LA BITACORA DE MANECO

(Información de prensa) Comenzó el rodaje de Causalidad, una de las producciones pioneras en el periodo de post-cuarentena. Dirigida por Who, la película está protagonizada por Juana Viale, Laura Novoa, Pablo Mónaco, Esteban Bigliardi, María Soldi y Fabián Arenillas.

Cuando Claudia se presenta a una cita en un bar para conocer a Luis, que la contactó a través de Tinder, no se imagina lo que el destino le tiene preparado. Un secuestro que termina con una muerte inevitable. Una historia de venganza, suspenso, y giros sorprendentes, narrada en un único plano.

"Desde muy chico que me atraparon los thrillers -confiesa Who-. Estudié admirando a Alfred Hitchcock y mi director favorito es David Fincher, ambos genios en el suspenso. Luego de 10 años filmado comerciales de televisión, me destaqué filmando humor en cine publicitario. Es por ello que me decidí a que mi opera prima, Soy tu Karma, fuera una comedia de enredos, la cual filmé en 2016 y se estrenó en 2017 en 40 salas del país. Luego de esta gran experiencia, quiero contar esta historia y dedicarme a profundizar este género. Para ello estudié minuciosamente mis películas favoritas para poder desarrollar un thriller que atrape al espectador y que nos cuente una gran historia".

Causalidad está pensada en plano secuencia. No hay cortes intermedios. La cámara toma a los personajes que deambulan en este hospital, narrando una historia llena de suspenso e intriga. Se ensaya mucho previamente para, una vez en rodaje, conseguir la toma perfecta, donde todos entran a tiempo y nadie se equivoca. Es una coreografía, un baile sincronizado, donde se logra contar la película en un solo plano.

Esta técnica tiene muy pocos precedentes en la historia del cine. Esto hace que se encare un proyecto único y muy complejo. Al estilo 2", la serie protagonizada por Kiefer Sutherland, la historia transcurre en tiempo real y el plano secuencia es fundamental para darle realismo y vertiginosidad a esta cuenta regresiva por saber la verdad y descubrir una trama oscura.

Ayer lloramos con él. Hoy, lloramos por él. El mundo gráfico despide al 10 como se lo merece. A lo grande. Y con la emoción a flor de piel.

Daniel Paz

Rep

Alejandra Lunik

Alfredo Sábat

Crist

Diego Parés

Erlich

Liniers

Max Aguirre

El Niño Rodríguez

Pablo Bernasconi

Pablo Lobato

Rudy y Daniel Paz

Sebastián Dufour

Tute

Pati

Lorenzo Ruggiero

Marcos Vergara

Matías Bergara

Emi Utrera

Daniel Zezelj

María Alcobre

Makkox

David Squires

Jean Plantu

Ángel Boligán

El Tomi

Totem Extra Nº 15: Especial John Lennon. Autores: Andreas, André Barbe, Enki Bilal, Christian Binet, Michel Blanc-Dumont, François Boucq, Max Cabanes, Daniel Ceppi, Florence Cestac, Didier Comès, Cosey, Philippe Delan, Jean C. Denis, Gérard Dewamme, Alain Dister, Dominique Douay, Philippe Druillet, Michel Duveaux, Jacques Ferrandez, F'Murr, Régis Franc, Fred, Luis García, Jean-Pierre Gibrat, Daniel Goosens, Got, Dominique Grange, Peter Hammil, Laurence Harlé, Jacques de Loustal, Lucques, Milo Manara, Diego A. Manrique, Frank Margerin, Chantal Montellier, Gérald Poussin, François Rivière, Daniel Rodolphe, Jean-Claude Servais, Romain Slocombe, Benoît Sokal, Jean Solé, Jacques Tardi, Martin Veyron, Violeff, Philippe Vuillemin, Marc Wasterlain. Portada: Liz Bijl (no acreditada). Traductor: No acreditado. 110 páginas en blanco y negro. Editorial Nueva Frontera. España, sin fecha (presumiblemente, abril de 1981).

Bang. Bang. Bang. Bang. Bang. Cinco tañidos de muerte que tiñeron de rojo la calle frente a uno de los portones de acceso al mítico edificio Dakota, en el corazón de Manhattan, la noche del 8 de diciembre de 1980 en que se paró el mundo, atronado por la tragedia y el ritmo periodístico que le sobrevino.

Dominique Grange (guion) y Jacques Tardi (dibujos)

De esos cinco tiros, cuatro dieron de lleno en el cuerpo del mito destinado a trascender como un nuevo mártir incombustible, incorruptible. Hombro, tórax, pulmón y arteria subclava izquierda. Por esas heridas se desangró John Lennon. Y por esas heridas se desangró también el sueño de una generación que se había animado a formular las demandas de un activismo global pacifista, reivindicador de los derechos civiles, primerizo defensor de las causas feministas y ambientales.

André Barbe

Además del estupor iniciático, del espanto frente a la brutalidad del hecho consumado y absoluto de esa muerte inesperada y traicionera, lo que mejor retratan las páginas calientes de este Totem Extra en homenaje al Dios del rock, es la sensación de abrupta horfandad, de arrebatado futuro, de abismal incerteza, que cayó como un balde de hirviente plomo derretido sobre el corazón y las conciencias de millones de hombres buenos y millones de mujeres buenas, a lo largo y ancho del planeta.

Enki Bilal

A cargo de un dream team de la historieta adulta europea de ese entonces, la revista española (traducción casi íntegra del (A Suivre) Special John Lennon con algunos agregados provenientes del Nº 60 deMétal Hurlant, ambas publicadas en Francia en enero de 1981, a un mes del asesinato) rinde homenaje al Lennon artista, por supuesto, pero sobre todo exhibe sus respetos hacia los ideales que Lennon había venido encarnando para aquellos jóvenes revolucionarios e inconformistas que creían posible el cambio de rumbo de la historia.

Jean-Pierre Gibrat

Al mismo tiempo, el conglomerado de historias cortas deja entrever la incredulidad generalizada frente a la naturaleza del asesino. Quien se había cargado al profeta de la nueva religión no era la CIA ni ninguno de los imperios conocidos y esperables. No, se trataba de un psicótico depresivo, paranoico y esquizofrénico, con antecedentes violentos, lector obsesivo del evangelio rebelde escrito por J.D. Salinger, agobiado por una culpa existencial que terminó alimentándose de su fanatismo por Lennon y los Beatles. Más que una oveja negra descarriada, un auténtico feligrés que había caído en desgracia antes de causar la desgracia. En completo control de sus facultades mentales, tal como declararía en más de una ocasión el propio Mark David Chapman.

Milo Manara

De todas formas, lo único importante de estos cómics es que, leídos cuarenta años después, con sus más y con sus menos, todavía se animan a reivindicar esa utopía sin cielos ni infiernos, sin países ni religiones, sin posesiones ni codicia ni hambre, sin motivos para matar o morir, con un mundo unido viviendo en paz. El sueño trunco de un soñador que, por suerte, no es el único.

Fernando Ariel García

Mulán. Directora: Niki Caro. Protagonistas: Yifei Liu (Mulán), Donnie Yen (comandante Tung), Jason Scott Lee (Böri Khan), Yoson An (Chen Honghui), Gong Li (Xianniang), Jet Li (Emperador), Tzi Ma (Hua Zhou), Rosalind Chao (Hua Li), Xana Tang (Hua Xiu), Ron Yuan (sargento Qiang) y Jun Yu (Cricket), entre otros. Participación especial de Ming-Na Wen (voz original de Mulán en la versión animada). Guionistas: Rick Jaffa, Amanda Silver, Lauren Hynek y Elizabeth Martin, basado en la película animada Mulán (1998), inspirada en el relato folclórico chino La Balada de Mulán (siglo IV a. de C.). Temas musicales de cierre: Loyal Brave True / El mejor guerrero, interpretado en inglés y castellano por Christina Aguilera; y Reflection, interpretado en inglés por Christina Aguilera y en mandarín por Yifei Liu. Walt Disney Studios. EE.UU., 2020. Estreno en la Argentina: Disponible en Disney+ desde el 4 de diciembre de 2020.

Las voy viendo a medida que se van estrenando, y siempre termino haciéndome la misma pregunta. ¿Qué necesidad tiene Disney de volver a filmar sus clásicos animados bajo el “novedoso” formato de acción en vivo, con actores en lugar de dibujos? Me resisto a pensar que sólo por la plata baila el mono (el ratón, en este caso), porque la empresa del Tío Walt tiene muchísimos otros recursos para generarse las mismas (o mayores) ganancias. Quiero creer que hay una búsqueda creativa, alguna exigencia artística detrás de todo esto. Aunque la busque y no la encuentre por ningún lado.

Básicamente, esta Mulán (Mulan) cuenta la misma historia que el film animado de 1998, que adaptaba para el paladar masivo occidental las peripecias de Hua Mulán, heroína del milenario folclore chino. Una joven mujer que decidía hacerse pasar por un hombre, con la intención de ocupar el lugar de su padre ante un reclutamiento militar para la guerra. En esa época, una acción que, de descubrirse, sería considerada como un crimen de alta traición, castigado con la muerte inmediata para ella y el deshonor perpetuo para su familia.

Las principales diferencias entre ambas versiones Disney son, exclusivamente, formales. En el campo narrativo, abandonando el influjo estilístico de Akira Kurosawa, oriental balance entre el pathos shakespereano y la crítica social del neorrealismo italiano, para abrazar fervientemente el decálogo del moderno cine de acción firmado por Zhang Yimou, pródigo en coreografías que hacen de las artes marciales un efecto especial digno del mejor cine fantástico. O sea, un volantazo que va de los contenidos dramáticos hasta los continentes capaces de estimular los sentidos. Un poco se entiende, es cierto. Después de todo, Kurosawa era japonés y Yimou es chino. Y Mulán está demasiado pendiente del qué dirán.

Por eso el tratamiento de los puntos neurálgicos de la historia: el rol de la mujer y la identidad de género. En el tiempo real en que transcurre la acción, pero mirado desde el espacio simbólico que demanda la actual militancia globalizada. De ahí que todo se explicite hasta el hartazgo, que aquello expuesto por la casualidad ahora sea resultado de la decisión personal, que se hayan borrado de cuajo los recursos cómicos del film animado, basados en la explotación visual del travestismo y la tensión sexual entre dos personas del (aparente) mismo sexo. Y la constitución de Mulán como una heroína feminista del siglo XXI, implantada con fórceps en las dinastías chinas del siglo IV a.de C. Al extremo de eliminar su título de princesa Disney, entendiendo (y haciendo entender) que ninguna mujer necesita de un hombre al lado para abrazar el destino que cada una haya elegido para sí.

Todo bien. Todo más que bien. Ideológicamente, Mulán es un minucioso y logrado trabajo de equilibrio, adaptación y traslación conceptual. Pero cinematográficamente es de una chatura irremontable. Predecible y aburrida, carente de interés, poco convincente. Mujer empoderada mata princesa; y eso se aplaude. Pero la corrección política, al menos en este caso, mata al arte. Y eso se sufre.
Fernando Ariel García

La vida ante sí. Director: Edoardo Ponti. Protagonistas: Sophia Loren, Ibrahima Gueye, Abril Zamora, Renato Carpentieri, Babak Karimi y Massimiliano Rossi, entre otros. Guionistas: Ugo Chiti y Edoardo Ponti, basado en la novela La vie devant soi (1975) de Romain Gary (bajo el seudónimo de Émile Ajar). Tema musical de cierre:Io sì / Seen / Yo sí / Eu sim / Moi si, interpretado en italiano, inglés, castellano, portugués y francés por Laura Pausini. Palomar. Italia / EE.UU., 2020. Estreno en la Argentina: Disponible en Netflix desde el 13 de noviembre de 2020.

Sophia Loren, revalidando por millonésima vez su status de icono cinematográfico. Ibrahima Gueye, actor debutante que se planta de igual a igual frente al icono. Las dos principales razones que elevan este melodrama bastante previsible a la categoría de trascendental obra artística. Lo de ambos es superlativo, de contenida introspección cuando corresponde, de explosiva expansión cuando se hace imprescindible. Lo que en otros sería terreno baldío, aquí es fértil sustrato para el tránsito de las emociones. Bravo. Bravísimo.

Adaptación de la homónima novela que ya fuera llevada al cine en 1977 con Simone Signoret en el papel principal, La vida ante sí (La vita davanti a sé / The Life Ahead) echa luz sobre la relación forjada, a la fuerza, entre una ex prostituta sobreviviente de Auschwitz y un preadolescente senegalés, huérfano de padres y de posibilidades. La primera tiene toda su vida por detrás, signada por los traumas que dejaron las heridas que no paran de sangrar. El segundo tiene toda su vida por delante; y llega a la casa de Madame Rosa (Sophia Loren) justo en el momento en que debe decidir qué camino tomar.

El dilema es claro y conciso. Momo (Ibrahima Gueye) puede optar entre una vida de trabajo dura y sacrificada, tal vez algo opaca y gris, con carencias garantizadas y algún destello de felicidad. O elegir la vía rápida que ofrece el narcomenudeo callejero, con plata fácil, acceso a cierto nivel social y placenteros espejismos. La decisión, cantada desde el principio, sobrevendrá como resultado de la evolución que transformará a Rosa y a Momo. De la violencia inicial al ineludible compromiso afectivo, el lazo económico devendrá filial, permitiendo la aparición y posterior consolidación de algo que ya parecía perdido en la condenada existencia de ambos: el amor.

El guion de Ugo Chiti y el director Edoardo Ponti (hijo de Carlo Ponti y Sophia Loren), traslada tiempo y locaciones del original, de un municipio parisino en los ’70 a la ciudad portuaria italiana de Bari, en la actualidad. También cambia las nacionalidades de los protagonistas, francesa y árabe, a italiana y senegalés, pero mantiene los nudos existencialistas que sostienen el relato: la orfandad, la vejez, la enfermedad, la muerte, la discriminación, los racismos surgidos de las cenizas del Holocausto, la precariedad social que pareciera definir las oportunidades de las minorías étnicas en tiempos de grandes migraciones forzadas. Y el resguardo que sigue brindando la empatía de los pares, la solidaridad de esos nadies que podemos ser nosotros.

Fernando Ariel García

Buñuel en el laberinto de las tortugas. Director: Salvador Simó. Protagonistas: Jorge Usón (Luis Buñuel), Fernando Ramos (Ramón Acín), Luis Enrique de Tomás (Pierre Unik) y Cyril Corral (Eli Lotar), entre otros. Guionistas: Eligio R. Montero y Salvador Simó, basado en la homónima novela gráfica (2008) de Fermín Solís. Sygnatia / Glow / Hampa Studio. España, 2018. Sin estreno comercial en la Argentina, proyectada dentro de los ciclos XVII Encuentro de Cine Europeo (2020) y Espanoramas 2020.

Convertir las contradicciones de los sueños y la realidad en una realidad absoluta, una súper realidad. Según el escritor y teórico André Breton, fundador y uno de los principales exponentes del surrealismo, ésta era la razón de ser del movimiento artístico-filosófico que irradió su influencia mundial desde el centro de la ciudad luz. Priorizando el fluir de la conciencia como energía creativa capaz de generar imágenes desconcertantes y textos escindidos de todo pensamiento lógico, los verdaderos surrealistas debían hacer lo suyo evitando la mediación de la razón, concepto estético o precepto moral.

Estamos en 1930, en París, justo cuando Luis Buñuel (1900-1983) estrena La edad de oro, film que escandalizó por igual a las autoridades francesas y a la Iglesia católica. Las primeras decidieron prohibir la exhibición de la película luego de que un grupo de ultraderecha destruyera el cine que la estaba proyectando. Y la segunda impuso un fuerte voto de censura sobre el cineasta, que vio aniquiladas sus futuras posibilidades laborales a ambos lados del Atlántico.

Cuando arranca Buñuel en el laberinto de las tortugas (adaptación del homónimo cómic de Fermín Solís), el director de cine se encuentra en la encrucijada definitoria de su vida y de su arte. Con mucho para decir y sin nada por hacer, salvo observar cómo su rol tutelar dentro del movimiento surrealista se hunde bajo el peso específico de su ex amigo y colaborador Salvador Dalí. La salida, como en todo laberinto, vendrá por arriba. La filmación de un documental antropológico, financiado por su amigo Ramón Acín: Las Hurdes, tierra sin pan, sobre esa carenciada región montañosa de Extremadura (España), tan alejada de todo y tan abandonada por todos que sus habitantes no conocían el pan.

Punto de inflexión en (y para) Buñuel, el mes de dificultoso rodaje lo llevó a entender que no hay nada más surrealista que la realidad invisibilizada. Y le permitió elevar al surrealismo al estado de una poética más cruda, más visceral, más salvaje y más violenta. Capaz de romper los límites a la hora de cuestionar los valores convencionales y derrocar las tradiciones hegemónicas, desde el clero a la aristocracia, pasando por las normas de conducta y de educación arraigadas en los cuerpos y las mentes de los ciudadanos. Aunque en el camino tuviera que dejar de documentar los hechos y empezara a provocarlos para poder tomar registro. Una puesta en escena brutal (amoral, por momentos) que, además de cubrir las necesidades discursivas del relato, exhibía la realidad de manera más real que la propia realidad. Como una realidad absoluta, una súper realidad.

Además de traducir los preceptos surrealistas en secuencias animadas de honda belleza, el film de Salvador Simó toma como propio el método de trabajo de Buñuel y lo pone en valor. Así como Buñuel intervino la realidad que veía para generar un artefacto narrativo que expandiera la comprensión del choque cultural entre los espectadores y los habitantes de Las Hurdes, Fermín Solís intervino la personalidad de Buñuel para generar una novela gráfica que mostrara el proceso interno del cineasta como un camino lineal que lo llevó de un punto a otro, exorcizando sus demonios interiores en el mientras tanto. Y del mismo modo, Simó intervino el Buñuel de Solís para contarnos la construcción del Buñuel ideal más parecido al de verdad. Aquel que en las tierras olvidadas por el Señor y abandonadas por los hombres, entendió que el surrealismo debía ser social. O no ser nada.

Fernando Ariel García

Dos héroes. Dos universos. Un portal abierto entre Darkwood y Ciudad Central. Algo atrasado por la pandemia, y continuando los cruces abiertos con Batman y Dylan Dog, DC Comics y Sergio Bonelli Editore presentaron en Italia el segundo encuentro entre los personajes de ambas escuderías. Desde el 10 de diciembre, The Flash & Zagor: La scure e il fulmine se consigue sólo en librerías especializadas italianas y por venta online; y queda por ver qué pasará con la edición estadounidense de la (por ahora), propuesta trilogía que culminaría el año que viene con Nathan Never & Justice League.

Con guion de Giovanni Massi y Mauro Uzzeo, dibujos de Davide Gianfelice y colores de Luca Saponti, el cómic se distribuyó con dos portadas interconectadas, a cargo de Carmine Di Giandomenico, que homenajea y recrea la tapa de The Flash 123, aquella clásica imagen del Flash de dos mundos inmortalizada por Carmine Infantino. Hasta donde se sabe, un niño velocista aparece en el bosque de Darkwood, hogar de Zagor, poniendo en riesgo el destino de dos universos, preanunciando el fin de toda realidad.

"Dos héroes son los protagonistas de El hacha y el rayo -adelanta la nota de prensa-. Dos héroes con un gran corazón y una valentía infinita, que durante más de sesenta años han entretenido a lectores de todas las edades con historias llenas de giros imprevistos, dibujos impresionantes y misterios increíbles. Y aunque sus mundos, aparentemente, puedan parecer lejanos, Zagor y Flash han encarnado, quizás más que cualquier otro personaje de sus respectivas editoriales, la Aventura con A mayúscula".

(Información de prensa) Te veré en el camino. Nomadland (EE.UU., 2020) se estrenará en la Argentina el 25 de marzo de 2021, según afirma la gacetilla de prensa de Disney. El film de Chloé Zhao está protagonizado por Frances McDormand, David Strathairn, Linda May y Swankie.

Basada en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century, de Jessica Bruder, la película ganó el León de Oro a la Mejor Película en la última edición del Festival de Cine de Venecia.

Después del colapso económico de una colonia industrial en una zona rural de Nevada, Fern (Frances McDormand) junta sus cosas en una van y emprende un viaje de exploración por carretera, fuera de la sociedad convencional y como una nómada de la era moderna.

Nomadland, tercera película de Chloé Zhao (directora de la próxima The Eternals de Marvel) presenta a nómadas reales como Linda May, Swankie y Bob Wells, como mentores y camaradas de Fern en su viaje de exploración a lo largo del vasto paisaje del oeste estadounidense.

(Información de prensa) Un documental sobre las heridas que dejó la guerra. Buenas noches Malvinas (Argentina, 2020) se estrena el 31 de diciembre en Cine.Ar. Al día siguiente estará disponible también en Cine.Ar Play. La película de Ana Fraile y Lucas Scavino pone sobre la mesa las distintas formas de hacer frente a lo traumático y las cicatrices físicas y psicológicas que persisten a casi 40 años del conflicto bélico.

En abril de 1982, Dalmiro Bustos y Elena Noseda enfrentan uno de los momentos más difíciles de sus vidas, cuando su hijo mayor, Fabián, es enviado a combatir a las Islas, junto a cientos de soldados conscriptos. A casi cuarenta años de los hechos, Dalmiro, Elena y sus dos hijos menores, Javier y María Elena, cuentan lo que no pudieron decir entonces, en un intento de ir tras las huellas de Fabián y poner en palabras las angustias y los dolores que aún permanecen.

"El pasado en el presente -aseguran los directores-. Conocimos a la familia Bustos en 2011 y recorrimos varios años acercándonos a su historia, a su dolor y también a sus estrategias de supervivencia. Dalmiro, Elena, Javier y María Elena compartieron con nosotros experiencias de su vida durante la guerra y Fabián compartió los rastros de la guerra en su cuerpo y en sus escritos. Elegimos tres formas de contar esos testimonios, emocionar y transformar al espectador: el viaje a las islas Malvinas, las entrevistas y el teatro espontáneo".

Según Fraile y Scavino, "el viaje a Malvinas fue ir a la búsqueda de Fabián a través de las imágenes de su libro y, a la vez, del viaje de Javier tras las huellas de su hermano: imágenes del presente que retratan el pasado de la guerra. Las entrevistas nos brindaron el testimonio de la familia en palabras, en primera persona. Finalmente, el teatro espontáneo abrió una caja de Pandora a través de los actores que representaron. Así conocimos la angustia de quienes contaban su dolor por primera vez y, al mismo tiempo, trataban de elaborarlo".

En la coincidencia de días, actividades y sentimientos, los realizadores encontraron "una forma de hilvanar cada historia para abordar las heridas presentes en el cuerpo y el espíritu de los sobrevivientes. De ese modo, abrimos una instancia de reflexión sobre las distintas formas de hacer frente a lo traumático y cómo sobrellevar las cicatrices silenciosas que trabajan en el inconsciente colectivo".

La plasticidad del documental les permitió "articular la representación, el testimonio y la observación en una película sobre la guerra, en el marco de la dictadura más sangrienta de la historia argentina en el siglo XX. A casi cuarenta años de los hechos rescatamos las experiencias invisibles de aquellos que transitaron la guerra a la distancia. Encontramos las heridas que viven en la sociedad de manera silenciosa y dolorosa. Con esta historia queremos hablar de ese dolor y también proponer una posibilidad de reparación".

(Información de prensa) Acaba de finalizar el rodaje de Existir, la nueva película de ciencia-ficción y aventuras de Gabriel Grieco (Naturaleza Muerta, Hipersomnia, Respira), protagonizada por Vanesa González, Victorio D’Alessandro, Sofía Gala Castiglione y Gabriel Grieco, junto a un gran elenco integrado por Luis Machín, Fabiana Cantilo, Kate Rodríguez, Ezequiel de Almedia, Lola Morán, Santiago Stieben, Nicolás Zuviría, Daria Panchenko, Leila Lucianitch, Chucho Fernández, Nestor Sánchez, entre otros.

Una pareja guiada por un hacker perverso es llevada en la búsqueda de Lautaro, su amigo desaparecido unos años atrás. Lautaro siempre fue un curioso de la vida en otros planetas y nunca dudó de participar de cuanto grupo encontrase para saciar sus dudas.

Lola (Vanesa González) y Renzo (Victorio D'Alessandro), parten a una aventura que los cruzará con las personas más inesperadas en un viaje que puede ser un espiral hacia la locura o hacia la increíble revelación final que pondrá a prueba sus creencias.

La filmación que comenzó en noviembre de 2019 en distintas locaciones: Francia (París), China (Shangai) y la Argentina (Mar Azul, Patagonia, Cachi y Buenos Aires) y que tuvo que detenerse debido a la pandemia, finalmente pudo reanudarse bajo estrictos protocolos sanitarios para grabar sus últimas escenas en Salta.

Producida por Daniel de la Vega y Néstor Sánchez Sotelo, Existirse basa en mitos y leyendas argentinas: historias sobre avistamientos de ovnis en Salta (Cachi) y el cerro Uritorco en Córdoba (Valle de Punilla), entre otros lugares de la Argentina.

Existir, a estrenarse durante 2021, salió de la selección oficial en competencia de proyectos WORK IN PROGRESS del 32 Festival de Cine de Mar del Plata.

Loco Rabia anunció la salida de La pandemia de mi vida, el nuevo libro de Ernán Cirianni. Un libro libre de COVID-19 para recordarnos cómo pasamos este año que no olvidaremos nunca. Con humor, como corresponde.

"La línea que traza en cada historieta es el electrocardiograma donde se sincroniza un corazón en pánico y en desparpajo -escribió Diego Trerotola en el prólogo-. No debe haber dibujo en la era Covid-19 que exprese tan bien al mismo tiempo la desesperación y la risa, el desastre y lo festivo: en esta historieta hay toda una dimensión emocional ondulante, que atraviesa cientos de días pandémicos como un rayo para fulminar toda solemnidad, todo eso que puede realmente matarnos".

"El colmo de la paradoja es que ya la tira cómica de Cirianni sobre la pandemia se volvió viral, tanto que ahora se extiende al libro desde las redes sociales donde originalmente se publicaba", termina Trerotola.

Loco Rabia anunció la salida de El hombre de los pájaros, nuevo libro de Walter Lamas y Darío Oliva.

Juan Cruz es un hombre enfermo y lo sabe, pero también sabe que la salvación puede tener muchas formas. La redención, sin embargo, no va siempre de la mano de la felicidad.

El hombre de los pájaros es una historia de vidas agridulces, que tratan a su manera, de alcanzar su misión en esta vida.

El dolor, el sufrimiento, como cruces gigantes que pesan sobre nuestros hombros y nos llevan hasta el límite de la razón y el abismo de la perdición. Pero también, nos abren puertas hacia la esperanza.

Fragilidad, el nuevo libro de Alejandro Farías, pertenece a la colección Renglones de Loco Rabia; y además de cuentos y poesías, se apoya en la historieta y la música.

Fragilidad. Cualidad real e imaginaria en las personas. Los sensibles, como los amantes, los despechados, o incluso los que aún viven en la ilusión, se rompen tras sufrir acusadas deformaciones. La fragilidad está relacionada con la velocidad de propagación o crecimiento de grietas a través de su corazón. Esto significa un alto riesgo de fractura súbita una vez sometidos a esfuerzos amorosos continuos. Por el contrario, las personas insensibles son aquellas capaces de frenar el avance de las grietas, lo que no asegura que no se quiebren de maneras menos obvias e inconmensurables (extracto de la Enciclopedia Universal del Desconocimiento Humano).

Ganador de la Beca a la creación del Fondo Municipal de las Artes de Vicente López 2019, cuenta con la ilustración de tapa de Tiana Pollero, los dibujos de Marcos Vergara y una banda sonora cuyos temas musicales (accesibles desde el QR de la contratapa) ejecutó Club Vietnam, integrado por Facundo di Stéfano (música y programaciones), Nicolás Wio (voz) y Guadalupe Varela (voz), Marco Salanoue (mezcla y mastering), con letras del propio Farías.

(Información de prensa) Cuando los vivos duermen, el bosque se despierta. Chuva é cantoria na aldeia dos mortos (Brasil / Portugal, 2018) se estrena el 24 de diciembre en la web de Puentes de Cine. Dirigida por João Salaviza y Renée Nader Messora, la película está protagonizada por Henrique Ihjãc Krahô y Raene Kôtô Krahô.

Es de noche y reina la calma en el bosque que rodea el pueblo. Ihjãc, un joven indígena Krahô que vive en el norte de Brasil, tiene pesadillas desde que perdió a su padre. Camina en la oscuridad, su cuerpo sudoroso se mueve con cautela.

Cuando se escucha una canción distante a través de las palmeras, es la voz de su padre desaparecido que llama a su hijo desde la cascada, pues ha llegado el momento de organizar la ceremonia fúnebre que concluye el duelo y permite que su espíritu llegue al pueblo de los muertos.

Dijo la prensa internacional

Jay Weissberg (Variety): Admirable y fascinante retrato ficcionalizado de los Krahô.

M. Torreiro (Fotogramas): Va más allá de su anécdota para construir un discurso sobre las dificultades que entraña hoy la condición del nativo en la sociedad brasileña, al tiempo que borda un sobresaliente trabajo etnográfico de campo.

Paula Arantzazu Ruiz (Cinemanía): Bellísimo relato de iniciación, filmado en un meticuloso 16mm que huye del preciosismo de postal, es una invitación a la empatía desde una posición honesta, sin artificios ni imposturas.

Bénédicte Prot (Cineuropa): Un film con gran poesía visual y un equilibrio impecable entre drama e intriga.

Cómo ver Chuva é cantoria na aldeia dos mortos:

A partir del jueves 24 de diciembre de 2020, ingresando a la "Sala de Cine Virtual", dentro de la web de Puentes de Cine. Primero en el Home del Cine Virtual, clickeando en el film; y luego en ver película. El espectador debe registrarse con su usuario de la plataforma. El pago de la entrada de $ 160 y se hace vía Mercado Pago, tarjeta de débito o crédito. La entrada tiene una duración de 24 horas.

HGO (Nueva Era) Nº 1. Autores: Quique Alcatena, Felipe Ricardo Ávila, Emilio Balcarce, Luis Baldino, Claudio Bressan, Chelo Candia, Luis Alberto Del Popolo, Pablo S. Fernández, Tomás Francisco, Alejandro Fried, Cata García, Jok, Lea Comix, Beto Lorenzo, José Massaroli, Mario Milocco, Jorge Morhain, Héctor Germán Oesterheld, Pablo N. Pereyra, Rams (Raúl Martínez), Ezequiel Rosingana, Carlos Scherpaz (Oenlao), César Antonio Vidal. Portadista:Jok. Director: César Antonio Vidal. Arte: Pablo Muñoz. 94 páginas en color y en blanco y negro. MasterComic’s Producciones. Argentina, septiembre de 2020.

Treinta y tres años después de su aparición en soporte papel, HGO, el clásico fanzine de los ’80, volvió en formato digital. Con materiales producidos entre el 2014 y el 2020, casi todos ellos inéditos (o eso creo), compilando historietas cortas, artículos autorreferenciales, la recuperación de una entrevista al Viejo Breccia publicada en la andanada original del título y la reivindicación del legado de Héctor Germán Oesterheld (HGO, de ahí su nombre) como estandarte.

Malvinas en clave futurista. Guion de Emilio Balcarce y dibujos de Felipe Ricardo Ávila

Temáticamente, la impronta que rige la publicación es el estilo Columba, aggiornado por los aportes de Skorpio y Fierro. Historietas cortas de género, narrativa clásica y, en la mayoría, golpes de efecto finales que buscan un cierre tan efectivo como efectista. En estado puro o con diversos niveles de hibridación, el deporte, la crítica política, la ciencia-ficción, los escenarios bélicos, el humor, el terror y los superhéroes dicen presente, aunque el marco contenedor pueda definirse claramente como el de la Aventura.

Chelo Candia, inspirado en la poética de Eduardo Galeano

Hay de todo, como en botica y como en una antología que se precie de tal. A nivel contenidos y a nivel cualitativo de esos contenidos. Algunas páginas son reivindicatorias del orgullo nacional, otras laudatorias de las gestas argentinas (Malvinas). También aparece cierta valiosa reafirmación latinoamericanista. Están los errores ortográficos que forman parte del histórico folklore fanzinero, pero que hoy ya no deberían estar. Y dos choques simbólicos bastante importantes, que licúan un poco la identidad que construye la revista. En lo macro, el péndulo conceptual que va del cómic discursivo al cómic narrativo. En lo micro, la contradictoria convivencia entre ochentosas posturas machistas con las actuales luchas feministas por la legalización del aborto y el castigo a los femicidas.

Feminismo y superhéroes, de la mano de Cata García

HGOhace gala del espíritu alternativo que la vio nacer. Pero no pareciera reconocer el cambio que el paso del tiempo operó sobre esa perspectiva. Porque aquello que alguna vez fue nuevo hoy ya no lo es; y aquello que alguna vez fue disruptivo hoy es sólo una postura establecida, estancada en los pozos de un territorio demasiado transitado. Que el material más moderno que pueda ofrecer el ejemplar sea la recreación de un viejo episodio del Ernie Pike de Oesterheld, es más que una paradoja. Es una declaración de principios.

Ernie Pike. Un viejo guión de Oesterheld con nuevos dibujos de Ezequiel Rosingana

Dicho todo esto, puede sonar raro que la lectura del nuevo HGO me haya resultado tan placentera como en verdad lo fue. Supongo que por una cuestión de nostalgia personal. O por la capacidad de la revista de transformar el pecado en virtud ante los ojos de un cincuentón que hizo, leyó, coleccionó y admiró los fanzines de aquella mítica movida irrepetible. Lo que sea que haya sido, funcionó. La máquina del tiempo fue efectiva. Por un momento, volví a los ’80, a mis felices ‘80. Y aunque está bueno volver, no está bueno quedarse en el pasado.

Fernando Ariel García

(Información de prensa) Déjalo ser. El documental The Beatles: Get Back (EE.UU., 2021), realizado por el cineasta Peter El Señor de los Anillos Jackson, se estrenará en la Argentina el 26 de agosto de 2021.

The Beatles: Get Back, de The Walt Disney Studios, es una gran experiencia cinematográfica que introduce a los espectadores en la intimidad de las sesiones de grabación de Los Beatles durante un momento central en la historia de la música, mientras se muestra el afecto, la camaradería y el genio creativo que definió el legado del icónico grupo.

Rodado en 1969, Get Back está compilado a partir de más de 60 horas de material inédito (grabadas por Michael Lindsay-Hogg) y más de 150 horas de grabaciones de audio mayormente desconocidas, que han sido restauradas de un modo brillante.

El documental refleja la historia de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr mientras planean su primer show en vivo después de dos años y trazan la escritura y el ensayo de 14 nuevas canciones, originalmente pensadas para su lanzamiento en un álbum en vivo.

La película presenta, por primera vez en su totalidad, la última presentación en vivo de Los Beatles como grupo, el inolvidable concierto en la azotea de la calle Savile Row de Londres, así como otras canciones y composiciones clásicas que aparecen en los dos últimos álbumes de la banda, Abbey Road y Let It Be.

(Información de prensa) La música es en lo único que piensa. Soul (EE.UU., 2020), la nueva película animada de Disney - Pixar, se estrena en la Argentina el 25 de diciembre, en la plataforma Disney+.

Dirigido por Pete Docter y co-dirigido por Kemp Powers, el film cuenta con los talentos vocales de Jamie Foxx, Tina Fey, Questlove, Phylicia Rashad, Daveed Diggs y Angela Bassett, entre otras figuras, en su versión original en inglés.

¿Alguna vez te has preguntado acerca del origen de tus sueños, intereses y pasiones? ¿Qué es aquello que te hace único? Soul viaja desde las calles de Nueva York hasta los reinos cósmicos para encontrar las respuestas a los interrogantes más importantes de nuestras vidas.

Joe Gardner (Jamie Foxx), profesor de música en una escuela secundaria, ha soñado durante mucho tiempo con tocar jazz en un escenario, frente al público. Al fin, cuando se le presenta la oportunidad de impresionar a otros músicos durante un acto de apertura en el Half Note Club, un accidente causa que el alma de Gardner se separe de su cuerpo y comience a avanzar hacia el Gran Más Allá.

Contra todo pronóstico, Gardner logra escapar hasta el Gran Antes, un mundo donde las almas desarrollan sus personalidades y rasgos identitarios, antes de ser enviadas a la Tierra.

Allí, Gardner conocerá a otras almas en entrenamiento, como 22 (Tina Fey), que tiene una visión poco clara del concepto de la vida. Juntos, deberán ponerse a trabajar si es que quieren que el alma de Gardner pueda regresar a la Tierra antes de que su cuerpo muera.

DC Comics Presents Nº 67. Guionista: Len Wein, en base a un argumento de Len Wein y E. Nelson Bridwell. Dibujante: Curt Swan. Entintador: Murphy Anderson. Letrista: Ben Oda. Colorista: Gene D’Angelo. Portadista: José Luis García López. Editor: Julius Schwartz. 32 páginas en color. DC Comics. EE.UU., diciembre de 1983 (fecha de tapa: marzo de 1984).

Desde que tengo uso de razón, los cómics superheroicos de DC y Marvel se tomaban una revista anual, por lo menos, para presentar una aventura de entornos y contenidos navideños. Sin renunciar a la acción y la fantasía, pero apuntada principalmente a la afirmación de los valores humanitarios que solemos cargarle a esa fecha tan especial. Casi siempre, con un exceso de sensiblería que, en otro contexto, sería realmente insoportable.

Para las navidades de 1983, DC fue un poco más allá de lo que venía haciendo habitualmente; y decidió juntar a dos de los iconos más importantes de la globalizada cultura estadounidense: Superman, el paladín que encarna la Verdad y la Justicia (o, al menos, sus conceptos de Verdad y Justicia) y el Papá Noel que el mundo entero reconoce como Santa Claus, sobre todo después de la apropiación realizada a partir de 1931 por Coca-Cola para sus campañas publicitarias: Ese humanizado gordo de profusa barba blanca, vestido de rojo y blanco, encarnación perfecta de la esencia adorable, generosa y familiar que define al espíritu navideño.

La excusa para unirlos es tan sencilla como justificada. Toyman, uno de los archienemigos menos importantes del Hombre de Acero, ha manipulado unos juguetes para convertirlos en armas mortales. Y Superman, víctima de uno de ellos, termina siendo rescatado en el Polo Norte por el propio Santa Claus. Al principio, hay una lucha de egos entre los dos titanes, principalmente por ver quién es más noble y poderoso. Pero como entre bueyes no hay cornadas, al final los dos terminan poniendo entre rejas al criminal y entregando los regalos a los chicos que se portaron bien. Una pavada que, gracias al imbatible arte del tándem Swanderson (al menos para mí, que crecí leyéndolos), se expande ante los ojos del lector como el cuento de hadas perfecto.

En realidad, el cómic se trata de inculcar valores en las cabecitas de los niños. Por ello, mientras lidian con el villano, Superman y Santa Claus cumplen con su más importante misión: lograr que el joven Timmy Dickens (obvia alusión a Charles Dickens, autor del celebérrimo Cuento de Navidad) recupere la esperanza y vuelva a creer en el milagro de cada fin de año. Y, principalmente, en la capacidad de la buena voluntad humana como camino para alcanzar la paz en el mundo. Que de eso se trata la navidad, no? Felices fiestas para todos.

Fernando Ariel García

La Bitácora de Maneco les desea

Felices Fiestas Merry Christmas Buon Natale Joyeux Noël Feliz Natal

Ilustración de Geri para la portada de la revista portuguesa Tintin,
publicada el 25 de diciembre de 1971

Mujer Maravilla. Directora: Patty Jenkins. Protagonistas: Gal Gadot (Diana / Mujer Maravilla), Chris Pine (capitán Steve Trevor), Robin Wright (Antiope), Connie Nielsen (reina Hippolyta), David Thewlis (Sir Patrick Morgan / Ares), Danny Huston (Erich Ludendorff), Elena Anaya (Dra. Isabel Maru / Doctora Veneno), Lucy Davis (Etta) y Lisa Loven Kongsli (Menalippe), entre otros. Cameo de Zack Snyder. Guionistas: Allan Heinberg, sobre un argumento de Zack Snyder, Allan Heinberg y Jason Fuchs, basado en personajes y situaciones de los cómics creados y desarrollados por William Moulton Marston, H.G. Peter, George Pérez, Ross Andru, Phil Jimenez, Brian Azzarello, Cliff Chiang, Mike Deodato Jr., Len Wein y Greg Rucka, entre otros, para DC Comics. Productores: Deborah Snyder y Zack Snyder. Productor ejecutivo: Geoff Johns. Warner Bros. / RatPac - Dune Entertainment / Tencent Pictures / Wanda Pictures / Atlas Entertainment / Cruel and Unusual. EE.UU., 2017. Estreno en la Argentina: 1° de junio de 2017. Disponible en Netflix.

Hay un par de cosas que la película de Patty Jenkins tiene muy en claro. Y eso, por supuesto, habla bien de Mujer Maravilla (Wonder Woman). En primer lugar, la decisión de alejarse todo lo humanamente posible de la Mujer Maravilla de Lynda Carter (aunque se le agradezca vaya uno a saber qué en los títulos finales). Aquí, la heroína interpretada por Gal Gadot es una mujer empoderada por su naturaleza femenina, sin importar la fortaleza que le sumen sus superpoderes y armamentos especiales. Se la ve contemporáneamente plantada en lo que hace a las cuestiones de género; y tan noble, empática y compasiva como lo requiere el símbolo que va a representar. El choque cultural al que quedará expuesta tras abandonar el hogar de las Amazonas, la escondida isla de Themyscira, le permitirá lucir su inocencia naif en algunos pasos de comedia ligera, capaces de humanizar su absoluta condición de guerrera prodigiosa y letal.

En segundo lugar, la decisión de alejarse todo lo humanamente posible de la solemnidad oscura, pomposa y hueca que Zack Snyder (productor, guionista y actor en un minúsculo cameo) imprimió a fuego sobre el Universo Cinematográfico de DC. Aun siendo lo pretencioso que es, el film de Jenkins se toma las cosas de manera más lúdica, liviana y entretenida, tratando de jugar el juego bajo las normas identitarias que Marvel impuso sobre la mesa. No le va tan mal, es cierto, pero tampoco le va tan bien. El hecho de abordar el origen del personaje como lo que realmente es, una fusión entre los géneros superheroico y bélico, encabezado por una protagonista vestida en una armadura que remite a la bandera de los EE.UU. y portando un escudo, lo pone en rumbo de colisión directa con Capitán América: El primer Vengador. ¿Evitar la acusación directa de plagio habrá motivado el cambio de escenario histórico, moviendo el entorno original de la Segunda Guerra mundial hasta los años de la Primera?

Disparada por un acontecimiento colateral de Batman vs. Superman: El origen de la Justicia, la pirotécnica aventura recupera y reconstruye algunos elementos de las distinta etapas del cómic, mientras despliega un largo flashback que revela la misión pacifista de la Mujer Maravilla en el pasado, el presente y el futuro. Como si sólo las mujeres fueran capaces de cambiar el mundo desde la fuerza del amor, Jenkins y Gadot instalan a Diana como luminoso faro guía para la humanidad. Idealista (e idealizada) representación del liderazgo femenino que requiere una sociedad igualitaria capaz de superar el lastre de la violenta cultura paternalista. Una lógica voluntariosa que no siempre funciona fuera de la pantalla.

Fernando Ariel García

EMPEZÓ EL RODAJE DE "CAUSALIDAD", CON JUANA VIALE Y LAURA NOVOA

IN MEMORIAM: D10S (1960-2020)

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"NOMADLAND" SE ESTRENARÁ EN LA ARGENTINA EL 25 DE MARZO DE 2021

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FINALIZÓ EL RODAJE DE "EXISTIR", FILM DE CIENCIA-FICCIÓN CON SOFÍA GALA CASTIGLIONE Y LUIS MACHÍN

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LA "FRAGILIDAD" DE ALEJANDRO FARÍAS

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HGO (NUEVA ERA) Nº 1: LA MÁQUINA DEL TIEMPO

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¡FELIZ NAVIDAD!

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