Jones, Kemp Powers. Dialoguista adicional: Tina Fey. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Composiciones y arreglos jazzísticos: Jon Batiste. Consultor musical: Herbie Hancock. Músicos: Jon Batiste (piano), Eddie Barbash (saxo), Tia Fuller (saxo), Phil Kuehn (bajo), Linda May Han Oh (bajo), Roy Haynes (batería), Marcus Gilmore (batería) y Joe Saylor (Percusión). Participación especial de Cody Chesnutt (guitarra y voz). Walt Disney Pictures / Pixar Animation Studios. EE.UU., 2020. Estreno en la Argentina: Disponible en la plataforma Disney + desde el 25 de diciembre de 2020.


La verdad, no me mató. No sé si esperaba más, pero sí esperaba otra cosa de Soul, la nueva película de Disney y Pixar que, por esas cosas de la pandemia, se salteó los cines y desembarcó directamente en la plataforma Disney +. Con Up y Coco como antecedentes, se ve que puse altísimas expectativas en esta nueva incursión animada sobre la vida, la muerte y el sentido de la existencia. Temas que el film de Pete Docter aborda, de manera original y comprometida, sí, pero también obvia y previsible.


Joe Gardner es un gris maestro de música, dueño de una vida monótona y sin expectativas. Pianista dotado, su sueño y su deseo pasan por la de pertenecer al mundo profesional del jazz en la Gran Manzana, donde transcurren sus días y sus noches. Y justo cuando se le da la oportunidad, un mal paso lo pone al borde de la muerte. Entre el más allá y el más acá (o el Gran Después y el Gran Antes), Joe se convertirá en tutor y discípulo de almas no nacidas, enseñando y aprendiendo la diferencia que hay entre vivir y honrar la vida. Mientras tanto, con el paso del tiempo, la finitud de su cuerpo puede trascender de lo abstracto a lo concreto.


Para mí, Soul la pifia con el tono, no con el tema. Me pasó lo mismo que con Unidos, la película anterior de Disney-Pixar. No genera empatía por los personajes, apela a la brutalidad del golpe bajo y busca (y encuentra) la lágrima fácil, pero no crea lazos emotivos. Se apoya en el sobresaliente dominio del oficio técnico, pero para explicitarlo todo de manera burda, abrumadora y obsesiva. Cómo si uno no pudiera decodificar el mensaje por su propia cuenta.


Soul hace la diferencia sustantiva con la banda sonora. Una maravilla musical que, como el jazz, se arriesga y abre la puerta para ir a jugar. Tiene con qué hacerlo; y se nota. Cuenta con una banda conformada por algunas de las figuras más importantes de la escena jazzística neoyorquina contemporánea, incluidas algunas leyendas vivas como Herbie Hancock y Roy Haynes, amén de la participación especialísima de Cody Chesnut (el músico callejero en la escena del subte) y el toque industrial que provee Trent Reznor (líder de Nine Inch Nails). Sutil, inmersiva, enérgica, suave, atmosférica, encantadora, ominosa, epifánica. Y así podría seguir, adjetivando hasta el infinito y más allá. Mientras la película pierde el tiempo hablando, la música gana sentido al ahondar en los sentimientos. Donde una cumple, la otra dignifica.
Fernando Ariel García 

DESTINO – LA SAGA WINX: LAS HADAS CRECEN

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Destino: La saga Winx (primera temporada). Directores: Lisa James Larsson, Hannah Quinn, Stephen Woolfenden. Protagonistas:Abigail Cowen (Bloom Peters), Hannah van der Westhuysen (Stella), Precious Mustapha (Aisha), Eliot Salt (Terra Harvey), Elisha Applebaum (Musa), Danny Griffin (Sky), Sadie Soverall (Beatrix), Freddie Thorp (Riven), Eva Birthistle (Vanessa Peters), Robert James-Collier (Saul Silva) y Eve Best (Farah Dowling), entre otros. Guionistas: Brian Young, Speed Weed, Victoria Bata, Nicole R. Levy, basados en personajes y situaciones creados por Iginio Straffi. Desarrollado para TV por: Brian Young e Iginio Straffi. Archery Pictures / Young Blood Productions / Rainbow S.p.A. (ViacomCBS). Italia / Reino Unido, 2021. Estreno en la Argentina: Disponible en Netflix desde el 22 de enero de 2021.


No soy fanático de las Winx, pero me las conozco (casi) de memoria. Desde que mi hija las descubrió cuando tenía dos años, nunca dejó de ver (y volver a ver) la serie y las películas animadas, por tele y/o en DVD. Nunca dejó de hacerme leer (y volver a leer) los cómics en italiano y francés. Y hasta hace un tiempito, todavía seguía jugando con las muñecas articuladas, los vestidos y algún que otro merchandising oficial que pudimos conseguir.


Así que, once años después, al enterarse de que Netflix iba a hacer una serie con personas de las Winx, mi hija empezó a salirse de la vaina por verla. Y cuando llegó el día, se puso como loca. Como loca, por la emoción de encontrar a uno de sus primeros consumos culturales elegidos voluntariamente, reconvertido en un drama adolescente de corte fantástico, dirigido milimétricamente al corazón de su actual mundo de pertenencia, sin descuidar el apego empático a su nostalgia infantil.


Y como loca, también, porque Destino: La saga Winx(Fate: The Winx Saga) había decidido cambiar algunas cosas que, según su alma de fanática devota, no deberían haberse cambiado. Lo cierto es que se pasó los seis episodios (en modo cuasi maratónico) despotricando contra la serie que estaba aplaudiendo de pie. Y todavía sigue así, amando esta nueva encarnación de las Winx por el enfoque algo más adulto (y dark), que dota a la franquicia de cierto atractivo contemporáneo. Y odiando esta nueva encarnación de las Winx, por haber extirpado la liviandad naif (y un poco fashionista) del original, esa que la hizo engancharse al dibujo animado estrenado en Italia allá por 2004.


Más autoconcientes de la existencia de Harry Potter y de los paradigmas hádicos instalados por Disney, las Winx modelo 2021 aparecen encorsetadas por el vigente mandato comercial de empoderamiento femenino frente a los paradigmas patriarcales. En ese sentido, aplaudo la decisión de crear una nueva Winx con problemas de sobrepeso, bastante alejada del clásico imaginario renacentista, pero me hace ruido que se hayan anulado las raíces latina y asiática que exhibían algunas de las hadas animadas. Se ve que, aun en este contexto de corrección política, sigue habiendo modelos más incluibles que otros.
Fernando Ariel García

LUPIN: ENTRE LA JUSTICIA Y LA VENGANZA

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Lupin (primera parte). Directores: Louis Leterrier, Marcela Said. Protagonistas: Omar Sy, Vincent Londez, Ludivine Sagnier, Clotilde Hesme, Nicole Garcia, Hervé Pierre, Soufiane Guerrab, Antoine Gouy, Fargass Assandé, Shirine Boutella, Etan Simon. Guionistas: George Kay, François Uzan, Eliane Montane, basados en personajes y situaciones creados por Maurice Leblanc para la serie literaria de Arsène Lupin. Desarrollado para TV por: George Kay, François Uzan. Gaumont Television. Francia, 2021. Estreno en la Argentina:Disponible en Netflix desde el 8 de enero de 2021.


Si están esperando ver en pantalla al sofisticado ladrón de guante blanco creado en 1905 por Maurice Leblanc, lamento confirmarles que aquí no van a encontrar a ningún caucásico elegante, vestido con galera, frac y monóculo. Pero si están buscando una puesta al día audaz, diferente y fiel de ese folletín original, permítanme decirles que Lupin está hecha para ustedes.


Porque el mayor mérito de la serie desarrollada por George Kay y François Uzan reside, justamente, en haber abandonado la fachada de Arsène Lupin para aferrarse al espíritu del personaje (y la saga), aggiornándola de manera asombrosa, entretenida y contemporánea. Encontrando (dicho sea de paso) una justificación inesperada (y sumamente funcional) para emparentar el mito literario con el modus operandi y el código ético de Assane Diop (interpretado por un magnético e irresistible Omar Sy), inmigrante senegalés que aprendió cómo, cuándo y dónde ser Arsène Lupin sin necesidad de copiarle los manierismos.


En los cinco episodios de Lupin, todo se articula a través de la idea del legado. Para el contenido que atraviesa a los personajes, se trata del legado familiar, ese bien inmaterial que pasa de padres a hijos y que termina formando parte de la identidad de cada cual. Simbolizado metaficcionalmente con la novela de Arséne Lupin que Assane recibe como herencia vital de su padre, pero puesto a rodar también como karma que marcará los pasos de su propia paternidad y la de las otras familias involucradas en la trama. Para el continente narrativo, en cambio, el peso del legado pasa por la recuperación y puesta al día de las tradiciones culturales francesas, incluyendo una mirada crítica a sus prácticas imperialistas y a la discriminación racial parisina, que logró ahogar el grito de Égalité que hinchó las gargantas de aquellos viejos revolucionarios.


En resumen, Lupin triunfa trayendo al presente el rocambolesco accionar del lobo solitario que hace el mal por las razones correctas, sumándole aquí el debate moral que plantea la tensión entre el hambre de Justicia y la sed de Venganza que conviven en Assane. Por desgracia, la serie elige seguir la puta costumbre actual de terminar sin terminar, dejando todo colgado con un continuará que se las trae. Por suerte, Netflix ya confirmó la segunda parte para el segundo semestre de este año. Habrá que esperar.
Fernando Ariel García 

ARCHIE 80th ANNIVERSARY: CELEBRACIÓN DEL ETERNO ADOLESCENTE

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Archie 80th Anniversary Jumbo Comics Digest N° 1. Guionistas: Vic Bloom, Paul Castiglia, Angelo De Cesare, Frank Doyle, Joe Edwards, George Gladir, Bill Golliher, Dick Malmgrem, Rod Ollerenshaw, Dan Parent, Mike Pellowski, Samm Schwartz, Bill Vigoda. Dibujantes: Dan DeCarlo, Dan DeCarlo Jr., Joe Edwards, Geo Frese, Ray Gill, Dan Parent, Bill Golliher, Gus LeMoine, Los fabulosos K-Bros! (Pat Kennedy y Tim Kennedy), Harry Lucey, Bob Montana, Pat Kennedy, Henry Scarpelli, Samm Schwartz, Jeff Shultz, Bill Vigoda, Bob White. Entintadores:Jim Amash, Jon D’Agostino, Jimmy DeCarlo, Vince DeCarlo, Joe Edwards, Marty Epp, Rich Koslowsy, Rudy Lapick, Bob Montana, Samm Schwartz, Ken Selig, Henry Scarpelli, Bob Smith, Bill Vigoda. Coloristas: Digikore Studios, Rick Taylor, Glenn Whitmore. Portadista: Dan Parent. Editor: Mike Pellerito. 180 páginas a color. Archie Comics. EE.UU., marzo de 2021.


Tengo una hija de 13 años. Nativa del streaming, gracias a Netflix se hizo fanática de Riverdale. En realidad, al igual que la mayoría de sus amigas, se hizo fanática de Cole Sprouse, el actor que interpreta a Jughead (quien para mí seguirá siendo Torómbolo) y, en menor medida, de la relación amorosa que, dentro y fuera de la pantalla, vive con Lili Reinhart, la actriz que da vida a la blonda Betty. No sabe (nunca le importó) que el espíritu original de la saga de Archie Andrews estaba en las antípodas de la sensibilidad lyncheana de la serie. Y cuando le mostré este Archie 80th Anniversary Jumbo Comics Digest, que inicia los festejos oficiales por los 80 años de la saga, al ver la portada sentenció categóricamente: “Ese no es Archie. Y eso es una porquería”.

Crisis de los Archies infinitos, dibujados por Los fabulosos K-Bros!

En realidad, ese es Archie (al menos para mí) y la revista no es ninguna porquería, si uno acepta la previsibilidad del canon que expresan sus páginas. Junto con una selección de material clásico (incluida la primera aparición de Archie Andrews), el combo abre con una nueva historieta que celebra el legado de estas 8 décadas. Jugando con el concepto de la Crisis en las Tierras Infinitas de DC, la aventurafirmada por Bill Golliher y los fabulosos K-Bros! se apoya en la teoría de los universos paralelos para justificar la presencia simultánea de todas (o casi) las variables conocidas de una franquicia que, hasta no hace mucho, estaba marcada por las iteraciones constantes más que por los cambios radicales.

Debut de Archie, por Vic Bloom y Bob Montana, publicado originalmente 
 en Pep Comics N° 22 (diciembre de 1941)

Desde el tono naif de la clásica comedia de situaciones, intervenida por el humor físico del slapstick, la historieta sintetiza los temas recurrentes que cimentaron la fama de la marca: La idea de la adolescencia como una zona prístina de confort, eterna estudiantina sin conflictos, habitada por la amistad, la escuela, los triángulos amorosos completamente asexuados y una pertenencia férrea al modelo familiar más tradicional que pueda imaginarse. Con unas gotas de fantasía y mucha confianza en la intangibilidad de esos valores reconfirmados (hasta el hartazgo) por la ideología más rancia. El resto, una atinada selección de anécdotas alegres (algo nostálgicas) con esa vida de clase media suburbana protagonizada por Archie, Jughead, Betty y Veronica, más la pandilla de Riverdale, Josie y las Pussycats y la brujita Sabrina, todo muy alejado de las actuales (re)versiones hollywoodenses.

La línea más estilizada de Bill Vigoda

Lo más interesante, al comparar estos registros de ocho décadas ancladas en un tiempo mítico para el cual pareciera nunca haber pasado el tiempo, es lo modernas que se ven (se sienten) las primerísimas aventuras de Archie (sobre todo, las de Bob Montana y Bill Vigoda). A nivel gráfico, mucho más crudo (Montana) y estilizado (Vigoda) que el de la imagen galvanizada por la cultura pop de los ’60. Y a escala temática, por el retrato que pintan del estereotipo adolescente, plagado de inofensivos detalles que hoy serían inadmisibles por su incorrección política. Detalles que, me arriesgaría a afirmar, son los que forjaron el éxito inicial de la serie. Los mismos que fueron limados sin compasión para encajar en el imaginario conservador que ayudaron a estandarizar en los EE.UU. Y a diseminar por el mundo entero, con la prepotencia del papel impreso, los dibujos animados, la música (Sugar, Sugar, gran pegada de la banda The Archies), el merchandising y el copamiento insensible de la industria del entretenimiento global.
Fernando Ariel García 

"SOLANAS EN FILMACIÓN" SE ESTRENA EL 18 DE FEBRERO EN LA WEB DE PUENTES DE CINE

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(Información de prensa) El cine desde adentro. Solanas en filmación (Argentina / Francia, 1993) se estrena el 18 de febrero en la web de Puentes de Cine. El documental de Dolly Pussi y Enrique Muzio, que hasta hace muy poco se consideraba perdido, será exhibido en conmemoración del natalicio de Pino Solanas.


Durante el rodaje de la película El viaje (1992) el hoy reconocido fotógrafo Marcos López registró con una cámara de video todo el proceso de su realización. Con cientos de horas de material, Dolly Pussi y Enrique Muzio, junto al trabajo de montaje de Mario Berardi y los textos de Horacio González, realizaron esta película que muestra en acción a uno de los grandes directores del cine argentino, el recientemente fallecido Fernando Pino Solanas.


Perdida por muchos años y encontrada por Fernando Madedo, el film permanecía inédito en Latinoamérica hasta ahora, que se estrena en el marco de la conmemoración del natalicio del director de La hora de los hornos, entre otras joyas del cine nacional.


A lo largo de toda su vida, la militancia y el compromiso político de Pino Solanas estuvieron íntimamente ligados a su actividad artística. En 1962 realizó su primer cortometraje de ficción, Seguir andando, dando forma su casa de producción. 


De forma clandestina, en 1968 concretó su primer largometraje, La hora de los hornos, trilogía documental sobre el neocolonialismo y la violencia en el país y América Latina, que obtuvo múltiples premios internacionales y se difundió en más de 70 países. En 1969 fundó el grupo Cine Liberación junto con Octavio Getino, siendo  convocado en 1971 por Juan Domingo Perón para filmar en Madrid sus dos testimonios cinematográficos: La Revolución Justicialista y Actualización Doctrinaria para la toma del poder


La filmografía de Solanas incluye también a Los hijos de Fierro (1975), La mirada de los otros (1980), Tangos… El exilio de Gardel (1985), Sur (1987), El viaje (1992), La nube (1998), Memoria del saqueo (2003), La dignidad de los nadies (2005), Argentina latente (2006), La próxima estación (2008), Tierra sublevada: Oro impuro (2009), Tierra sublevada 2: Oro negro (2011), La guerra del fracking (2013), El legado estratégico de Juan Perón (2016) y Viaje a los pueblos fumigados (2018), que fue su último largometraje estrenado. En 2020 había concluido Tres a la deriva, que será estrenada de forma póstuma durante 2021.


Cómo ver Solanas en filmación: 
A partir del jueves 18 de febrero de 2021, ingresando a la "Sala de Cine Virtual", dentro de la web de Puentes de Cine. Primero en el Home del Cine Virtual, clickeando en el film; y luego en ver película. El espectador debe registrarse con su usuario de la plataforma. El pago de la entrada de $ 160 y se hace vía Mercado Pago, tarjeta de débito o crédito. La entrada tiene una duración de 24 horas.

ESCENA VISUAL ACCESIBLE PARA EL TEATRO NACIONAL CERVANTES

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(Información de prensa) En el inicio de la temporada 2021 el Teatro Nacional Cervantes (TNC) proyecta un conjunto de acciones dentro del programa TNC Accesible que profundiza el plan iniciado en 2018 (audiodescripción introductoria, visita táctil previa a la función, código QR para los programas de mano, aro magnético, subtitulado closed caption).


La primera acción será el proyecto Escena Visual Accesible, que llevará la lengua de señas en el ámbito teatral a otro nivel. Se trata de un conjunto de actrices y actores señantes, oyentes y sordos, que encarnan una nueva propuesta de accesibilidad a la ficción teatral en Lengua de Señas Argentina -LSA- (en formato audiovisual en tiempos de pandemia).


El trabajo consiste en que los actores y las actrices señantes no solo comuniquen con lengua de señas sino que además interpreten a los personajes que se presentan en la obra. Este es el rasgo diferenciador de otras propuestas que son eficaces en contextos de discursos periodísticos o pedagógicos, pero no en los teatrales.


Esta modalidad amplía el campo de derecho a la accesibilidad de las personas sordas usuarias de la LSA y se presenta como laboratorio de investigación en las formas visuales de la producción escénica.


En esta oportunidad, se abordará una selección de 10 obras del ciclo Nuestro Teatro que están siendo filmadas para su estreno en el canal Cervantes Online.
A continuación, el detalle de las obras que se presentarán en este formato:


Al hueso. Esta es la historia de dos hermanas. La gran casa familiar donde vivieron está siendo demolida. Ahora ellas transcurren sus días, deambulando entre muebles viejos y escombros, recordando un pasado incierto, lleno de pasiones y amores de juventud, acontecimientos políticos y la oscura sensación de un remoto dolor. En el acto mismo de contar su historia encontrarán la llave para intentar liberarse de su antiguo trauma histórico. Escrita por Santiago Dejesus. Dirigida por Pompeyo Audivert. Con Julieta Carrera, Claudio Da Passano y Malena Solda. Actrices señantes: Gabriela Bianco, Daniela Fortunato y Natalia Tesone. 


La ilusión del rubio. Facundo Rivera Alegre es un joven cordobés desaparecido en la ciudad de Córdoba el domingo 19 de febrero de 2012, a los 19 años de edad. La noche del sábado salió a un baile de cuarteto y no volvió más. En 2015 la Justicia de Córdoba, luego de un juicio plagado de irregularidades, dicta sentencia declarando culpable de homicidio doblemente agravado a un joven del barrio Maldonado. La investigación se detuvo y Facundo sigue desaparecido. Sus familiares y amigxs lo siguen buscando. Escrita por Santiago San Paulo. Dirigida por Gastón Marioni. Con Martín Slipak. Actor señante: Yomike González.


Puzzle. Dos hombres se encuentran ante un banco de alguna plaza. Ambos dicen haberlo alquilado ese exacto día para contemplar la puesta del sol. Discuten. Descubren asombrados que no saben nada de sí mismos, pero lo saben todo del otro. Ansiosos por conocer sus identidades, las construyen, revelando cada uno los secretos más recónditos del otro, cosiendo retazos de recuerdos ajenos. Y así, armando mutuamente el rompecabezas de sus identidades se revelan criminales en constante y solitaria huida. Deseosos de confesar sus crímenes pero impotentes por su amnesia. Deciden entonces cambiar sus identidades, las que suponen iguales como gotas de agua, y confesar el crimen ajeno. Encuentran así el camino para -al mismo tiempo- burlar a la justicia que los persigue y expiar sus culpas. Escrita por Sergio Omar Lopardo. Dirigida por Santiago Doria. Con Osmar Núñez y Jorge Suárez. Actrices señantes: Daniela Fortunato y Gabriela Bianco.


La imprenta. Sabido es que Sarmiento llevó una pesada imprenta al Ejército Grande de Urquiza para imprimir boletines de campaña. Dos gauchos, la absoluta retaguardia, van empujando ese ariete destinado a acabar con ellos mismos. Escrita por Gabriel Graves. Dirigida por Guillermo Guio. Con Néstor Caniglia, Marcos Montes y Carlos Portaluppi. Actrices señantes: Daniela Fortunato, Gabriela Bianco y Gisela Vetrisano. 
 

El derecho de las cosas. Las tensiones, los argumentos, el progresismo sensible intentando explicar por qué no se pudo y por otro lado el reclamo por una herencia llena de “formas naturales” que enmascaran las construcciones de la injusticia, la desigualdad y la idea de que el mundo es para los fuertes. A La Chica y a Jean Paul los separan 40 años y los acerca, además de la vecindad, quizás la posibilidad de ponerse en camino hacia una comunidad de lo múltiple. Puede fallar. Escrita por Guillermo Arengo. Dirigida por Analía Couceyro. Con Daniel Fanego y Camila Santini. Actrices señantes: Daniela Fortunato y Natalia Tesone.


Camarín 19. Dos consagradas divas de la escena nacional son convocadas para representar su clásico show en un gran teatro. La experiencia en el camarín les indica que no todo saldrá como lo esperan. Paleolíticas y monumentales como son, ellas también deberán adaptarse a una nueva realidad. Escrita por Vera Czemerinski. Dirigida por Alejandra Flechner. Con Noralih Gago y Vanesa Maja. Actrices señantes: Daniela Fortunato y Natalia Tesone.


Esa iglesia llena de enemigos armados hasta los dientesUn sargento y un soldado raso cubiertos detrás de una trinchera son los únicos sobrevivientes de su pelotón. Del otro lado, una iglesia de un pequeño poblado atestada de enemigos armados hasta los dientes. La misión, tomar la iglesia y acabar con el enemigo. El objetivo no será nada fácil, ya que antes se debatirán sobre el bien y el mal, los privilegios de clase y el orden establecido de las cosas. Escrita por Agustín Sáiz. Dirigida por Emiliano Dionisi. Con Daniel Casablanca y Julián Ponce Campos Actor y actriz señantes: Yomike González y Gisela Vetrisano.


El rumor de las palomasEn la vida en común de una pareja, todo puede ser importante o decididamente ingrávido. Los hechos puntuales pueden afianzar la unión, o con el transcurrir de los días en convivencia, cambiarla por completo. Un gesto, una palabra, una acción o una omisión a veces adquieren un peso insoportable. Ángela y Benicio lo saben. Cuatro días en la historia de ambos en los que en un segundo, el vínculo íntegro puede mutar inexorablemente. Todo es impermanente, excepto el rumor de las palomas. Escrita por Mario Costello. Dirigida por Lorena Romanin. Con Vanesa González y Juan Tupac Soler. Actrices señantes: Daniela Fortunato y Natalia Tesone.


El presente de EduardoEscrita por Juan Felipe Villanueva. Dirigida por Guillermo Hermida. Con Horacio Acosta, Guido Botto Fiora, Adriana Ferrer y Roberto Peloni. Actrices señantes: Gabriela Bianco, Gisela Vetrisano y Natalia Tesone.
Esto no es una emergenciaEscrita por Nancy Lago. Dirigida por Vilma Rodríguez. Con Eugenia Alonso, Paula Fernández Mbarak y Julieta Vallina. Actrices señantes: Daniela Fortunato, Gabriela Bianco y Natalia Tesone.

Programa TNC Accesible
Coordinación General: Sonia Jaroslavsky y Brenda Lucía Carlini.

Proyecto Nuestro Teatro - Escena Visual Accesible - (LSA)
Dirección: Gabriela Bianco.
Asistencia: Karo Torre.
Producción TNC: Lucía Quintana.

"8½", DE FEDERICO FELLINI, SE RE-ESTRENA EN LA ARGENTINA EL 4 DE MARZO, EN COPIA TOTALMENTE REMASTERIZADA

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(Información de prensa) Después de La dolce vita; y con copia totalmente remasterizada en 4K,  (Italia, 1963), otro clásico inoxidable de Federico Fellini, se re-estrena en la Argentina el 4 de marzo, tras la reapertura de las salas cinematográficas en distintos puntos del país.


La película, ganadora del Oscar a la Mejor Producción de habla no inglesa, está protagonizada por Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Rossella Falk, Barbara Steele, Mario Pisu, Guido Alberti, Madeleine LeBeau, Caterina Boratto, Annibale Ninchi, Giuditta Rissone, Eddra Gale, Tito Masini, Nadine Sanders, Georgia Simmons, Hazel Rogers, Riccardo Guglielmi, Giulio Paradisi, Maria Antonietta Beluzzi, Polidor, Maria Wertmuller, Rossella Como y Nino Rota.


Después de obtener un éxito rotundo, un director de cine atraviesa una crisis de creatividad e intenta inútilmente hacer una nueva película. En esta situación, empieza a revisar los hechos más importantes de su vida y a recordar a todas las mujeres a las que ha amado. 


Dijo la crítica:
Michael Newton (The Guardian): Una obra maestra. En su mejor versión, las películas de Fellini muestran un equilibrio perfecto entre la fantasía y la realidad. Y en ninguna parte esto es más evidente que en su clásico autobiográfico,



Bosley Crowther (The New York Times): Una pieza de entretenimiento que realmente te hará reincorporarte en tu butaca y pensar. Una película dotada del reto de un fascinante juego intelectual establece un ego laberíntico para los que se atrevan a reflexionar y explorarlo, entregando algunas elegantes joyas de ingenio y sátira por el camino. 


 
Roger Ebert: 8½ es la mejor película sobre cine que se ha hecho. Todas las imágenes (reales, recordadas, inventadas) se unen en una de las películas más estructuralmente consistentes de Fellini. 



Jonathan Rosenbaum (Chicago Reader): Hilarante y acumulativamente original. Lo más maravilloso e inventivo que se haya hecho nunca.


 
Tara Brady (Irish Times): La alucinógena obra maestra de Fellini es la más película de las películas. Es una obra que nunca deja de recompensarte y sorprenderte. Puntuación: 5 (sobre 5). 



Max O'Connell (IndieWire): Una de las mejores películas sobre cine, es crítica con la presuntuosidad y la inmadurez de su director al mismo tiempo que celebra las posibilidades del medio. 

LIGA DE LA JUSTICIA: AGUA Y ACEITE

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Liga de la Justicia. Directores: Zack Snyder, Joss Whedon (no acreditado). Protagonistas: Ben Affleck (Bruce Wayne / Batman), Henry Cavill (Clark Kent / Superman), Gal Gadot (Diana Prince / Mujer Maravilla), Ezra Miller (Barry Allen / Flash); Jason Momoa (Arthur Curry / Aquaman), Ray Fisher (Victor Stone / Cyborg), Amy Adams (Lois Lane), Jeremy Irons (Alfred Pennyworth), Diane Lane (Martha Kent), Connie Nielsen (reina Hippolyta), J.K. Simmons (comisionado James Gordon), Ciarán Hinds (Steppenwolf), Amber Heard (Mera) y Joe Morton (Silas Stone). Participaciones especiales de Jesse Eisenberg (Lex Luthor), Joe Manganiello (Slade Wilson / Deathstroke) y Billy Crudup (Henry Allen, no acreditado). Guionistas: Chris Terrio y Joss Whedon, sobre una historia original de Chris Terrio y Zack Snyder, basados en personajes y situaciones de los cómics de DC. Productores: Christopher Nolan, Ben Affleck, Deborah Snyder, Geoff Johns. Warner Bros. Pictures / RatPac-Dune Entertainment / DC Films / Atlas Entertainment / Cruel and Unusual Films. EE.UU., 2017. Estreno en la Argentina: 16 de noviembre de 2017. Disponible en Netflix.


No me llevo con el cine de Zack Snyder. Todo bien con sus exquisitas elecciones estéticas, por más oscuras, asfixiantes y ralentadas que se muestren. Es su faraónica cosmovisión cinematográfica la que me parece declamativa, pomposa, pretenciosa, falsa, con ínfulas de un trascendente existencialismo que, en el fondo, se me hace la nada misma. Le reconozco el amor que pueda sentir por la materia historietística a la que vuelve una y otra vez (300, Watchmen, el Universo Cinematográfico de DC), pero cuando veo sus obras sólo veo la impotente puesta en escena de un ataque de rabia, furia y heroica superación de la derrota. No le creo nada. Es un problema mío, obvio, no de él.


Sin embargo, debo reconocer que tengo muchas ganas de ver su versión de Liga de la Justicia (Justice League), el film de 2017 del cual se alejó por razones personales más que justificadas; y que acaba de terminar para el servicio de streaming de HBO. Por eso, decidí sentarme primero frente a la versión original, terminada por Joss Whedon con un encargo puntual de los estudios Warner: Mantener la escala épica de la trama, pero alejándola todo lo posible del blindaje dramático que cargaba el Universo Cinematográfico de DC para acercarla al espíritu de ligera comicidad que el propio Whedon había ayudado a patentar como marca indeleble del Universo Cinematográfico de Marvel.


Ahí, me parece, se firmó la sentencia de muerte de la película. Los dos registros no encajan, no cuajan. De hecho, me animaría a decir que se rechazan, se expulsan, se contradicen mutuamente. En la superficie, la identidad corre de manera visual armoniosa y unívoca, pero en el fondo colisiona una y otra vez, dejando fuera de juego a los personajes y la sensación de credibilidad que buscan crear los actores.


El otro problema tiene que ver con el imperativo narrativo de quemar calorías a toda velocidad, para alcanzar el peso ideal y necesario para contar lo que se pretende contar. Lo que pasa es que el Universo Cinematográfico de Marvel llegó a los Avengers después de todo un periodo de instalación individual de personajes y subtramas; y el Universo Cinematográfico de DC prácticamente arranca con esta Liga de la Justicia. De ahí la necesidad de apurar las presentaciones de Flash, Aquaman y Cyborg, sus entornos y características, antes de pasar a la conformación de la Liga. Sin olvidar que, en el medio, tiene que resucitar al Hombre de Acero, que había palmado al final de Batman vs. Superman: El origen de la Justicia y que, además, pretende incorporar el mosaico al armado global de un universo ficticio mucho más amplio y extenso, capaz de albergar a un Linterna Verde que no pincha ni corta; y a un Darkseid del que se habla sin consecuencias.


Liga de la Justicia es un experimento fallido, que funciona por partes. Como el agua y el aceite, las perspectivas de Snyder y Whedon parecen emulsionarse cuando se mueven sin ton ni son. Pero en cuanto para el batido, las partes tienden a separarse inexorablemente. La película no se beneficia de esta situación, la sufre. Y con ella, los espectadores como yo.
Fernando Ariel García

JULIA - L’UOMO DI BUENOS AIRES: MEMORIA, VERDAD Y JUSTICIA

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Julia Nº48: L’uomo di Buenos Aires. Guion:Giancarlo Berardi y Maurizio Mantero, en base a un argumento de Giancarlo Berardi. Dibujos: Enio Leguizamón. Portada: Marco Soldi. 132 páginas en blanco y negro. Sergio Bonelli Editore. Italia, septiembre de 2002.


Un día como hoy, hace 45 años, la Argentina entraba en el momento más oscuro de su historia contemporánea. Con el golpe de Estado encabezado por Videla, Massera y Agosti, se instalaron la tortura, el asesinato y la desaparición de personas, junto con un proceso virulento de desindustrialización y pauperización del país y sus habitantes. La historia de este Hombre de Buenos Aires que contó una de las editoriales más importantes del fumetto italiano, la Sergio Bonelli Editore, arranca esa misma noche en Buenos Aires y culmina 25 años después, en la ficticia ciudad de Garden City, a pocas horas de New York.


El argumento tejido por Giancarlo Berardi y Maurizio Mantero se inscribe dentro del canon del policial de investigación, género al que adscriben la serie Julia y su protagonista, la joven criminóloga Julia Kendall. Y repite ciertas constantes temáticas en las que el cómic ha venido apoyando su sustento dramático por años: Las consecuencias en el presente de los hechos acaecidos en el pasado, juzgando el accionar particular de cada una de las personas sin involucrar a su colectivo de pertenencia.


El leitmotiv de la historia es la falta de Justicia para los delitos de lesa humanidad que se habían cometido en la Argentina durante la dictadura. En un momento (2001), en que las leyes de Punto Final y de Obediencia Debida todavía no habían sido anuladas; y los indultos otorgados por el presidente Carlos Menem seguían siendo constitucionales. Aún con el peso simbólico del histórico Juicio a las Juntas realizado por la Justicia civil argentina en 1985, durante el gobierno de Raúl Alfonsín, la sensación que campeaba (dentro y fuera de nuestras fronteras) era la de una instalada impunidad.


De ahí que la trama busque, deliberadamente, construir la idea de un trágico destino borgeano para Daniel Ortega, hijo de desaparecidos reconvertido en killer profesional que, vaya uno a saber cómo, logró ubicar en los EE.UU. al militar genocida que asesinó a sus padres Y allí va, en vuelo de Aerolíneas Argentinas, a matar al antiguo capitán Pedrazzi, oculto tras su nueva identidad de probo profesor universitario gracias a la intervención del FBI y la CIA. Es cierto que este clásico intercambio de roles (momentáneo) entre víctima y victimario, ayuda a generar conciencia entre los lectores europeos sobre el drama vivido por los hijos de desaparecidos, pero ante los ojos argentinos no deja de leerse como otra innecesaria convalidación de la teoría de los dos demonios.


Por suerte para todos, ahí están los dibujos del argentino Enio Legizamón (1942-2011) y la intervención final de Julia, que sirven para poner las cosas en su justo lugar. Con sensibilidad y crudeza, exponen las violaciones a los derechos humanos que llevaron adelante los militares, las razzias, los secuestros, los vuelos de la muerte. Y la imperiosa necesidad, en ese entonces, de resolver tanto dolor apelando a tribunales internacionales. Porque si algo deja en claro este notable Hombre de Buenos Aires es que la venganza puede llegar a funcionar como pobre paliativo ante la injusticia generalizada. Pero la única cura real sólo puede llegar bajo el imperio de la Verdad, la Memoria y la Justicia.
Fernando Ariel García
a 45 años del Golpe de Estado del 24 de marzo de 1976

LIGA DE LA JUSTICIA DE ZACK SNYDER: MÁS NO ES MEJOR (PERO ALGO SUMA)

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Liga de la Justicia de Zack Snyder. Director:Zack Snyder. Protagonistas: Ben Affleck (Bruce Wayne / Batman), Henry Cavill (Clark Kent / Superman), Gal Gadot (Diana Prince / Mujer Maravilla), Ezra Miller (Barry Allen / Flash); Jason Momoa (Arthur Curry / Aquaman), Ray Fisher (Victor Stone / Cyborg), Amy Adams (Lois Lane), Jeremy Irons (Alfred Pennyworth), Diane Lane (Martha Kent), Connie Nielsen (reina Hippolyta), J.K. Simmons (comisionado James Gordon), Ciarán Hinds (Steppenwolf), Amber Heard (Mera), Joe Morton (Silas Stone), Willem Dafoe (Vulko), Jesse Eisenberg (Lex Luthor), Jared Leto (Guasón), Joe Manganiello (Slade Wilson / Deathstroke, no acreditado), Ray Porter (Darkseid), Ryan Zheng (Ryan Choi), Peter Guinness (Desaad), Harry Lennix (general Swanwick / Detective Marciano), Kiersey Clemons (Iris West), Russell Crowe (voz de Jor-El) y Billy Crudup (Henry Allen, no acreditado). Guionista: Chris Terrio, sobre una historia de Chris Terrio, Zack Snyder y Will Beall, basados en personajes y situaciones de los cómics de DC. Productores:Christopher Nolan, Ben Affleck, Deborah Snyder, Geoff Johns. Warner Bros. Pictures / Access Entertainment / Dune Entertainment / Atlas Entertainment / Stone Quarry. EE.UU., 2021. Estreno en la Argentina: 18 de marzo de 2021, en sistema de alquiler por Google Play, Apple TV y Direct TV.


Cuando era adolescente, los compact discs estaban empezando a nacer y nadie soñaba con algo parecido a spotify. Así que la industria de la música tenía al vinilo como soporte primero, perfecto y principal, dejando en segundo lugar al cassette y bastante más atrás al magazine. En algún momento de los ’80, si no me equivoco, se empezó a masificar el yeite de los maxisimples. Que, como su nombre deja entrever, se trataba de discos simples (una canción por lado) pero con el tamaño y la presentación de un long play.


Para explotar este formato, las discográficas empezaron a llenar los maxisimples de las grandes figuras del rock y del pop internacional con versiones extendidas de sus cortes de difusión, ideales para ser utilizados por los disc-jockeys en los boliches y para ser atesorados por los fanáticos en sus colecciones privadas. Salvo algunas megabandas (como Queen o King Crimson), que en algunos casos realmente modificaban la canción original de referencia, sumándole estrofas y cambios en los arreglos, la mayoría de las versiones extendidas no pasaban de ser la misma canción que aparecía en el long play, con una introducción instrumental mucho más larga que justificara el rótulo (y el precio) de versión extendida.


Para mí, al menos, Zack Snyder está muy lejos de Queen y de King Crimson. Y si bien su faraónica Liga de la Justicia de Zack Snyder (Zack Snyder’s Justice League) corrige y mejora los yerros brutales que Joss Whedon introdujo en la versión cinematográfica estrenada en 2017, el resultado final de estas cuatro horitas largas no modificó mi sensación original sobre la cosmovisión declamativa, pomposa, pretenciosa, falsa, con ínfulas de trascendente existencialismo con que el director definió su paso por el Universo Cinematográfico de DC. Es su estilo, su sello personal. Lo acepto, lo respeto y le aplaudo su estoica coherencia. Pero no lo disfruto como espectador.


Hay cosas que, por partes, funcionan bien (y muy bien también), pero que no tienen ningún otro sentido que el de acumular metraje intrascendente para la trama que se está contando. Todos los agregados de Flash, Cyborg, Aquaman y el (posible) futuro Atom, por poner los ejemplos más notorios, sirven para introducir a los personajes que no habían alcanzado (en el momento de la producción original) sus propias películas, definiendo y consolidando sus características, dotarlos de peso específico propio y preparar el terreno para sus futuras aventuras en solitario. Pero ralentan de manera innecesaria el abordaje de la saga de Darkseid (mucho mejor resuelto que en la peli del 2017) y su apertura a futuras secuelas que, por lo que parece, no pasarán de la pesadillesca secuencia del Guasón y la referencia a la muerte de Batman patentada en el cómic Infinite Crisis.


Cuando era adolescente y los maxisimples ya estaban instalados, las bandas que no eran tan grossas como Queen y King Crimson, empezaron a ocupar el lado b del maxisimple con una versión corta de la versión larga que venía en el lado a. Una versión que era un pelín más corta que la “oficial” incluida en el long play. La llamaban, genéricamente, radio edit, porque estaban pensadas para optimizar el tiempo de emisión del corte en la radio, eliminando segundos de introducción y cierre musicales que, de todas maneras, iban a ser pisados por los locutores. Así, decían las discográficas, se potenciaba el impacto comercial de la obra en cuestión, manteniendo la integridad de la visión artística del supergrupo. A esta hipertrofiada Liga de la Justicia de Zack Snyder, creo yo, no le vendría nada mal una buena poda.
Fernando Ariel García
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