LA BITACORA DE MANECO

(Información de prensa) El próximo marzo, Top Shelf Productions y Knockabout editarán Nemo: The Roses of Berlin, novela gráfica de 56 páginas a todo color, a cargo de Alan Moore y Kevin O’Neill, nueva prolongación de la saga de la Liga de los Caballeros Extraordinarios.

Dieciséis años atrás, la notoria científica-bandolera Janni Nemo viajó hasta los confines helados de la Antártida para resolver el pesado legado de su padre en una frenética tormenta de locura y desamparo, logrando escapar (a penas) con su Nautilius y su vida.

Ahora nos encontramos en 1941; y con su hija estratégicamente casada con un miembro de la familia del Señor de la Guerra Áerea, Jean Robur; los secuaces de Janni mantienen sólo un limitado contacto con el poder militar del payasesco dictador germano-tomaniano Adenoid Hynkel. Pero cuando la reina pirata se entera de que los suyos están siendo retenidos como rehenes en la terrorífica Berlín, no le queda otra alternativa que intervenir directamente, viajando con su envejecido amante Broad Arrow Jack al vientre de la bestial metrópolis.

Dentro de la alienada ciudad le esperan monstruos, criminales y leyendas, incluyendo los restos del notorio grupo “Crepúsculo de los Héroes”, contraparte teutona y oscura de la Liga de los Caballeros Extraordinarios de Mina Murray. Y no sabe que algo peor, mucho peor, la aguarda al otro lado de esta alarmante alianza de adversarios.

Continuando el emocionante sendero iniciado con Heart of Ice, Alan Moore y Kevin O’Neill siguen alborotando la cultura popular del siglo XX con una nueva y electrizante aventura, ambientada en una ciudad de sombras totalitarias y pesadillas mecánicas. En el transcurso de esta explosiva colisión de cuatro inolvidables mujeres, chocarán las culturas y se perderán vidas por los negros y sangrientos callejones donde florecen las rosas de Berlín.

Lucha Peluche 2: ¡Tensa calma! Autor: El Niño Rodríguez. Portada: El Niño Rodríguez. 96 páginas a todo color. Ediciones de la Flor. ISBN: 978-950-515-998-7. Argentina, septiembre de 2013.

Por lo general, las tiras diarias y el humor gráfico que habitan los diarios y las revistas políticas, suelen estar parados sobre la coyuntura local e internacional que abordan las diferentes publicaciones. Y esto responde a una lógica comunicacional, tan acertada o desacertada como cualquier otra, que entiende al material humorístico como continuidad de los contenidos periodísticos de los medios. Por fuera de esta regla, Lucha Peluche marcó (y sigue marcando) un saludable y necesario punto y aparte en la manera de abordar la actualidad. Es que la tira que El Niño Rodríguez realizó para el desaparecido diario Crítica de la Argentina (este segundo tomo compila las aparecidas entre noviembre de 2008 y marzo de 2009), si bien se mostró siempre muy atenta a lo que estaba pasando en esos momentos, nunca se quedó en la cobertura satírica del caso puntual.

Asumido como un espacio de exposición y reflexión tan ácido como inteligente, arremetió contra los móviles impúdicos, las características identitarias tras los fenómenos políticos/sociales/culturales que conforman y definen la realidad que se expresa mediante coyunturas determinadas. En pocas palabras, desnudó la universalidad de las fuerzas en juego. Principalmente las distintas variables de la crisis capitalista; y el (¿pretendido? ¿real?) reemplazo de los paradigmas neoliberales por los arquetipos nacionales y populares (también nacionalistas y populacheros), poniendo así de relieve las coincidencias programáticas tras las desaveniencias lingüísticas. Las contradicciones de los modelos, dicho de manera elegante.

Con una estética cartoon de diseño esencialmente representativo, post última revolución informática, Lucha Peluche se hizo fuerte en base a la alternancia de personajes icónicos y omnipresentes: Dios, el Diablo, empresarios, modelos, periodistas, cartoneros, financistas, animales antropomórficos, chicos. Todos ellos sumamente seductores, atractivos y necesariamente estereotipados, a fin de hacerse inmediatamente reconocibles por el lector. Encarnación de cuanto prejuicio se haya instalado socialmente, nos hablan desde su conformación gráfica esencial, definitoria del discurso que propugna la tira.

Con sádica ternura, con ironía grotesca, Lucha Peluche florece en reflexiones de profundidad simple, tan ligera como demoledora. Frases disparadas como por una ametralladora de eslóganes, haikus marketineros que develan el espíritu y la razón de ser del capitalismo, la naturaleza depredadora de la sociedad de consumo. Utilizando la misma vara para medir a todos y cada uno los protagonistas involucrados, se encuentren a un lado u otro del mostrador, se la den de independientes o militantes. En este sentido; y habiendo nacido en un medio de comunicación, resulta sintomática la mirada que hecha sobre los mismos medios, aparentemente reducidos a un amarillismo servil y decadente, patético e impresentable, sensacionalista y vendido al mejor postor. Postura ideológica que se resume en Tony Torres y su frase de cabecera, “tensa calma”.

Provocadora, agresiva, violenta, con mucha mala leche. Lucha Peluche se nutre de la idiosincrasia argentina a la hora de ver, entender, interpretar, adaptar, vivir y sufrir los distintos presentes simultáneos que nos atraviesan de manera desmadrada e insolente. En una sociedad que protege a los culpables y responsabiliza a los inocentes, El Niño redistribuye las cargas como corresponde, obligándonos a leer la realidad desde distintos puntos de vista. Manteniendo la diversión, que vendría a ser algo así como el orden propio del caos. Igual que en la vidriera irrespetuosa de los cambalaches.

Fernando Ariel García

Alejo Conejo, amigo de la casa

Frozen: Una aventura congelada. Directores: Chris Buck y Jennifer Lee. Voces (versión original): Idina Menzel (Elsa, Reina de las Nieves), Kristen Bell (Anna, hermana de Elsa), Jonathan Groff (Kristoff, rubio vendedor de hielo), Josh Gad (el muñeco de nieve Olaf), Santino Fontana (príncipe Hans) y Alan Tudyk (Duque de Weselton), entre otros. Voces (versión traducida): Carmen Sarahí (Elsa), Romina Marroquín (Anna), José Gilberto Vilchis (Kristoff), David Filio (Olaf), Hugo Serrano (Hans) y Roberto Carrillo (Duque de Weselton), entre otros. Canción de créditos finales: Demi Lovato (Let It Go, versión original) y Martina Stoessel (Libre soy, versión traducida). Guionista: Jennifer Lee, en base al cuento de hadas La Reina de las Nieves (Snedronningen, 1845), de Hans Christian Andersen. Walt Disney Animation Studios. EE.UU., 2013.

2 de enero. Primer día hábil del año. Algo de lluvia y un poco de frío matizan el bochornoso infierno en que se había convertido la ciudad de Buenos Aires. Demasiado viento como para ir a remojar los pies en la pileta, demasiada inactividad diaria como para pretender que mi hija (6 años recién cumplidos) se quede quieta dentro de la casa. La única salida posible (porque es la única que acepta) es la de ir al cine a ver la nueva película de Walt Disney, último (hasta la fecha) opus fílmico de la lucrativa licencia de las Princesas. Y allá voy, resignado a soportar Frozen: Una aventura congelada (Frozen, 2013), con la nena vestida de Valiente y la canción de Martina Violetta Stoessel taladrándome los oídos en continuado.

El panorama en la entrada del cine es peor. El vestido y la canción de mi hija aparecen multiplicados al infinito. Para cuando se apagan las luces, ya me ha ganado el desánimo. Estoy entregado. Y, de repente, el milagro. Un Mickey en blanco y negro como eran los mickeys de verdad, como el de los viejos cortos de Ub Iwerks, como el de las inmortales tiras de Floyd Gottfredson. Un Mickey pícaro, sarcástico, simple, original, divertido; en las antípodas del ratón lobotomizado de La Casa de Mickey Mouse que, cada noche, espera que los chicos del otro lado de la pantalla le vayan diciendo qué tiene que hacer.

El corto Es hora de viajar (Get a Horse!, 2013), pensado y dirigido por Lauren MacMullan (Avatar, Los Simpsons), es un maravilloso ejercicio técnico y creativo que homenajea y deconstruye al icono que cumple 85 años y a la mágica naturaleza del séptimo arte que supo encarnar. O sea, lo regresa a sus fuentes imprimiéndole la descontracturada modernidad que andaba buscando desde hace mucho, mucho tiempo. Uno no puede dejar de asombrarse con el desparpajo narrativo que propone Pete Pata de Palo en su recuperado rol de villano querible y desalmado, con la deliciosa venganza que propone una Minnie con el grado justo de perversidad, con la alegre nostalgia que aporta el conejo Oswald (primera creación de Iwerks y Disney, antes del ratón octogenario) y, si la ve en inglés, con la posibilidad de escuchar al propio Tío Walt prestándole su voz a Mickey, gracias al recupero y reutilización de audios originales de los años ’20 y ’30.

Muchas veces dije que no me gusta lo que representa Disney, los valores que prioriza y promueve, el imaginario que instala y perpetúa. Y no me cuesta afirmar que MacMullan acaba de taparme la boca con una altura tan impensada como inesperada. No sé que más proveerá este 2014 en materia de dibujos animados, pero no creo que nada pueda estar por encima de la frescura de Es hora de viajar, obra maestra que se apropia (para su gozo y el nuestro) de esa libertad sin vuelta atrás que canta Violetta en el tema principal de Frozen.

Ahora que me doy cuenta, se me acabó el espacio y ni hablé de Frozen, la película que acompaña al corto de Mickey. Otra vez será.

Fernando Ariel García

Ilustración de José Ladrönn para el último tomo de Final Incal, con guión de Alexandro Jodorowsky, a publicarse en abril.

Gorgo es un personaje creado por Moebius y Jodorowsky

En el cierre del programa Inside the Actors Studio, James Lipton le hace diez preguntas a su estrella invitada. Más conocido como el Cuestionario Pivot, se trata de una variante del que utilizaba el periodista francés Bernard Pivot en el ciclo Bouillon de Culture. Que es, a su vez, una vuelta de tuerca sobre el originario Cuestionario Proust, una serie de preguntas que buscan iluminar aspectos desconocidos del entrevistado. Se le hizo por primera vez al escritor francés Marcel Proust (de ahí su nombre) y con el correr de los años y las décadas, le fue repreguntado a cientos de personalidades en todo el mundo.

LA BITÁCORA DE MANECO no quiso ser menos y se animó a reversionar este verdadero clásico del periodismo cultural. Y hoy le toca contestar a Oscar Grillo, animador, ilustrador, artista plástico y dibujante de historieta argentino. Radicado en Londres desde principios de los ‘70, colaboró con Pixar en la taquillera película Monsters Inc.; y en las series animadas televisivas Popeye y Men in Black, además de realizar infinidad de comerciales para primera marcas de los EE.UU., Europa, Japón y Australia.

Primera plancha de La tempestad, adaptación del clásico shakesperiano

Junto con Ted Rockley fundó el estudio de animación Klacto, creativa usina británica donde nacieron la serie de cortos musicales basados en la obra de Paul y Linda McCartney (Seaside Woman, Wide Prairie, The Light Comes From Within y Shadow cicle); Work in progress, filme para la BBC sobre Rembrandt; Monsieur Pett, veinte minutos basados en la figura de Joseph “Le Petomane” Pujol, el hombre que desde el escenario del Moulin Rouge asombró al París de fines del siglo XIX con su espectáculo de flatulencias artísticas; y Parker's mood, cortometraje inspirado en la vida y obra del saxofonista Charlie Parker, entre muchos otros.

Seaside Woman, Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1980

Dibujante tan prolífico como inquieto, publicó humor gráfico en la mítica Tía Vicenta de Landrú y co-creó con Carlos Trillo las historietas Trillo y Grillo (Fierro, 2006) y la efímera Caricaretas (Caras y Caretas, 2005), además de ilustrar/adaptar textos clásicos de Samuel Beckett (Esperando a Godot), Robert Musil (Hombre sin atributos), el conde de Lautremont (Los cantos de Maldoror), Giovanni Verga (Los Malavolgia), Jonathan Swift (Los viajes de Gulliver), Estanislao del Campo (Fausto) y William Shakespeare (La tempestad), publicados principalmente en el mercado europeo. Desde hace más de diez años, envía por e-mail un dibujo diario a un grupo de amigos, habitualmente acompañado por una canción relacionada temática o emocionalmente.

Fausto, uno de los pocos libros ilustrados de Grillo que fuera editado en la Argentina

Maestro en el manejo de los pasteles, el óleo, las tintas, las acuarelas, las anilinas, las témperas, el lápiz, el pincel y la pluma, el estilo de Grillo contiene y supera las propuestas plástico-narrativas de la animación (Max Fleischer, Walt Disney, Osamu Tezuka, la escuela UPA), la pintura de caballete (Van Gogh, Picasso, Rembrandt, “el viejo” Bruegel), la historieta y el humor gráfico (Divito, Calé, Saul Steimberg, Robert Crumb, George Herriman), sumándole la hondura del existencialismo arlteano, la sensualidad del tango y la improvisación del jazz. No en vano, Hermenegildo Sábat lo definió, certeramente, como “una galaxia de artistas que crean al unísono”.

Página de Trillo y Grillo

¿Cuál es tu mayor virtud?

La del aceptar mis defectos como parte de mi individualidad y razón de vivir.

¿Qué es lo mejor que tiene la amistad?

La amistad es una cosa muy sobrevalorada, sobre todo en la Argentina. Aun así soy muy amigo de obras de arte, de algunos libros y de algunas músicas que nunca me han fallado.

¿Qué es la felicidad?

¿Cómo?... ¿Me podría repetir la pregunta?... Ah, sí!... Es un estado de ánimo que nos permite ignorar sin remordimientos las tragedias de los demás.

¿Qué es la tristeza?

Un pensamiento alegre que no se puede bailar, como casi dijo Enrique Santos Discépolo, que se hacía pasar por triste para que los giles lo considerasen un filósofo.

¿Cómo te gustaría vivir?

De una manera irresponsable.

¿Quién te gustaría ser si no pudieras ser vos?

El Marqués de Sade.

¿Cuál es tu comida favorita?

La que me sirvan, siempre y cuando no tenga caracoles, seso, testículos de toro o patas de rana.

¿Cuál es tu talento natural más relevante?

Sé silbar haciendo vibrar un poquito de saliva entre los dientes cerrados.

¿Cómo te gustaría morir?

Contento y después de haber batido al enemigo, como el Sargento Cabral.

¿Cuál es tu frase de cabecera?

Mañana será otro día.

Arlt y el gaseado, uno de los dibujos diarios enviados por e-mail

Links:

Los dibujos diarios de Oscar Grillo

Los sábados son como un gran globo rojo. Autor: Liniers. Portada: Liniers. Diseño: Françoise Mouly y Liniers. Adaptación de diseño para la edición argentina: Magdalena Okecki. Directora Editorial: Françoise Mouly. 48 páginas a todo color. La Editorial Común. ISBN: 978-987-29389-4-9. Argentina, octubre de 2013.

Una pelota en el pie. Una toalla como capa. Un libro que nunca termina y siempre está empezando. Las horas de caminata junto con mi abuelo, de Anchorena 1165 hasta la Plaza Once y de la Plaza Once hasta Anchorena 1165. Su voz áspera y cariñosa de gallego acostumbrado a trabajar como un burro. Los caramelos ácidos de limón que nos convidábamos cada vez que encontrábamos algo nuevo en el mismo camino de siempre. Uno por cuadra, uno por risa. Cuando era chico, los sábados representaban la medida de la aventura posible para mis expectativas. La capacidad de ver el mundo a través de los ojos de un adulto.

El último ensayo antes de grabar la pieza teatral que Radio Municipal iba a emitir la noche del lunes siguiente. La adrenalina de la luz roja que se enciende antes del primer parlamento. La red de seguridad de los compañeros, el permiso para hacer las piruetas más arriesgadas sabiendo que no voy a caer. La promesa de una noche amanecida entre karaokes, sangría ácida y alguna que otra mirada cómplice. Cuando era adolescente, los sábados representaban el ejercicio responsable de mi libertad. La capacidad de ver el mundo a través de los ojos de un rufián, de un héroe, de un muerto, de un traidor, de un payaso fracasado, de un amante pasajero, de la última escoria, de Dios.

Despertarme al lado de mi esposa y de mi hija, sin tener que salir corriendo a cumplir con las obligaciones. El desayuno compartido, en la cama. Comprobar que esa beba que supo ser se está haciendo nena. Sorprenderme con los pensamientos que hoy es capaz de formular aunque ayer no podía, con el sabor del viento en la cara al hamacarla, con las formas que toman las nubes cuando su voz las nombra, con sus primeras letras, con su sana anarquía a la hora de distribuir los colores en el espacio. Siendo padre, mis sábados representan el asombro constante del descubrimiento. La capacidad de mirar con ojos nuevos las mismas cosas y los mismos lugares de siempre.

Siempre me gustaron los sábados. Y ahora, me gustan todavía más. Son como un día de clases hecho sólo de recreos, o un día de vacaciones que empieza el viernes a la noche y termina el domingo a la tarde. Por eso disfruté tanto al leer con mi hija este milagro que Liniers encontró observando a sus hijas antes de pintarlo con tintas, acuarelas y gotas de lluvia. Publicado en septiembre en los EE.UU. en inglés y en castellano (The Big Wet Balloon / El globo grande y mojado) por Toon Books, la editorial de Art Maus Spiegelman y su esposa Françoise Mouly, Los sábados son como un gran globo rojo es dulce, tierno, intimista, mínimo y absoluto. Está lleno de poesía inocente y aprendizajes fantásticos. Como la vida. Como el mundo visto por los ojos de un niño. Pero no de un niño cualquiera. De un hijo, que era algo inexplicable antes de este libro.

Fernando Ariel García

Swamp Thing Nº 1. Guiones: Andy Diggle. Dibujos: Enrique Breccia. Color: Martín Breccia. Traducción: Fran San Rafael Simó. Portada: Enrique Breccia. Editores: Gustavo Martínez, Arnau Sogas, Albert Torner, Isaac Romana. 48 páginas a todo color. ECC Ediciones Sudamérica. ISBN: 978-98-76900-82-9. Argentina, septiembre de 2013.

La Tierra está viva. Es una fuerza primordial que existe gracias a la interconectada red de sistemas ecológicos que permiten y favorecen su desarrollo. Y desde su lugar en el universo, ha venido generado las condiciones esencialmente necesarias para la evolución de las distintas especies que la pueblan, incluída la humana. Ahora bien, ¿qué pasaría si, además de estar viva, la Tierra pudiera reconocerse como ser vivo? Supiera que el futuro de las plantas, los animales, las tierras, las aguas y el aire que le son suyos, está en peligro, acechado por las prácticas destructoras del Hombre. Imaginemos que la Tierra es el Elemental que los cómics de DC bautizaron como Swamp Thing / La Cosa del Pantano; internémonos en la psiquis de esa deidad abstracta que supo ser hombre y planta (juntos y por separado) y tratemos de tomar la decisión que debe tomar. ¿Reestableceríamos el balance medioambiental a costa de la vida de millones de personas, incluídas nuestra pareja y nuestra hija?

Con toda la introspección realista que pueda caber en una historieta de género, a caballo entre los superhéroes y el horror psicológico, Andy Diggle y Enrique Breccia respondieron esta pregunta en el primer arco argumental del cuarto volumen de Swamp Thing, publicado por DC/Vertigo a partir de mayo de 2004, cuyas dos primeras entregas acaban de aparecer en los kioscos argentinos gracias a la filial sudamericana de la española ECC. Hecha con la necesidad de reestablecer cierto status quo para la prolongación de una serie regular abrumada por los picos creativos del pasado (sobre todo, la etapa guionada por Alan Moore), el cómic sabe que su destino final es una vuelta a las fuentes temáticas originales, reducción de poderes y recupero parcial del veterano panteón de personajes incluido. Pero en este trayecto, como en todos los viajes en que se conocen de antemano los puntos de partida y de llegada, lo interesante viene dado por las particularidades del recorrido. Y estas páginas nos garantizan, al menos, dos instancias trascendentales.

Original de una doble página

La primera es de orden artístico, ya que los dibujos de Breccia delimitan con parámetros de reconocimiento racional todas las formas y confines irracionales que la historieta planta en escenarios naturales y estadíos emocionales extremos. La segunda, en cambio, es de naturaleza filosófica; y tiene que ver con el planteo explícito sobre la responsabilidad moral de los detentores del poder para con las consecuencias derivadas de sus decisiones y sus acciones, sobre todo a la hora de optar por la transformación radical de la realidad. ¿Será acaso la conciencia del alcance de nuestros actos la que dirima este interrogante ético? Y si el ciclo de la Naturaleza contra la carne dependiera de la sublimación del Dios al Hombre, ¿no estaríamos plantando la semilla del Monstruo?

Fernando Ariel García

Swamp Thing (vol. IV) Nº 1 y 2. Guiones: Andy Diggle. Dibujos: Enrique Breccia. Color: Martín Breccia. Portadas: Enrique Breccia. Editor: Will Dennis. 32 páginas a todo color. DC Comics / Vertigo. ISSN: 7-61941-23935-4. EE.UU., mayo a junio de 2004.

Dugong y Manatí. Autor: Quique Alcatena. Portada: Quique Alcatena. 96 páginas en blanco y negro. Comic.ar Ediciones. ISBN: 978-987-28876-4-3. Argentina, noviembre de 2013.

Hace mucho, mucho tiempo que no me divertía así con una historieta. Y cuando digo así, no me estoy refiriendo sólo a la cantidad y la calidad del entretenimiento encontrado, sino al tipo de diversión provista por estas páginas de Quique Alcatena, maestro cerrajero con las llaves para abrir los candados de mi adormilada inocencia infanto-juvenil. Será por el formato apaisado, que me llevó en un viaje temporal sin escalas a mi época de atiborrado lector de patoruzitos, don nicolas, pilusos e hijitus varios, paladines mexicanizados por la Editorial Novaro; y los infaltables libros amarillos de la Colección Robin Hood.

Es que las aventuras en formato tira diaria de Dugong y Manatí, pensadas y realizadas para la revista Comic.ar, zarpan desde los puertos del asombro y, en su travesía mar adentro, van hollando reconocibles (y reconocidos) territorios aventurables, con la naturalidad que sólo posee lo verdadero. Impulsado por los motores del ensueño, el barco de Alcatena pone proa a los acantilados de Salgari, el archipiélago de Segar, el fiordo de Verne, la prattiana costa de Ferro. Un mundo más grande (e interesante) que el real, cruzado multicuralmente por Charly García y los Beatles, Lovecraft y Bob Esponja, el libre fluir de la conciencia propuesto por la poesía beatnik.

Mirada adulta sobre la ingenuidad infantil, Dugong y Manatí discurre por las tranquilas aguas de una mitología costumbrista (¿o será costumbrismo mitológico?), abrevando y fusionando panteones superheroicos, pasos de comedia, intrigas policiales, horrores ancestrales y, por supuesto, peripecias marítimas. Géneros y personajes que engarzan mecanismos creativos autoconcientes de las propiedades metalingüísticas de la historieta. Suspensión del racionalismo que libera la ambigüedad del azar para (con)fundir lo incierto con lo dado por cierto.

Fieles a la identidad gráfica de Alcatena, las ocho aventuras completas que recupera este volumen, encuentran la belleza mediante el sabio uso de una ornamentación recargada (muy lejos de la innecesaria saturación), cuyas raíces se hunden en los imaginarios occidentales y orientales, en la mística hindú y el drama victoriano. Formando e informando a sus lectores, recuperan el sentido lúdico primigenio de las historietas, abriendo las puertas de la imaginación para que salgamos a jugar en el patio trasero de nuestros recuerdos más preciados.

Fernando Ariel García

Otras obras de Alcatena:
Imperator
Hexmoor, en LancioStory
El Eternauta: El perro llamador y otras historias

Detective Comics (Vol. II) Nº 27. Guiones: Brad Meltzer, Gregg Hurwitz, Peter J. Tomasi, Francesco Francavilla, Mike W. Barr, John Layman, Scott Snyder. Dibujos: Bryan Hitch, Neal Adams, Ian Bertram, Francesco Francavilla, Guillem March, Jason Fabrok, Sean Murphy. Ilustraciones: Pat Gleason, Jock, Kelley Jones, Graham Nolan, Mike Allred. Color: David Baron, John Kalisz, David Stewart, Francesco Francavilla, Guillem March, Tomeu Morey, Matt Hollingsworth, John Rauch, Greg Wright, Laura Allred. Portadas: Greg Capullo (regular y alternativa), Frank Miller, Jim Lee, Chris Burnham, Tony S. Daniel, Jason Fabrok (alternativas). Editor: Mike Marts. 96 páginas a todo color. ISSN: 7-61941-30646-9. EE.UU., marzo de 2014.

Cómo no aprovechar la volada. Gracias al relanzamiento de todos los títulos de DC en 2011, el volumen II de Detective Comics (cuyas siglas dieron nombre a la editorial) llega al número 27 en el arranque de este 2014, año en que se cumplen 75 años de la primera aparición de Batman en el mítico número 27 del primer volumen de la revista, allá por 1939. Y nada mejor para inaugurar un largo periodo de festejos, entonces, que este ejemplar especial por varios motivos. Por la cantidad de páginas, por el abanico de autores convocados; y por la calidad del resultado final, muy superior al obtenido por el celebratorio Batman Nº 700, en dónde el contenido no estuvo a la altura de la forma.

Brad Meltzer y Brian Hitch reconstruyen la primera aventura de Batman

Peter J. Tomasi y Ian Bertram coquetean con el Dark Knight Returns

Esta vez, en lugar de un largo paneo expositivo sobre las distintas encarnaciones del Hombre Murciélago en el pasado, presente y futuro ficticios del Universo DC, se buscó hacer foco en la esencia ética del personaje, sin importar tanto quién (y cuándo) estuviera debajo de la capucha. Y como resultado aparecieron estas piezas, generalmente pequeñas y autoconclusivas, que se encargan de indagar las implicancias humanas de ser Batman, las motivaciones y alcances de su accionar, la influencia de su presencia y ausencia, el precio que debe pagar al asumir su sino oscuro.

Batman en dos momentos de autoconciencia de su naturaleza ficticia: El material metahistorietístico de Gregg Hurwitz y Neal Adams (arriba); y la continuidad futura del personaje (signada por los cambios creativos por fuera de las viñetas) abordada por Scott Snyder y Sean Murphy (abajo)

Digamos aquí que las historietas, más allá de su independencia narrativa, se retraolimentan transversalmente en tres instancias básicas. La reconstrucción actualizada de secuencias históricas definitorias, hoy consideradas clásicas (como la primera aventura y el Dark Knight Returns, por nombrar un par); la evolución/involución del Hombre Murciélago, como personaje y como serie, abordada desde distintos niveles de autoconciencia de su naturaleza ficticia; y la comparación contrastada con el próximo gran arco argumental que recorrerá la familia de títulos regulares del superhéroe: Gothopia, un prometedor análisis de un Batman trasplantado a un medioambiente luminoso y abierto, utópico por lo que trae de ¿aparente? felicidad, progreso económico y desarrollo social.

Ilustraciones de Mike Allred (arriba) y Graham Nolan (abajo)

Mediante distintos enfoques y confluentes tratamientos, mayormente liberados del lastre de una obligatoria continuidad canónica, los relatos crecen en representatividad icónica, sumando capas de lectura metahistorietística que operan sobre la naturaleza esencialmente trágica de Batman, elemento clave para comprender su longevidad. El (o los) superhéroes que pueblan estas páginas, se pasean por el drama y la comedia ligera, exhibiendo las máscaras que esconden el trauma original de ausencia y muerte, de dolor y placer culposo. Todo (o casi) contado desde la anécdota pequeña, minúscula y hasta intrascendente, pero que a nuestros ojos se abre revelando el verdadero alcance de la constitución identitaria de un mito moderno y global, capaz de sobreponerse a todas las variables industriales y creativas de las últimas siete décadas.

Fernando Ariel García

Greg Capullo

Frank Miller

Jim Lee

Chris Burnham

Tony S. Daniel

Jason Fabrok

Links:

Batman Nº 222 (Beatles)

Batman Nº 700

Batman ’66

Batman and Robin

Batman Broken City: Ciudad quebrada

Batman Flashpoint: El caballero de la venganza

Batman: Hidden Treasures

Batman Incorporated

Batman: Odyssey

Superman/Batman: Public Enemies DVD

Wednesday Comics

Lo mejor de Maitena. Autora, portada y diseño: Maitena. 272 páginas a todo color. Editorial Sudamericana. ISBN: 978-950-07-4661-8. Argentina, noviembre de 2013.

Gran lomo. Tanto, que me jugaría a decir que es el mejor lomo del año. Del que se fue y del que recién empieza. Lo cual habla de la sintonía entablada entre forma y contenido, entre el afuera y el adentro de este libro, Lo mejor de Maitena, que reconoce en la obsesión femenina por las formas del cuerpo (y la distribución de los kilos en ese cuerpo), una de las patas que define la conflictiva y estimulante relación que las mujeres entablan con(tra) ellas mismas. Antes, claro, de generar lazos con hijos, esposos, amantes, suegras, amigos, compañeros de trabajo, colegas, peluqueros, extraños, otras mujeres en su misma situación.

Selección realizada por la propia Maitena sobre el material que produjo para sus tres trabajos más populares y representativos, Mujeres alteradas, Superadas y Curvas peligrosas, el resultado final (prejuicio masculino incorporado) pareciera exponer el mecanismo neuronal de cualquiera de las mujeres que aparecen reflejadas en estas páginas. Anárquico, mezclando épocas y estilos, ocupado en cuestiones existenciales afines a la maternidad, el sexo, la edad, la moda, el consumo, la soledad, la depilación, todo junto y todo al mismo tiempo. Presionada por la tiranía (interna y externa) de los preceptos modernos que la obligan a ser bella, inteligente, divertida, exitosa, buena en la cocina y mejor entre las sábanas.

Biografía de las neuras femeninas de los ’90, vistas desde la madurez que aporta el paso (y el peso) de dos décadas, las historietas y el humor gráfico de Maitena (con los títulos más cortos, algunos globos y cuadritos eliminados, de acuerdo con lo que firma la autora en la contratapa) retratan quirúrgicamente las problemáticas, las preocupaciones y los puntos de vista de las mujeres de clase media en ámbitos domésticos, mientras siguen reflejando las conductas sociales y los comportamientos contemporáneos aún vigentes. La insatisfacción, el estrés, la angustia, la indecisión, los celos, las envidias, las compulsiones, pero sobre todo el deseo y la culpa. La búsqueda del amor y la felicidad, como si fueran la misma cosa.

La mirada, tierna y satírica, crítica y ácida, guarda cierta amargura nacida de la desesperación de ser quien nos ha tocado ser, pero mediada por la capacidad para reírse de uno mismo, con uno mismo y con los demás. Marca de fábrica del estilo Maitena, de la franqueza con que aborda los tópicos que bombardean la autoestima del mal llamado sexo débil, moldeando estereotipos que buscan replicar mujeres reales, de carne y hueso (y silicona y metacrilato y bótox). La asociación primaria del inconsciente colectivo mayoritario a la hora de definir lo femenino, que no lo feminista.

Y si a nivel estructural de la narrativa predominan los temas por sobre los personajes fijos es porque, en cierta medida, todas esas mujeres que se alternan son facetas de una única mujer, que puede ser tanto la autora como la lectora. Y es que, a pesar de los distingos entre una y otra, a todas pareciera ocurrirle lo mismo; y a todas pareciera afectarlas de la misma manera. La aglomeración de situaciones, que no es otra cosa que el incesante bombardeo de los mandatos culturales por sobre el cuerpo y la psiquis del género humano, cuando lo que está en construcción es la definición de una identidad inclusiva y respetuosa de las diferencias.

Fernando Ariel García

Rep, para la portada de Página 12 de hoy

Hermenegildo Sábat, para la portada de Clarín de hoy

Daniel Paz, en su blog

Juan Sasturain, en Página 12 de hoy: Imposible velorio del solo

El juego de Ender. Director: Gavin Hood. Protagonistas: Harrison Ford, Ben Kingsley, Asa Butterfield, Hailee Steinfeld, Abigail Breslin y Viola Davis, entre otros. Guionista: Gavin Hood, basado en la novela homónima de Orson Scott Card. Summit Entertainment / OddLot Entertainment / Chartoff Productions. EE.UU., 2013.

Un chico rosarino, con capacidades innatas para jugar a la pelota, velocidad mental para adelantarse a los movimientos del rival, picar en punta y marear a todos con su gambeta endemoniada. Un chico canadiense, con aspiraciones musicales y talento para aprender, de manera autodidacta, a tocar el piano, la guitarra, la batería y la trompeta. Un chico norteamericano, lo suficientemente agresivo y lo necesariamente empático para desarrollar estrategias militares exitosas, aún bajo la presión más extema que pueda ejercer el paroxismo de la batalla.

¿Qué tienen en común Lionel Messi, Justin Bieber y Andrew “Ender” Wiggin? Que los tres fueron formateados para ser los mejores del mundo en sus incumbencias. Apropiados, a muy temprana edad, por el Fútbol Club Barcelona, un ejecutivo del mundo de la música o las Fuerzas Armadas de una Tierra post-apocalíptica a punto de ser (re)invadida por sus peores enemigos, resultaron impúdicamente intervenidos por tecnologías de punta, devorados por sus respectivos Saturnos goyescos y vomitados sobre el atril de la gloria. Para ser reverenciados, admirados y hasta envidiados por sus pares en notoria condición de inferioridad.

Es cierto que el fútbol, como deporte, espectáculo y negocio, no sería el mismo sin una figura superdotada como la de Messi. Que la industria musical no conciliaría la atención del mercado adolescente sin un nombre convocante como el de Bieber. Que la Tierra de El juego de Ender (Ender’s Game, 2013) podría llegar a desaparecer del mapa universal si Ender no descifra la matriz de pensamiento del invasor para poder aniquilarlo. Pero, la verdad, no creo que el fin justifique los medios. ¿Alguien le prestó atención a los rostros de Messi, Bieber y Ender? ¿Vieron algo además de apatía, desconcierto y furia? A los tres se les interrumpió programáticamente su niñez, se les aniquiló preventivamente la capacidad infantil para la felicidad.

Glorificación del militarismo tramontano, de cualquier tipo de violencia institucional, del bullying y el genocidio, la película de Gavin Hood adapta la homónima novela de Orson Scott Card, verdadero clásico de la literatura fantacientífica; y lo plasma en imágenes bonitas y logradas actuaciones de Harrison Ford, Ben Kingsley y Asa Ender Butterfield, sacándole rédito al paralelismo no forzado entre la soledad existencial de los personajes y el inmenso vacío del espacio exterior. Aunque nada, ni aún la redención final, pueda corregir el daño hecho.

Fernando Ariel García

Dos pavos en apuros. Director: Jimmy Hayward. Voces (versión original): Owen Wilson (Reggie), Woody Harrelson (Jake), Amy Poehler (Jenny) y George Takei (S.T.E.V.E.), entre otros. Voces (version traducida): Luis Daniel Ramírez (Regggie), Raúl Anaya (Jake) y Leyla Rangel (Jenny), entre otros. Guionistas: Jimmy Hayward, Scott Mosier, David I. Stern, John J. Strauss. Reel FX Creative Studios / Relativity Media. EE.UU., 2013.

¿Cuál es el resultado de una gran idea, un desarrollo creativo que no está a la altura y una realización un pelín por debajo de los estándares esperables para una película con pretención de tanque? Estos Dos pavos en apuros (Free Birds, 2013), largo motorizado por Jimmy Hayward (director, guionista y, en la versión original, voz de uno de los personajes secundarios), cuyos créditos lo ubican como animador de Pixar y 20th Century Fox, antes de calzarse al hombro los filmes Horton (2008) y Jonah Hex (2010), salvable el primero y descartable el segundo.

Dos amigos contra el mundo

Justo entremedio, haciendo gala a las indecisiones narrativas que muestra la película, se encuentran Reggie y Jake (voces, en inglés, de Owen Wilson y Woody Harrelson), los dos animalitos del título que buscarán eliminar la tradición norteamericana de zamparse un pavo como cena del Día de Acción de Gracias, viajando para ello al pasado en una máquina del tiempo con forma de huevo y la voz (anglosajona) de George Takei, el Sr. Sulu de la original Viaje a las estrellas.

Se ha formado una pareja

Algunas incoherencias argumentales, otra vueltas de tuerca demasiado previsibles, juegos referenciales que no logran escalar más allá de la mención figurativa (el más obvio, claro, a la saga de Volver al futuro), un sentido del humor ramplón, que no termina de acertar en ninguno de los dos públicos buscados (el infantil y el adulto), cierta corrección política que atenta contra la pretendida locura descontracturada de los personajes, es parte del saldo desagregado que que queda tras el intento emulatorio (conciente o inconcientemente) de la asombrosa Pollitos en fuga.

¿Lograrán cambiar el menú?

Con algunos momentos muy logrados, un par de chistes realmente inteligentes, el hallazgo de una química importante entre los pavos principales, el filme brilla por partes pero cae en la mirada totalizadora. Cayendo en el chiste fácil, a estos Dos pavos en apuros les falta un golpe de horno.

Fernando Ariel García

(Información de prensa) Rizzoli Lizard acaba de publicar en Italia Graphic Novel is Dead, el nuevo álbum de Davide Toffolo, uno de los autores más importantes de la historieta italiana; y voz y guitarra del grupo musical Tre Allegri Ragazzi Morti.

Graphic Novel is Dead es un grito rockero que reafirma la fuerza de un autor libre y desprejuiciado, que rinde homenaje a su lenguaje predilecto en su naturaleza más antigua, la comedia. Se trata de una biografía muy particular, contada mediante dibujos y fotos, que mezcla la música y la historieta con estilo pop aparentemente ligero.

El apartado fotográfico sigue a Davide de gira, transformado en Eltofo, el cantante vestido de Yeti del grupo Tre Allegri Ragazzi Morti. Después, en la intimidad de su casa, el Davide dibujado aparece buscando entender al mundo (y a sí mismo) a través del diseño. A lo largo del libro, lo visitarán personas reales, fantasmas del pasado y afectos que se han ido. A su lado están Andy Kaufman, su oráculo personal; y Pepito, un pequeño loro que lo acompaña en su viaje interior y a un pasado a veces doloroso. En el nuevo libro de Davide Toffolo hay risas y llantos. Como en la vida real.

"A los quince años me hice punk. Era 1980. Me atraían aquellos extraños individuos vestidos como alienígenas. Yo quería ser como ellos.

Pero fue en Nápoles, precisamente en el Comicon del 2013, que pude completar mi plan.

El autor que se vuelve personaje. Un triple salto mortal. Yo, igual entre iguales.

Junto a los últimos, como ha sido siempre mi vocación.

Para tomar la vida, para hacer literatura y mostrarla al mundo.

Yo, autor y personaje, entre los personajes y sus encarnaciones.

Yo, igual entre iguales".

En este nuevo trabajo, Toffolo ha colaborado con la fotógrafa argentina Cecilia Ibáñez, que lo ha seguido por el último tour compartiendo escenarios con Jovanotti y en el Comicon de Nápoles. El coloreado y la supervisión de la obra quedaron a cargo del ilustrador y dibujante Alessandro Baronciani.

Davide Toffolo nació en Pordenone (Italia), en enero de 1965. Verdadero innovador en el campo de las historietas y entre los mayores autores italianos de novelas gráficas, entre las que se cuentan Pasolini, Il Re bianco, L’inverno d’Italia y Très! Fumetti per il teatro. Motor de experiencias importantes, como el grupo Mondo Naif y las revistas Dinamite y Fandango, es reconocido también por su segunda identidad, la del cantante del grupo art-rock Tre Allegri Ragazzi Morti.

Miracleman Nº 1. Guiones: El Guionista Original (Alan Moore), Mick Anglo. Dibujos: Garry Leach, Don Lawrence, Mick Anglo. Restauración del arte original: Michael Kelleher & Kellustration, Garry Leach, Digikore. Artículos: Mike Conroy, Joe Quesada. Color: Steve Oliff. Portadas: Joe Quesada (regular y variantes), John Cassaday, Mark Buckingham, Leinil Francis Yu, Jerome Opeña, Garry Leach, Skottie Young, Neal Adams (alternativas). Editor: Axel Alonso. 64 páginas a todo color. Marvel Comics. ISSN: 7-59606-08035-9. EE.UU., marzo de 2014.

A cuatro años del anuncio y a tres de haber publicado una serie de reediciones del material clásico (Marvelman Classic Primer y la miniserie Marvelman Family’s Finest), la tan esperada, ansiada y necesaria reedición del Marvelman/Miracleman de Alan Moore y un preciado listado de dibujantes (Garry Leach, Alan Davis, Rick Veitch y John Totleben, entre otros), acaba de ver finalmente la luz en un combo que también incluye historietas británicas de los ‘50, bocetos y estudios preliminares de la reconstrucción ochentosa, un artículo con perspectiva histórica y hasta una minientrevista a Mick Anglo, creador de este superhéroe inglés gestado a la sombra del Capitán Marvel original, el que gritaba ¡Shazam! para convertirse en el mortal más poderoso de la Tierra.

Con justicia, el más trascendente de todos estos contenidos sigue siendo el par de episodios de la dupla Alan Moore (mencionado como “El Guionista Original” por su explícita negativa a volver a trabajar con Marvel) y Garry Leach, dados a conocer por la revista inglesa Warrior a principios de 1982. Es importante que los lectores recién llegados tengan en mente esta fecha, ya que gran parte de los tópicos actuales del género, que irán reconociendo al avanzar en la lectura, fueron generados y definidos en estas páginas contemporáneas de V de Vendetta y antecesoras directas de Watchmen y el Batman de Frank Miller.

Estudios preliminares de Garry Leach para la recreación de Marvelman en Warrior

Es cierto que el estilo de Moore todavía no había alcanzado la eficacia a la que arribaría con el paso del tiempo y el ejercicio de la profesión; y que por ello su propuesta argumental muestra instancias donde lo discursivo predomina por sobre lo narrativo, pero la naturaleza controversial de la trama sigue explotando con la misma brutalidad desbordante y avasalladora que antaño. Patentando la deconstrucción de la mitología superheroica, Moore expone el lado oscuro de una bondad tan pretendida como sobreactuada, la violencia inherente al ejercicio de cualquier poder (y más aún, de uno sobrehumano), la corrupción de quienes dicen representar los valores morales que no practican, la personalidad sociópata que dispara la metamorfosis del Hombre en pantimedias al Dios inmisericordioso.

Primera aparición de Marvelman en en la revista inglesa Marvelman Nº 25, de marzo de 1954.

Dibujos de Mick Anglo

Sin embargo, más allá de los motivos que deberían regocijarnos por el recupero de una obra de arte imprescindible, nada hay para festejar. De manera incomprensible, Marvel censuró el material original, agregando una bombacha que no estaba sobre unos glúteos femeninos que hasta ayer se habían mostrado desnudos. Ello, a pesar de haber incluido en la portada de Miracleman Nº 1 la etiqueta que informa a los adultos sobre la existencia de lenguaje y contenidos que puedan ser considerados explícitos y/u ofensivos.

Tercera viñeta:

Warrior Nº 1 (Quality, Inglaterra, marzo de 1982): Cola al aire

Miracleman Nº 1 (Eclipse Comics, EE.UU., agosto de 1985): Cola al aire

Miracleman Nº 1 (Marvel, EE.UU., marzo de 2014): Púdica bombachita

Condenable (al menos para mí) aunque no impacte de manera directa en el desarrollo y alcance de la trama, este hecho me trae a la memoria el caso de Touchmark Comics, sello editorial dirigido al público adulto anunciado en 1991 por Disney (actual propietaria de Marvel, vale recordar) y cancelado, oficialmente, antes de llevar a prensa Enigma (Peter Milligan y Duncan Fegredo), Sebastian O (Grant Morrison y Steve Yeowell) y Mercy (J.M. DeMatteis y Paul Johnson), tres obras que terminaron formando parte del lanzamiento de Vertigo, línea de cómics adultos de DC, en 1992.

Si bien las razones oficiales tras la cancelación de Touchmark estuvieron ligadas al impacto económico-financiero que la movida implicaba para Disney (parece que después de La Sirenita y La Bella y la Bestia, la billetera del Tío Walt andaba floja de efectivo), extraoficialmente se habló siempre de la marcada incompatibilidad ideológica entre los tratamientos historietísticos y los preceptos morales promovidos por la empresa. De comprobarse estas presunciones, me temo, la presente intervención sobre los contenidos de los cómics Marvel podría estar augurando un futuro creativo mucho más peligroso para la Casa de las Ideas, por lo retrogrado de las posiciones involucradas, que un insulso apretón de manos entre el Hombre Araña y el Ratón Mickey.

Fernando Ariel García

Joe Quesada

John Cassaday

Mark Buckingham

Leinil Francis Yu

Jerome Opeña

Garry Leach

(ilustración para la portada del Miracleman Nº 1 de Eclipse, en 1985)

Skottie Young

Neal Adams

LA BITÁCORA DE MANECO no quiso ser menos y se animó a reversionar este verdadero clásico del periodismo cultural. Y hoy le toca contestar a Ignacio Minaverry, historietista e ilustrador argentino dueño de una voz narrativa que se hace notar por sobre el resto, proponiendo un registro de alta emotividad y puntilloso detallismo técnico. Marcado por improntas visuales que abrevan en el diseño gráfico, la ilustración publicitaria, el afichismo y la arquitectura; así como en la labor historietística de Jaime Love and Rockets Hernandez y el erotismo fantástico de Guy Pravda, la survireuse Peellaert, por nombrar a dos de los disimiles creadores internacionales que encontraron, en las complejas constituciones psicológicas de sus personajes femeninos, la punta del ovillo desde donde ir desmadejando un universo simbólico que opera, siempre, con constantes referencias a la percepción de lo real.

Portada de la edición española de Dora

Forjado en el fuego autoeditor de los ’90, llegó al libro con el policial de ribetes portuarios Callejones rojos y el divulgativo Schopenhauer para principiantes (con guiones de Silvia Debor y Ana Cohan, respectivamente); bastante antes de concitar la consideración nacional (e internacional) mediante la serie Dora, uno de los platos fuertes de la nueva Fierro. En la (hasta ahora) trilogía de Dora (20874, RatLine y El año próximo en Bobigny), Minaverry desarrolló la historia de una espía amateur que termina como cazadora de nazis por Alemania, Francia y la Argentina, durante la convulsionada década del ’60.

Serializada en Historietas Nacionales, suplemento de la agencia estatal Télam, Noelia en el país de los cosos está siendo recopilada por Fierro

Además de la efímera épica del decadentismo dandy que realizó a cuatro manos con Lucas Nine (El barco borracho), su producción historietística se completa con Noelia en el país de los cosos y Bajo Flores (guión de Socolovsky), ambas para el suplemento semanal Historietas Nacionales de la agencia periodística estatal, Télam. En ámbitos fantásticos o en las calles bonaerenses de la década infame, ambos trabajos asumen posiciones políticas sobre el rol del Estado en el discurso histórico de la Argentina.

Bajo Flores

Como ilustrador, su trazo vistió portadas e interiores de La mujer de mi vida, Caras y Caretas, diversos suplementos del diario Página 12 y notas editoriales del portal informativo de Télam, además de dotar de nueva identidad a clásicos literarios de Juan Sasturain (La mujer ducha, La lucha continúa, Los sentidos del agua) y acompañar los contenidos de obras de corte periodístico y/o de divulgación (Micrófonos para el pueblo, El neonatólogo quirúrgico). Es uno de los hacedores del blog La Teja, catálogo de barrios obreros construidos por el Estado en la ciudad de Buenos Aires, pródigo en material fotográfico y la reconstrucción de las políticas habitacionales porteñas.

Ilustración para una nota de Télam sobre el fallo de la Corte Suprema de Justicia por la Ley de Medios

¿Cuál es tu mayor virtud?

Mi mayor virtud es mi falta absoluta de defectos, mi don de gentes y mi natural tendencia a la magnanimidad (desde la isla de Caras).

¿Qué es lo mejor que tiene la amistad?

El poder sacarle el cuero a los enemigos comunes.

¿Qué es la felicidad?

Una muzza en Güerrín.

¿Qué es la tristeza?

Una muzza en Banchero.

¿Dónde te gustaría vivir?

En la isla de Caras.

¿Quién te gustaría ser si no pudieras ser vos?

Vito Corleone.

¿Cuál es tu comida favorita?

Salchipapa.

¿Cuál es tu talento natural más relevante?

Ventriloquismo por señas.

¿Cómo te gustaría morir?

Rodeado de los peores hijos de puta del mundo, explotando, y dentro de 10.000 años.

¿Cuál es tu frase de cabecera?

¡Que se mueran los pelotudos!

Primera página de El barco borracho, serializada en la revista La mujer de mi vida

Links:

(Información de prensa) Rizzoli Libri distribuyó en toda Italia la nueva obra de Marco Rizzo y Lelio Bonaccorso, Jan Karski, L’Uomo che scopri l’Olocausto, la increíble historia del incómodo héroe que, por primera vez, vio y denunció los horrores del Holocauto, pero fue ignorado por los Aliados.

Durante la Segunda Guerra mundial, Jan Karski fue un exponente del principal grupo polaco de resistencia al nazismo, encargado de hacer conocer en el extranjero la situación de su país y la tremenda realidad de los campos de exterminio. Sus casi increíbles vueltas de la vida lo llevaron a caer en manos de los alemanes más de una vez, pero siempre se las ingenió para escapar, evadiéndose incluso de un gulag y del barrio judío.

En 1943 pudo, por fin, reunirse con el Canciller británico y el Presidente de los EE.UU.; y durante cerca de veinte minutos, les relató en persona los horrores que había presenciado. No le creyeron; o fue conveniente no creerle: La prioridad era derrotar militarmente a Alemania, no prestar asistencia al pueblo judío.

Polonia ha dedicado este 2014 a Jan Karski. Y por ello, Marco Rizzo y Lelio Bonaccorso han querido rendirle justicia narrando su historia en una historieta conmovedora e implacable, capaz de abrazar la poesía incluso cuando narra eventos tan atroces que resultan difíciles de digerir.

Marco Rizzo, nacido en Trapani, es periodista, traductor y guionista de historietas. Su obra Ilaria Alpi, il prezzo della verità ha ganado el Premio Micheluzzi a la Mejor Historieta. Con Castelvecchi ha publicado la investigación Supermarket Mafia.

Lelio Bonaccorso, nacido en Messina, es historietista y docente en la Escuela de Historieta de Palermo. Ha colaborado con diversas editoriales italianas y francesas, para Marvel y DC Comics.

En colaboración, ambos autores realizaron Peppino Impastato, un giullare contro la mafia, ganador de los premios Primo Zac y Giancarlo Siani, Que viva el Che Guevara, L’invasione degli scarafaggi – La mafia spiegata ai bambini (editorial Becco Giallo) y Gli ultimi giorni di Marco Pantani (Rizzoli Lizard), adaptado de la homónima novela de Philippe Brunel.

Le Journal de Spirou Nº 3.949 a 3.952. Autores: Didier Ah-Koon, Steve Baker, Bédu, Ben BK, Bercovici, Christophe Bertschy, Thomas Bonin, Claire Bouilmac, Raoul Cauvin, Cerise, Clarke, Stephan Colman, Christelle Coopman, Laurence Croix, Luc Cromheecke, Clara Cuadrado, Ian Dairin, Darasse & Bosse, Philippe De Kemmeter, Del, Dino, François Duprat, Benoit Feroumont, Brigitte Findakli, Floris, Olivier Goka, Mark Hardy, Hubersch, Hubert, Isa, James, Janry, Joan, Pascal Jousselin, Anne-Claire Jouvray, Jéróme Jouvray, Kerascoët, Klub, Kox, Labruyère, Lady C, Laudec, Manu Larcenet, Pic Lelièvre, Leonardo, Libon, Madaule, Éric Maltaite, Midam, Boris Mirroir, Nob, Nolwenn, Obion, Ohm, Marco Paulo, Sergio Salma, Mathieu Sapin, Olivier Schwartz, Sti, Stuf, Thiriet, Tome, Lewis Trondheim, Yann, Zidrou. Portadas: Olivier Schwartz, Yoann y Vehlmann, Darasse y Zidrou, Clarke. Editor: Olivier Perrard. 52 páginas a todo color. Éditions Dupuis. ISSN: 07718071. Bélgica, 18 de diciembre de 2013 al 8 de enero de 2014.

Hace más de cuatro décadas que leo historietas. Y si bien tuve acceso a diversas series y personajes del mítico Journal de Spirou (en álbumes, en el Billiken y hasta en algunos números desperdigados de las revistas españolas Spirou Ardilla y Fuera Borda), nunca antes había tenido entre mis manos un ejemplar del longevo semanario francobelga. Y la sensación tras leer no uno, sino cuatro números corridos recién salidos del horno, fue de esas experiencias que hacen envidiar aquellos fenómenos culturales que nosotros hemos ido perdiendo, por los vaivenes de la Historia, por decisiones empresariales, por haberlos dejado caer, por todo eso junto y más…

Spirou et le fetiche des Marolles (por Yann y Olivier Schwartz), especie de continuación deLe Groom Vert-De-Gris, traza líneas entre la Bruselas de posguerra y el Congo belga colonial, incluyendo una misteriosa mujer leopardo, gorilas robots y un estilizado diseño con influencias del Art-Deco

Me refiero, específicamente, a la revista de historietas infanto-juvenil. Un espacio de encuentro, descubrimiento y aprendizaje de formas, lenguajes y lecturas que, más allá de los reales logros alcanzados por la gente de Banda Dibujada, parece haber quedado muy lejos del presente editorial argentino. Es cierto que el fenómeno de Le Journal de Spirou es de una marcada raigambre territorial, aparentemente imposible de transplantar y/o traducir en otras latitudes, pero si el mercado francobelga supo mantener esa sana costumbre, sin escaparle a los distintos aggiornamientos contemporáneos, por qué quedarse pensando que aquí no podemos hacerlo.

Choc (de Stephan Colman y Éric Maltaite), recupera la figura del homónimo amo del mal, al mejor estilo Fantomas, nacido como enemigo público Nº 1 de Tif y Tondu, clásica historieta creada por Fernand Dineur para Le Journal de Spirou en 1938

Si estos cuatro números pueden ser tomados como ejemplo de la identidad de la publicación, la razón de su éxito sostenido parecería estar asentada en un par de pilares muy bien conceptualizados: 1. El equilibrio justo entre los personajes de peso y las series de relleno, que cumplen con creces su función de complemento al material principal.

Ralph Azam, serializada y exitosa saga de fantasía heroica a cargo de Lewis Trondheim

2. La alta calidad promedio de la segunda línea de autores, sostenida por un grupo estelar que le saca varios cuerpos (Lewis Trondheim, Manu Larcenet, Mathieu Sapin, la dupla Yann y Olivier Schwartz) y eleva exponencialmente el saldo cualitativo de la lectura.

Pin Pin Reporter, página humorística de Mathieu Sapin

3. La cobertura del actual imaginario infantil, en cuanto a géneros (aventura, ciencia-ficción, costumbrismo, policial, cuentos de hadas, fantasía heroica), personajes arquetípicos (piratas, genios del mal, animales antropomórficos, niños magos, príncipes bárbaros, superhéroes, agentes secretos, náufragos) y figuras reconocibles de la contemporaneidad urbana de clase media (chicos terribles, padres insoportables, estudiantes adolescentes, psiquiatras, enfermeras, el encargado de una comiquería, periodistas, los propios autores del Journal en plan autobiográfico; y hasta un sepulturero), así como los compartidos intereses generacionales (de la ecología a los videojuegos, pasando por las historietas, los dibujos animados y el desarrollo de sus propias capacidades creativas).

Antes de protagonizar su propia película, los Minions de Mi villano favorito ganaron esta serie de gags firmados por Didier Ah-Koon y Nolwenn

4. El abordaje de problemáticas comunes a los niños de hoy día, como son el sobrepeso, el ensamblaje familiar y la posibilidad de atentados terroristas.

Tamara (de Zidrou, Darasse & Bosse) es una adolescente que debe lidiar con su sobrepeso y la conviviencia en una familia ensamblada

5. La adopción (en regla general) de la comedia de enredos como eje transversal a todo el material publicado por la revista, autoconclusivo y/o continuado, de aparición fija o con cadencia rotativa, buscando generar lazos emocionales e intelectuales con los lectores directos del Journal (los chicos) y su universo ampliado (los mayores).

Aún siendo anterior a Harry Potter, la brujita adolescente Mélusine (Clarke) acepta referenciarse con el modelo impuesto por J.K. Rowling; y marca las necesarias distancias de estilo, ambientación y tono narrativo

Con la ligereza que permiten los distintos niveles de modulación del tono humorístico; asumiéndose como parte de una sociedad moderna, lo suficientemente flexible para adaptarse a los cambios que vienen sin por ello renunciar a las tradiciones que la definen particularmente, Le Journal de Spirou tiene algo para ofrecerle a cada uno de sus destinatarios: Diversión garantizada para los chicos de 0 a 99 años.

Fernando Ariel García

Yoann y Vehlmann

Darasse y Zidrou

Clarke

(Información de prensa) El viernes 31 de enero, a las 19:00 horas, Jordi Bayarri presenta Newton, la gravedad en acción, en la Fnac de Valencia (Calle de Guillem de Castro 9, Valencia, España). Participará del evento Ricardo Engra, de la Asociación Valenciana del Cómic.

Newton, la gravedad en acción supone la consagración de la Colección Científicos, una serie que se inició con Darwin, la evolución de la teoría y cuya publicación ha sido posible gracias al micromecenaje.

En esta ocasión, Bayarri ha dado vida a Newton, el científico del siglo XVII cuyas ideas revolucionaron la física y la manera de entender el mundo.

Y no ha estado solo en este viaje al pasado para reconstruir la vida del científico inglés, ya que de nuevo ha contado con el asesoramiento de Tayra Lanuza, doctora en historia de la ciencia e investigadora del CSIC, que ha acompañado a Jordi desde los inicios de este proyecto.

Nos alegramos de acoger esta presentación y esperamos ansiosos que Jordi nos desvele qué personaje protagonizará el cuarto volumen de la colección.

ROSAS DE BERLÍN PARA LA LIGA DE LOS CABALLEROS EXTRAORDINARIOS

LUCHA PELUCHE VOL. 2: EN EL MISMO LODO, TODOS MANOSEAOS

FELIZ 2014: SALUDOS DE KARDO KOSTA

FROZEN: LIBERTAD SIN VUELTA ATRÁS

FELIZ 2014: SALUDOS DE LES HUMANOIDES ASSOCIÉS

CUESTIONARIO MANECO: OSCAR GRILLO

LOS SÁBADOS SON COMO UN GRAN GLOBO ROJO: EL MUNDO CON OJOS DE HIJO

SWAMP THING Nº 1. LA SEMILLA DEL MONSTRUO

DUGONG Y MANATÍ: ABRIR LA PUERTA PARA IR A JUGAR

DETECTIVE COMICS (VOL. II) Nº 27: EL MURCIÉLAGO ETERNO

LO MEJOR DE MAITENA: MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS

JUAN GELMAN (1930-2014): TODO UN HOMBRE

EL JUEGO DE ENDER: MESSI, JUSTIN BIEBER Y LA ANIQUILACIÓN PREVENTIVA DE LA NIÑEZ

DOS PAVOS EN APUROS: TODO BICHO QUE CAMINA…

SALIÓ GRAPHIC NOVEL IS DEAD, LO NUEVO DE DAVIDE TOFFOLO

MIRACLEMAN Nº 1: PARA EL CULO

CUESTIONARIO MANECO: IGNACIO MINAVERRY

JAN KARSKI, EL HOMBRE QUE DESCUBRIÓ EL HOLOCAUSTO

LE JOURNAL DE SPIROU: DIVERSIÓN GARANTIZADA PARA LOS CHICOS DE 0 A 99 AÑOS

JORDI BAYARRI PRESENTA NEWTON, LA GRAVEDAD EN ACCIÓN, EN ESPAÑA